Cinema & Consciência

DOCUMENTÁRIO HOMO SAPIENS PARAPSYCHICUS SAI PRIMEIRO EM TRAILER

2011-10-12T20:05:00.001-03:00

Estou de volta após alguns meses de recesso, dedicados à produção e edição de vídeos, entre outros projetos de voluntariado, que não me deram tempo nem escolha para pensar em outra coisa. Ufa! Aos seguidores que ficaram esse tempo sem postagens e notícias, mas pacientes, retorno com trailer promocional não-oficial do meu futuro documentário Homo Sapiens Parapsychicus, um projeto de estréia, que aborda a paranormalidade como uma faculdade parapsíquica inerente ao ser humano, da qual ele faz uso com maior ou menor grau de lucidez e controle - "o ser humano é, em sua essência, um ser parapsíquico e pluriexistencial, isto é, com, sucessivas experiências reencarnatórias (ressomáticas) as quais determinam hoje o seu nível evolutivo.

A razão do trailer sair primeiro do que documentário ocorre pelo fato de tê-lo preparado para participar do The One Minute Festival na categoria trailer. Mas isso ficou para uma poutra ocasião. Trabalho pronto, mas não final, apresento este até-aqui a vocês.

Música: trecho de "Through the Portal" by Jamin Winans - Licença de uso por Double Edge Films
Direção e imagens: Mário Luna

Zeitgeist - Moving Forward

2011-03-18T01:14:00.002-03:00

Em 15 de janeiro de 2011, Zeitgeist: Moving Foward” dirigido por Peter Joseph foi lançado em 60 países, 31 idiomas, 295 cidades e 341 locais de exibição. No YouTube, com legendas em 30 línguas diferentes, o documentário pode ser considerado o maior lançamento de um filme independente sem fins lucrativos da historia.

Este é um trabalho não comercial, e está disponível online para visualização e nenhuma restrição para fazer upload, download, postar, e linkar, desde que não ocorra nenhuma troca em dinheiro.

Zeitgeist: Moving Forward, do diretor Peter Joseph, é uma característica de trabalho documentário que vai apresentar um caso de uma saída de transição necessária da política monetária socioeconômico, atual paradigma que rege a sociedade do mundo inteiro (Mr. Zunxo - YouTube).

"Uma economia baseada em recursos é um sistema onde todos os bens e serviços estão disponíveis sem o uso de dinheiro, crédito, escambo ou qualquer outro sistema de débito ou servidão. Todos os recursos tornam-se patrimônio comum de todos os habitantes, não de apenas uns poucos selecionados. A premissa sobre a qual esse sistema é baseado é a de que a Terra seja abundante em recursos; nossa prática de racionamento de recursos através de métodos monetários é irrelevante e contraproducente à nossa sobrevivência.
A sociedade moderna tem acesso à tecnologias de ponta e pode disponibilizar comida, vestimenta, moradia e assistência médica; atualizar nosso sistema educacional; e desenvolver um suprimento ilimitado de energia renovável e não-poluente. Através da provisão de uma economia projetada de forma eficiente, todos podem desfrutar de um elevadíssimo padrão de vida com todas as amenidades de uma sociedade altamente tecnológica. Uma economia baseada em recursos usaria os recursos existentes da terra e do mar, o equipamento físico, indústrias etc. para engrandecer a vida de toda a população. Numa economia baseada em recursos no lugar de dinheiro, poderíamos facilmente produzir todas as necessidades biológicas e fornecer um elevado padrão de vida para todos."

O Blog Cinema & Consciência exibe o documentário na íntegra (duração: 2h41min25seg). Para a escolha da legenda, clique no botão CC (vermelho) na barra inferior do monitor de video.

Site Oficial: Zeitgeist: Moving Forward

Confucius - A Batalha pelo Império

2011-02-23T22:38:00.000-03:00

Kong Qiu, Zhong Ni ou Confucius, seu nome latino, nasceu no ano 551 AC, em Tsou, uma pequena cidade no estado de Lu, hoje sul da província de Shantung. Confúcio viveu durante a dinastia Chou, num período de grande ebulição intelectual na China. Mas foi com o advento da dinastia Ch'in, entretanto, que o confucionismo esperimentou seu período de oposições. O imperador Shih Huang Ti estava determinado a erradicar a influência de Confúcio e ignorar o passado. Mas, antes de tomarmos partido neste episódio contrário à filosofia de Confúcio, liderado por Shih Huang Ti, convém lembrar que o imperador chinês está entre as 50 mais ilustres consciências da história mundial por promover a união da China e instituir uma série de reformas radicais, que se constituíram num importante fator de unidade cultural, o qual se mantém vivo e válido desde então.

O confucionismo resistiu e sobreviveu à tentativa de erradicação de sua filosofia, com o apoio dos sábios confucionistas, quando a dinastia Ch'in se extinguiu. Na dinastia seguinte, com o imperador Han, o confucionismo foi adotado como filosfia oficial do governo chinês. E não ficou apenas nesse status. Consequentemente, os ideais de Confúcio foram aceitos pela maioria dos chineses, influenciando de forma definitiva a vida na China e o modo de pensar do seu povo. A forma usada por Confúcio para passar seus ensinamentos a seus alunos tinha na sua integridade e sinceridade a base sólida para credenciar suas ideias.

Além disso, Confúcio era um homem moderado e prático e não exigia de ninguém aquilo que ele não pudesse dar. O respeito ao momento evolutivo do próximo e aos limtes de cada um foi talvez a chave para o imenso sucesso dos seus ensinamentos. Ele não anunciava-se como salvador e nem pretendia mudar a crença do povo. Não pedia mudanças de paradigmas nem que abandonassem seus cultos. Confúcio apenas ofereceu uma forma de reorganizar tais ideias de uma maneira clara e admirável, fortalecendo as tradições e criando uma sintonia com os pontos de vista fundamentais da época.

Confucius - A Batalha pelo Império apresenta o período dos 51 aos 73 anos do influente filósofo chinês. De prefeito da cidade de Zhongdu a ministro do reino e mestre difusor de ideais éticos de humanidade e harmonia. Durante o reinado de Ding, três clãs disputavam o poder em Lu: os Jishi, os Shushi e Mengshi. O governante Lu Dinggong escolheu Confúcio como Ministro da Justiça para instaurar civilidade e progresso no reino. Em 497 AC, depois de algumas vitórias memoráveis pela engenhosidade e inteligência, o filósofo enfrentou oposição das famílias nobres e partiu para o exílio, viajando pela China. Em 484 AC retornou à terra de seus pais.

No filme da diretora Hu Mei, Confúcio atravessa um período de grandes rivalidades e guerras entre Estados na China. Ele é um poderoso e influente ministro que se destaca por seu prestígio e autoridade. Seu poder, entretanto, implica em contrair inimigos invejosos e uma traição politica coloca o Imperador contra Confucius. Injustamente deposto de seu cargo e mandado, enfrenta o exílio e luta contra os imperadores com seu exército de grandes idéias. Mesmo em tempos de crise, Confucius nos mostra que devemos prosseguir vivendo com arte, ética e benevolência. Sendo paciente e suave, é possível vencer a agressão e arbitrariedade. Uma bela fotografia e uma produção primorosa completam essa obra para o cinema para se ver e ter em casa, pois constitui um documento importante sobre um homem que não irá somente unificar uma nação, mas mudar a história da humanidade.

O Efeito Sombra

2011-02-20T01:49:00.000-03:00

Segundo Jung, a sombra é a parte obscura de nossa personalidade, que reside no universo inconsciente e é basicamente formada por nossos defeitos ou traços fardos, constituindo-se, assim, uma parte importante parte da nossa psique. A sombra, no entanto, não representa apenas os nossos traços fardos; é também o ponto inicial para as nossas reciclagens pessoais, intraconscienciais, o repositório do que precisa ser modificado, descartado, a fim de que algum nível de crescimento pessoal seja alcançado. Descartar as sombras significa, para Jung, tornar-se um pouco mais inteiro. Ignorá-la, por outro lado, potencializa nossas fraquezas. Para superá-las é preciso auto-enfrentamento e coragem para evoluir.

Nós só podemos evoluir olhando para aquilo que ainda não foi desenvolvido. Lidar apenas com as nossas qualidades pode nos levar ao mimetismo, ou seja, a repetição ad eternum de talentos e aptidões já descartáveis. Para Jung, essa não seria uma "vida inteira." Os potenciais se renovam, as necessidades de desempenharmos novas tarefas também. Isso fica mais claro de entender quando pensamos que ninguém pode evoluir fazendo sempre as mesmas coisas. Depois do sucesso do livro, chega ao Brasil o DVD O Efeito Sombra, lançado por aqui pela Gemini. O filme conta com a participação dos autores do best-seller homônimo, que consta pela 22ª semana seguida na lista dos livros mais vendidos do gênero de auto-ajuda das revistas Época e Veja.

Escrito pelo médico indiano Deepak Chopra, pela professora espiritual Marianne Williamson e por Debbie Ford, consultora espiritual, que escreve semanalmente para o portal Oprah.com, o filme é psicanalítico e conta também com especialistas estudiosos do conceito de Sombra. Além disso, traz depoimentos emocionantes de pessoas que conseguiram superar suas sombras para viver uma vida plena. É um filme que incita a auto-reflexão, revolucionando a forma de encarar seus defeitos e qualidades. Nas palavras do autor best-seller Aldo Novak, porta-voz do livro e do filme O Efeito Sombra no Brasil, "assistir a este filme é encontrar o segredo que faltava em O Segredo."

10 Filmes Imperdíveis sobre Programação Existencial

2011-02-15T23:11:00.002-02:00

À Procura da Felicidade

Chris Gardner (Will Smith) é um pai de família que enfrenta sérios problemas financeiros. Apesar de todas as tentativas em manter a família unida, Linda (Thandie Newton), sua esposa, decide partir. Chris agora é pai solteiro e precisa cuidar de Christopher (Jaden Smith), seu filho de apenas 5 anos. Ele tenta usar sua habilidade como vendedor para conseguir um emprego melhor, que lhe dê um salário mais digno. Chris consegue uma vaga de estagiário numa importante corretora de ações, mas não recebe salário pelos serviços prestados. Sua esperança é que, ao fim do programa de estágio, ele seja contratado e assim tenha um futuro promissor na empresa. Porém seus problemas financeiros não podem esperar que isto aconteça, o que faz com que sejam despejados. Chris e Christopher passam a dormir em abrigos, estações de trem, banheiros e onde quer que consigam um refúgio à noite, mantendo a esperança de que dias melhores virão.

(Fonte: http://www.adorocinema.com/filmes/a-procura-da-felicidade/).

Confucius - A Batalha pelo Império

Confucius é um poderoso e influente ministro que se destaca por seu prestígio e autoridade em um dos impérios da China antiga. Mas tanto poder traz consigo inimigos invejosos. Uma traição política coloca o imperador contra Confucius e ele é injustamente deposto de seu cargo e mandado para o exílio. Lutando contra os imperadores, Confucius não irá somente unificar uma nação mas mudará a história da humanidade.

(Fonte: http://www.interfilmes.com/filme_24395_A.Batalha.Pelo.Imperio-%28Confucius%29.html)

Hotel Ruanda

Em 1994 um conflito político em Ruanda levou à morte de quase um milhão de pessoas em apenas cem dias. Sem apoio dos demais países, os ruandenses tiveram que buscar saídas em seu próprio cotidiano para sobreviver. Uma delas foi oferecida por Paul Rusesabagina (Don Cheadle), que era gerente do hotel Milles Collines, localizado na capital do país. Contando apenas com sua coragem, Paul abrigou no hotel mais de 1200 pessoas durante o conflito.

(Fonte: http://www.adorocinema.com/filmes/hotel-ruanda/)

Maria Montessori

A Versátil apresenta "Maria Montessori - Uma vida dedicada às crianças", cinebiografia de Maria Montessori (1870-1952), médica, educadora e pedagoga italiana que criou um método educacional revolucionário. Esta minissérie conta com uma excelente atuação de Paola Cortellesi no papel principal. Nos extras, depoimento da Profª. Heloísa Pires, educadora e escritora. Acompanhe os principais momentos da trajetória de Montessori - a graduação em medicina, a militância feminista, o trabalho pioneiro com crianças deficientes, a fundação da "Casa das Crianças", a relação com o filho Mario, entre outros.

(Fonte: http://www.eovideolevou.com.br/detalhe/completo.asp?cp=65270)

Jornada da Liberdade

A vida de William Wilberforce é a história de como a perseverança e a fé de um homem mudaram o mundo. Líder do movimento abolicionista britânico, o filme mostra a luta épica para criar a uma lei com o objetivo de acabar com o tráfico negreiro. Durante esta jornada, Wilberforce encontra oposição intensa dos que acreditavam que a escravidão estava diretamente ligada à estabilidade do império britânico. Em seus amigos, incluindo John Newton, um ex-capitão de navio negreiro que compôs o famoso hino Amazing Grace, encontrou suporte para continuar lutando pela causa.

Samsara

Tashi é um jovem monge tibetano que, após passar três anos em reclusão meditando, é resgatado por seus companheiros, que o ajudam a retornar ao monastério. No caminho, ele vê escrito em uma pedra "como impedir que uma gota d'água desapareça ao sol?". De volta à vida religiosa, Tashi se encanta com uma dançarina, e os crescentes desejos por uma existência comum o atormentam tanto, que ele decide deixar o templo, e ir viver na cidade, para trabalhar, se casar e constituir família.

(Fonte: http://www.cineplayers.com/filme.php?id=1435)

Salvo pela Luz

É baseado no livro Saved by the Light, de autoria do empresário norte-americano Dannion Brikley, que narra sua vida e a grande transformação pela qual passou após vivenciar, por duas vezes, uma inesquecível experiência no Plano Espiritual, em desdobramento, estando seu corpo físico morto clinicamente. O seu caso foi bem documentado pelo famoso pesquisador e psiquiatra Dr. Raymond Moody (V. AE 1993, p. 223), até mesmo incluindo-o no filme Vida Após a Morte, excelente documentário científico lançado, em 1992, nos EUA. (V. esta Seção do AE 1997).

(Fonte: http://www.forumespirita.net/fe/cinema-video/salvo-pela-luz-30247/)

Encontrando Forrestier

Jamal Wallace (Robert Brown) é um jovem adolescente que ganha uma bolsa de estudos em uma escola de elite de Manhattan, devido ao seu desempenho nos testes de seu antigo colégio no Bronx e também por jogar muito bem basquete. Após uma aposta com seus amigos, ele conhece ele conhece William Forrester (Sean Connery), um talentoso e recluso escritor com quem desenvolve uma profunda amizade. Percebendo talento para a escrita em Jamal, Forrester procura incentivá-lo para seguir este caminho, mas termina recebendo de Jamal algumas boas lições de vida.

(Fonte: http://www.adorocinema.com/filmes/encontrando-forrester/)

Para Sempre Pestalozzi

A Versátil e a Vídeo Spirite apresentam Pestalozzi para sempre, inédita cinebiografia do educador suíço Johann Heinrich Pestalozzi (1746 - 1827), um dos pioneiros da pedagogia moderna. Selecionado para o Festival de Cinema de Berlim, este drama tem como destaque a grande atuação do consagrado Gian Maria Volontè (A Classe Operária vai ao Paraíso) no papel-título. Edição Especial com vários vídeos extras sobre o legado de Pestalozzi e sua importância como educador do filósofo francês Allan Kardec (1804-1869), o Codificador da Doutrina Espírita. O filme focaliza um período crítico no desenvolvimento das teorias educacionais de Pestalozzi, quando o educador dirigia um internato para crianças pobres de um vilarejo na parte francesa da Suíça.

(Fonte: http://www.interfilmes.com/filme_22772_para.sempre.pestalozzi.html)

Quase Deuses

Nashville, 1930. Vivien Thomas (Mos Def) é um hábil marceneiro, que tinha um nome feminino pois sua mãe achava que teria uma menina e, quando veio um garoto, não quis mudar o nome escolhido. Eleé demitido quando chega a Grande Depressão, pois estavam dando preferência para quem tinha uma família para sustentar. A Depressão o atinge duplamente, pois sumiram as economias de 7 anos, que ele guardou com sacrifício para fazer a faculdade de medicina, pois o banco faliu. Thomas consegue emprego de faxineiro, trabalhando para Alfred Blalock (Alan Rickman), um médico pesquisador que logo descobre que ele tem uma inteligência privilegiada e que poderia ser melhor aproveitado. Blalock acaba se tornando o cirurgião-chefe na Universidade Johns Hopkins, onde está pesquisando novas técnicas para a cirurgia do coração. Os dois acabam fazendo um parceria incomum e às vezes conflitante, pois Thomas nem sempre era lembrado quando conseguiam criar uma técnica, já que não era médico.

(Fonte: http://www.adorocinema.com/filmes/quase-deuses/)

Os Filhos da História

2011-01-15T15:43:00.002-02:00

A situação do Nordeste brasileiro, no final do século XIX, era muito precária. Fome, seca, miséria, violência e abandono político afetavam os nordestinos, principalmente a população mais carente. Toda essa situação, em conjunto com o fanatismo religioso, desencadeou um grave problema social. Nessa época, o beato Antônio Conselheiro, homem que passou a ser conhecido logo depois da Proclamação da República, liderou um movimento de apoio à monarquia e renúncia à república. Ele acreditava que havia sido enviado por Deus para acabar com as diferenças sociais e também com os pecados republicanos, entre estes, estavam o casamento civil e a cobrança de impostos. Com estas idéias em mente, ele conseguiu reunir um grande número de adeptos que acreditavam que seu líder realmente poderia libertá-los da situação de extrema pobreza na qual se encontravam.

Nascido na vila de Quixeramobim, no interior do Ceará, Antônio Vicente Mendes Maciel cresceu em uma família de padrão de vida mediano. Durante sua infância teve uma educação diversa que lhe ofereceu contato com a geografia, a matemática e as línguas estrangeiras. Aos 27 anos, depois da morte de seu pai, assumiu os negócios da família. Não obtendo sucesso, abandonou a atividade. Na mesma época, casou-se com uma prima e exerceu funções jurídicas nas cidades de Campo Grande e Ipu. Com o abandono da mulher, Antônio começou a vaguear pelo sertão nordestino. Em seguida, envolveu-se com uma escultora chamada Joana Imaginária, com quem teve um filho. Em 1865, Conselheiro abandonou a mulher e o filho e retornou à sua peregrinação sertaneja. Nessas andanças, começou a construir igrejas, cemitérios e teve sua figura marcada pela barba grisalha, a bata azul, sandálias de couro e a mão apoiada em um cajado.

Sob a perspectiva de alguém influenciado pelas contrariedades pessoais e os problemas sócio-econômicos do sertão, Antônio Conselheiro iniciou uma pregação religiosa defensora de um cristianismo primitivo. Defendia que os homens deveriam se livrar das opressões e injustiças que lhes eram impostas, buscando superar os problemas de acordo com os valores religiosos cristãos. Com palavras de fé e justiça, Conselheiro atraiu muitos sertanejos que se identificavam com a mensagem por ele proferida. Em 1876, autoridades lhe prenderam alegando que ele havia matado a mulher e a mãe, e o enviam de volta para o Ceará. Depois de solto, Conselheiro se dirigiu ao interior da Bahia. Com o aumento do seu número de seguidores e a pregação de seus ideais contrários à ordem vigente, Conselheiro fundou – em 1893 – uma comunidade chamada Belo Monte, às margens do Rio Vaza-Barris. Canudos foi o nome dado por seus opositores. Desde o início da comunidade, autoridades eclesiásticas e setores dominantes da população viam na renovação social e religiosa de Antônio Conselheiro uma ameaça à ordem estabelecida.

De um lado, a Igreja atacava a existência de Canudos alegando que os seguidores de Conselheiro eram apegados à heresia e depravação. Por outro, os políticos e senhores de terra, com o uso dos meios de comunicação da época, diziam que Antônio Conselheiro era monarquista e liderava um movimento que almejava derrubar o governo republicano, instalado em 1889. Com o passar do tempo, as idéias iniciais difundiram-se de tal forma que jagunços passaram a utilizar-se das mesmas para justificar seus roubos e suas atitudes que em nada condiziam com nenhum tipo de ensinamento religioso; este fato tirou por completo a tranqüilidade na qual os sertanejos daquela região estavam acostumados a viver.

Em novembro de 1896, no sertão da Bahia, os conflitos civis foram iniciados com várias batalhas travadas entre os jagunços de Conselheiro e o exército do estado da Bahia e duraram por quase um ano, até 05 de outubro de 1897. Devido a enorme proporção que este movimento adquiriu, o governo da Bahia não conseguiu por si só segurar a grande revolta que acontecia em seu Estado. Por essa razão, pediu a interferência da República. Esta, por sua vez, também encontrou muitas dificuldades para conter os fanáticos. Somente no quarto combate, onde as forças da República já estavam mais bem equipadas e organizadas, os incansáveis guerreiros foram vencidos pelo cerco que os impediam de sair do local no qual se encontravam para buscar qualquer tipo de alimento e muitos morreram de fome. O massacre foi tamanho que não escaparam idosos, mulheres e crianças.Incriminada por setores influentes e poderosos da sociedade da época, Canudos foi alvo das tropas republicanas.

Ao contrário das expectativas do governo, a comunidade conseguiu resistir a quatro investidas militares. Somente na última expedição, que contava com metralhadoras e canhões, a população apta para o combate (homens e rapazes) foi massacrada. A comunidade se reduziu a algumas centenas de mulheres, idosos e crianças. Antonio Conselheiro, com a saúde fragilizada, morreu dias antes do último combate. Ao encontrarem seu corpo, deceparam sua cabeça e a enviaram para que estudassem as características do crânio de um “louco fanático”. A Guerra de Canudos é tida como um dos principais conflitos que marcam o período entre a queda da monarquia para a instalação do regime republicano no Brasil.

O documentário Sobreviventes – Filhos da Guerra de Canudos, do diretor Paulo Fontenelle, conta a história dos descendentes das pessoas que conseguiram sobreviver ou escapar de alguma forma ao massacre de Canudos. Destacam-se os depoimentos de idosos como o seu Antonio de Isabel, que hoje está com 110 anos de idade, e é o único homem vivo que conheceu Antonio Conselheiro; seu João de Régis, cujos pais escaparam nos últimos dias da guerra; Dona Zefa de Mamede, sua mãe saiu de dentro de Canudos no final da guerra para procurar comida e quando retornou a cidade já estava destruída; entre outros, o filme pretrende resgatar essa história que permaneceu esquecida por muito tempo.

Infernos Mentais

2011-01-10T01:07:00.000-02:00

Muitas crianças têm seus monstros. O meu era pensar que um espírito podia possuir meu corpo durante a noite e matar meu pai. Obviamente ficar sem meu pai me atormentava muito mais do que a idéia de que um espírito pudesse possuir meu corpo. Mas, por volta dos 11 ou 12 anos de idade, eu me viciei nesse tormento, porque criei uma realidade especial para ele. Quando a idéia emergia no consciente não conseguia mais freá-la e o circo do pânico estava montado. A idéia entrava em loop, um problema que eu só resolveria muitos anos depois, quando soube que espíritos não entram em corpos por sua própria vontade e que o amor, enfim, nos resguarda da ação daqueles de piores qualidades. Uma formiga não entra em casa de abelha. Porém, mais do que falar sobre a lógica e as origens de tal psicotismo e as conseqüências do mesmo na adolescência, gostaria de pontuar a facilidade com que as crianças criam universos paralelos, realidades alternativas não menos verdadeiras do que àquelas que vivemos, seja em brincadeiras ou por autoflagelo. Quando acreditamos que algo é verdadeiro, tudo nos leva a manter essa crença e o universo conspira para nos manter longe da realidade comum. Foi justamente numa dessas realidades paralelas que Nicolas (nome original do personagem) entrou para nos brindar com O Pequeno Nicolau, um desses filmes que nos divertem com conteúdo.

O personagem Nicolas (ainda não sei porque a tradução para o português trocou Nicolas por Nicolau, já que se tratam de dois nomes distintos e tanto no Brasil quanto na França ambos são usados – sendo assim, vou manter o nome original quando me referir ao personagem) foi escrito por René Goscinny, um dos autores de Asterix, no final dos anos 50, e os seus livros ilustrados por Jean-Jacques Sempé. Poderíamos dizer que o Pequeno Nicolas é a versão francesa do Menino Maluquinho, isto é, toda criança francesa conhece porque as estórias, assim como as de Asterix, atravessam gerações. Vale ressaltar aqui que, por ser um personagem nacional, deveria ter sido levado para o cinema há mais tempo. Voilá. Contudo, dirigido por Laurent Tirard e também escrito pelo diretor em parceria com o comediante Alain Chabat e Grégoire Vigneron, o filme O Pequeno Nicolau não é uma adaptação de uma das estórias de Goscinny, mas uma obra original.

O monstro criado por Nicolau surgiu com a suspeita de que a sua mãe estava grávida. Quando soube que teria um irmão, um sentimento de rejeição mais forte do que a razão e a lógica juntas se apoderou dos seus pensamentos e ocupou inteiramente suas preocupações. Nada podia remover a convicção de que seus pais estavam tentando se livrar dele com a chegada do mais novo rebento. Ele criou com tanta certeza a idéia de que seria desprezado quando a criança nascesse que passou a criar estratégias de autoproteção e é aqui que o filme, de fato, começa. Segundo a teoria dos universos paralelos, primeiramente escrita pelo físico americano Hugh Everett, em 1950, cada vez que uma possibilidade física é explorada, o universo divide-se em realidades, cada qual tendo o seu próprio universo não menos real do que aquele que conhecemos. Ou seja, quando criamos um universo paralelo, vivemos toda a realidade daquele universo e suas consequências físicas. Isso explica, por exemplo, a existência de doenças psicológicas - e até gravidez! Segundo Everett, num acidente de carro em que o motorista não morre e sai ileso, em algum universo ele pode ter morrido, assim como em algum universo ele pode ter se ferido, ou em outro se recuperado do acidente após uma boa estada no hospital. Os universos paralelos abrem infinitas possibilidades, cabe a nós escolher em que realidade vamos viver.

Quando criamos um inferno mental, vivemos todos os efeitos e consequências desse estado pertubador. O corpo padece, a mente agoniza e o espírito sofre uma angústia criada unicamente para fins de autoflagelo, que resiste como um vício do qual não é tão simples assim livrar-se. Na realidade externa, Nicolau leva uma vida pacífica, seus pais o amam e ele tem uma turma de amigos pestinhas na escola que apronta todas. A sua estratégia de autoproteção na eminência de ser abandonado pelos pais, quando o irmão nascesse, consistia em fazer-se indispensável. Seus primeiros planos, entretanto, não surtem o efetio desejado por ele. Outros são colocados em prática. Com a ajuda dos amigos da escola, ele cria novos estratagemas para a sua autodefesa e diversos planos entram em ação. Embora todos eles sejam muito bem elaborados, no final, os resultados são nulos. Nesse torvelinho ensandecido de planos mirabolantes que não resultam em nada realmente efetivo, Nicolau encontra um menino da escola cujos pais acabaram de ter um outro filho. Ele fala da chegada do irmão, da importância desse acontecimento em sua vida e do lado positivo de ser o irmão mais velho, transformando por fim o universo paralelo de sofrimento e angústia em que Nicolau se meteu desde o dia em que percebeu que ia ter um irmão. Mas uma grande supresa ainda estaria por acontecer na vida do pequeno Nicolau.

As Inverossimilhanças do Medo

2011-01-05T01:22:00.166-02:00

Nada mais normal do que se fazer uma sequência para blockbusters, ou campeões de bilheteria, ainda mais quando o primeiro filme tem no curriculum uma arrecadação de mais de US$ 60 milhões nos Estados Unidos logo na primeira semana. Arrebatador. Porém, tanto o #1 quanto o #2 desse thriller de terror apresenta a mesma intenção, isto é, fazer o espectador pular de cadeira de susto enquanto está no cinema e, mais tarde, deixá-lo vidrado de medo na cama na hora de dormir em casa. A intenção de assustar o espectador tem lá os seus méritos, mas para ser eficiente nesse quesito Atividade Paranormal 2 abriu mão de uma estória coerente e com algum sentido.

Na postagem sobre A Industria do Medo, publicada em 11 de janeiro de 2010 neste blog, comentei sobre as supostas regras para assustar utilizada nos roteiros dos filmes de suspense e/ou terror. É padrão seduzir o espectador para um susto num terço da fita, outro susto num segundo terço e pisar no acelerador dos sustos no último quarto de tempo do filme, criando então um final chocante e revelador. Para dar um bom susto é preciso criar um ambiente prévio de aparente tranquilidade, relaxando o espectador antes de fazê-lo finalmente pular da cadeira. Cruel. Mas a verdade é que, quanto mais tranquila for a cena que leva ao susto, ou que lhe serve de gancho, maior será o pulo da cadeira. E os diretores fazem questão de levar isso a sério porque o espectador adora pular da cadeira em filmes de suspense e terror - eu, ao contrário, já tenho o hábito de ficar colado nela. Nesse aspecto, as duas edições de Atividade Paranormal mostraram algo inovador: deixaram todos os sustos para os últimos 30 minutos de filme, ou seja, o seu último quarto.

Podemos dizer que, quando um filme não está embasado na verdade, ou melhor, quando ele não foi feito com base em pesquisa séria, inevitavelmente, veremos uma fantasia. Há um pouco de ficção na realidade, mas não de fantasia. Ou seja, criamos coisas que passam a ser verdades. Mas não podemos criar o que não é possível. Nesse aspecto, Atividade Paranormal não parece interessado em verossimilhanças para tratar de assunto sério, mas de simplesmente entreter através do medo. As crenças ficam claras na estória. Tanto a jovem adolescente, que busca na internet maiores informações sobre "demônios," quanto a empregada, provavelmente mexicana, parapsíquica, que traz soluções mágicas para afastar espírito ruim, procuram soluções em suas crenças.

Ambos as estórias são improváveis sob vários aspectos, mais notadamente no fenomenológico e contextual, e ambas as produções pecam no roteiro e acabamento de imagem, muito embora este último probleminha seja o grande diferencial do diretor envolvido no chamado filme verdade. Paradoxalmente, o perigo da incoerência em Atividade Paranoral 2 é a perda de contato com a realidade e a consequente omissão didática do fenômeno em si, pois ele existe de uma maneira não mostrada no filme. Por essa razão, decidi escrever sobre o filme.

O filme deixa algumas perguntas no ar. Se você instalasse um sistema de câmeras de segurança em sua casa, por conta de um suposto arrombamento ocorrido na sua ausência, você se recusaria a ver as imagens gravadas nessas câmeras quando houvesse um caso "estranho" na sua residência? Se três pessoas que vivem com você afirmassem que algo "estranho" está acontecendo na sua casa, qualquer coisa bem fora do normal, a sua reação seria a de simplesmente ignorar os fatos? Ainda, no clímax de uma situação de grande perigo dentro da sua casa, você pegaria primeiro a lanterna e esqueceria o seu filho no berço? Se a sua cunhada já tivesse passado pela mesma série calamitosa de fenômenos paranormais, você acharia normal se ela simplesmente desprezasse o seu problema? E por fim, depois de ver a sua casa literalmente sacudida por fenômenos paranormais e sua família devastada pelos traumas dos assombrosos eventos, você continuaria morando na mesma residência como se nada tivesse acontecido? Se você respondeu “sim” para qualquer uma das questões acima, o seu bom senso e discernimento estão em níveis críticos.

Uma possível justificativa para as inverossimilhanças do enredo reside no fato de que, nos Estados Unidos, entende-se por espírito a alma penada de um dessomado errante, uma consciência patológica ainda presa à matéria, mas não violenta e cruel, enquanto por "demônio" entende-se os espíritos que, em sua essência vil, espalham o mal, infernizam os vivos e lhes cobram promessas impagáveis e reclamam pactos eternos. Segundo a crença popular, esses "demônios" têm uma força descomunal e um domínio da matéria muito maior do que a de muitos vivos. São sorrateiros, ardilosos, vingativos e agem muitas vezes escondidos em brumas e sombras, com cheiro fétido e baixando a temperatura a níveis glaciais, quando não materializados em gente conhecida de suas vítimas a fim de as seduzirem com facilidade e manterem-se no anonimato. Há uma vasta literatura sobre "demônios" na internet. Em Atividade Paranormal 2 é um deles que toca o terror (ou será que havia mais de um? Não se sabe). Porém, vale à pena lembrar que esse poder demoníaco tem sido explorado à exaustão nos filmes de terror de uma maneira unicamente interessada em assustar, sem qualquer embasamento de pesquisa séria, dando a falsa impressão de um mal irremediável, o que pode gerar um engano danoso para espectadores menos avisados, porém afoitos o suficiente para encarar o perigo da ignorância multidimensional.

Ora, a paragenética ainda não revelou um padrão comprovável de energias extrafísicas capaz de suplantar em força a propriedade anímica das energias vitais (intrafísicas). O corpo físico é uma fonte de energia singular, potencializada por carne, órgãos, ossos e músculos, própria do ambiente físico e fortificada também pelas energias imanentes, provenientes da terra, do fogo, da madeira, da água e do ar, de pedras, plantas e animais, como de outros elementos inerentes do mundo material. A lógica universal não confirma a idéia de que uma consciência que não mais possui o corpo físico, isto é, energia anímica, seja capaz de utilizar padrões de energias intrafísicas com a mesma potencialidade de um ser vivo, senão por meio justamente deste ser humano vivo. Ou seja, nos doamos energia para que um espírito se manifeste materialmente (ectoplasmia). Se por um lado, o filme deixa a impressão de que “demônios” (equivocadamente) devem ser temidos por sua força própria, por outro, ele fornece uma justificativa (intencional ou não?) para o uso dessa habilidade e força em tais criaturas, uma vez que há na casa um adolescente e uma criança. Num ambiente propenso a poltergeists, normalmente, há jovens adolescentes ou crianças pequenas doando energias para esses eventos. Isso porque, em fase mais tenra, as energias são bem mais potencializadas e menos controladas, de modo que espíritos técnicos nessa modalidade sabem muito bem como usá-las. Mas poltergeits não acontecem por acaso, não são aleatórios e não se justificam apenas no histórico energético do ambente. É preciso haver uma freqüência de energia humana compatível, uma razão pela qual tais espíritos se comuniquem, isto é, uma entropia energética trilateral (espírito-humano-ambiente). A sinergia entre esses três componentes desencadeiam o poltergeist. O ambiente serve de repositório para as consciências efermas, mas os seres vivos fornecem o combustível para as suas ações. Sendo assim, a possibilidade para que eventos como esses mostrados no filme aconteçam não depende apenas do assediador (aqui, "demônio"), mas igualmente do fornecedor das energias motrizes e do próprio ambiente em que ele vive ou se encontra temporariamente.

Particularmente, por alguma razão provavelmente autosabotadora, penso que Atividade Paranormal 2 é melhor do que o seu predecessor, porque há mais momentos em que podemos acreditar que aquilo é possível, mas não deixa de ser um filme repleto de lacunas de coerência, feito para dar sustos e promover medo. Enfim, o diretor deve saber que, quem gosta de ir ao cinema com o propósito de tomar susto e sentir medo, não está muito interessado em saber se a estória faz sentido.

Entrevista com Eduardo Coutinho - Visões do Documentário

2010-12-31T13:24:00.046-02:00

Eduardo de Oliveira Coutinho é considerado um dos mais importantes documentaristas da atualidade. Seu trabalho caracteriza-se pela capacidade que Coutinho tem de ouvir o outro, perscrutar a vida e mostrá-la cruamente com toda a isenção possível. Seus filmes desenrola-se de maneira natural, sendo levados pelo curso dos depoimentos, descortinando universos desde os mais comuns como os mais distantes e desconhecidos. Em sua filmografia, Eduardo Coutinho conta com algumas pérolas, como Edifício Master, Cabra Marcado para Morrer, Santo Forte, Jogo de Cena e Peões. Nessa entrevista, "Visões do Documentário," Eduardo Coutinho nos revela o seu universo particular, a sua forma de criação e seus encantos com a vida.

PARTE 1

PARTE 2

PARTE 3

PARTE 4

PARTE 5

PARTE 6

PARTE 7

PARTE 8

PARTE 9

PARTE 10

PARTE 11

PARTE 12

PARTE 13

PARTE 14

Evolução Relâmpago

2010-12-21T13:18:00.246-02:00

As mudanças possuem uma força impressionante quando têm que acontecer, quando são imprescindíveis e fazem parte do compromisso evolutivo inadiável. Contudo, se o viés motriz da evolução é a mudança, por que resistimos tanto perceber a necessidade de mudar? E, mesmo quando a percebemos, por que é tão difícil reciclar enfim antigos hábitos, atitudes, desconstruir valores desatualizados e torná-los mais saudáveis? Por que estamos amiúde comprometidos com nossos ganhos secundários, envolvidos em pactos mórbidos e imersos em auto-sabotagens nocivas à nossa própria evolução? Evoluir requer coragem para enfrentar o desconhecido, encarar o desafio da renovação e abrir mão do superficial desnecessário; uma coragem conseguida através da vontade inquebrantável. Evoluir começa quando assumimos o comando de nós mesmos e a interia responsabilidade por nossos atos. Evoluir é, portanto, um movimento individual e intransferível.

Entre a intenção e o gesto de mudar, entretanto, há um abismo, ou melhor, um mata-burro que nos impede de prosseguir no caminho da mudança. Hesitamos diante dele, avaliamos os ganhos, tememos o pior, fraquejamos na vontade e receamos dar o próximo passo; esquecemos do nosso compromisso evolutivo, das nossas responsabilidades e do trabalho a ser feito a partir das mudanças. Entramos nos estreitos limites do restringimento físico, esquecemos a realidade pluri-existencial, da nossa procedência extrafísica e desprezamos nossas habilidades para realizar a programação determinada. É sempre mais fácil recorrer ao caminho mais simples e prático, aquele que não exige esforço, e por isso optamos pelo mais desejado em detrimento do que é necessário. Porém, alguns compromissos já estão determinados, o posicionamento consolidado e a vontade estabelecida em algum recôndito intraconsciencial. Basta apenas uma senha, uma imagem, um sonho, um evento, qualquer sinal que nos lembre que eles existem em no universo intraconsciencial e que chegou a hora de colocá-los em prática. Às vezes, é preciso um trem descarrilhar para entrarmos nos trilhos. Outras vezes, é necessário um raio cair bem na nossa cabeça para produzir uma mudança relâmpago. Foi exatamente isso o que aconteceu com Dannion Brinkley.

Em 1975, um jornal da cidade americana de Augusta, no estado da Geórgia, publicou a notícia de que um jovem da Carolina do Sul havia sido atingido por um raio. O jovem se chamava Dannion Brinkley e até então ele nem suspeitara de que houvesse EQMs (Experiências de Quase Morte) e muito menos o que elas significavam. Dannion foi atingido por um raio enquanto falava ao telefone em casa, numa noite de tempestade. A descarga elétrica veio pelo fio do telefone, atingiu o seu pescoço e o levantou do chão. Dannion teve uma parada cardíaca da qual só conseguiu se recuperar horas mais tarde, num hospital, quando os médicos já estavam desenganados da sua recuperação. Em coma, ele sobrevoou o próprio corpo, a sala médica, e foi além, à uma paragem extrafísica para ter com uma equipe de 13 consciências preocupadas com o seu destino na Terra. Reunido com o time que mais tarde ele descreveria como formado por 13 “espíritos de luz,” Dannion viu passar diante dos olhos o filme da sua vida até ali.

Na época em que o raio o atingiu, Dannion era uma consciência pertubada, um "garotão" de mais ou menos 30 anos, com todos os defeitos deslocados de um adolescente no auge da fase da afirmação. Era impaciente, imaturo, intolerante, egoísta, agressivo, briguento, individualista, cruel etc., citando apenas algumas de suas desqualidades. Casou-se com uma mãe, na verdade, a quem chamava de esposa, tal era o zelo e comando desta mulher para com ele. Na pequena cidade em que vivia, Dannion era conhecido pelas suas brigas, confusões e até ações criminosas - ele já havia ateado fogo numa residência com toda a família lá dentro, quando tinha 12 anos, ou perto disso. Enfim, o filme da sua vida lhe apareceu tal um documentário policial, com cenas de violência, refregas e confusões. Quando viu as imagens de tudo de errado que havia feito diante dos olhos, ele ficou triste e chorou. Sentiu na pele, pela primeira vez, a gravidade do seu desvio e as consequências da sua dissidência extrafísica. Estava muito distante da consciência que devia ser para cumprir a programação existencial planejada. Resnascer para Dannion fez com que ele caísse no limbo de um esquecimento noscivo, pois a grande "virada de mesa" existencial, o que veríamos depois, não aconteceria de outra forma senão por meio de uma EQM. Sem o propósito de uma reciclagem séria, ele seguiria em automimese, repetindo os erros da sua índole agressiva.

Quando deixou o hospital pela primeira vez, Dannion experimentou o avanço descomunal do seu parapsiquismo. Ganhou o talento da premonição e uma incrível perceção energética. Podia prever eventos de um futuro distante e ler a história pessoal (holobiografia) de qualquer pessoa que estivesse na sua frente. Além, disso, passou a se projetar com frequência. Nessa época, procurou o dr. Raymond Moody, famoso por seus estudos de EQM e então uma autoridade em experiência projetiva nos Estados Unidos, além de também ser o autor do livro "Depois da Vida" e do ótimo documentário "Vida Depois da Morte," ambos sucessos de venda nos Estados Unidos e, mais tarde, em todo o mundo. O primeiro encontro entre Dannion e dr. Moody aconteceu numa das palestras que o médico dava nos Estados Unidos. "Eu estava fazendo uma palestra numa universidade estadual da Carolina do Sul a respeito de experiências de quase-morte e de meus estudos com pessoas que haviam tido essas experiências profundamente espirituais," conta o dr. Moody. "Durante o período de debates, no final da palestra, Dannion levantou a mão e nos falou de sua experiência. Ele deixou a platéia fascinada com a sua dramática história." Dr. Moody havia lido sobre o caso de Dannion Brinkley no jornal local e desde então ficou interessado em conhecê-lo.

Os dois voltariam a se encontrar mais tarde, mas, após aquela primeira palestra, Dannion refugou. Com a experiência do debate científico, ele pensou que as suas vivências eram de fato doidas demais para fazer as pessoas acreditarem no que estava dizendo. Ele resistiu aos pedidos do dr. Moody para um novo encontro, mas a obstinação do médico acabou por vencer a sua resistência. "Mais tarde, consegui marcar um encontro para entrevistá-lo e fui à casa dele para ouvir sua história," conta o dr. Moody. "A partir desse dia, a experiência de quase-morte de Dannion Brinkley permanece como uma das mais notáveis que já ouvi. Ele viu o próprio corpo morto por duas vezes, quando saiu dele e quando retornou, e, nesse intervalo, foi para um reino espiritual habitado por seres bondosos e poderosos que lhe permitiram ver sua vida numa completa retrospectiva e avaliar seus êxitos e suas imperfeições. Depois foi para uma linda cidade de cristal e luz, e ficou na presença de treze seres de luz que o inundaram de sabedoria."

Com o dom da premonição adquirido (ou recuperado?) na dimensão extrafísica, após as EQMs, Dannion disse em 1975 que o colapso da União Soviética iria ocorrer em 1989 e que seria marcado por problemas causados pela falta de alimentos. Previu também que uma grande guerra nos desertos do Oriente Médio seria deflagrada quando um país pequeno fosse invadido por um outro maior. Segundo Dannion, as consciências extrafísicas, com quem ele se encontrava durante as EQMs, lhe disseram que haveria um sério conflito entre dois exércitos em 1990. A guerra da qual eles estavam falando era, naturalmente, a Guerra do Golfo. Dr. Raymond Moody e Dannion Brinkley se tornariam amigos íntimos e uma parceria de trabalho nas palestras sobre EQM nos Estados Unidos. Até lá, Dannion teria pela frente uma fase de reciclagens existenciais e intraconsciencias sérias, que lhe exigiriam muito esforço, pois deveriam acontecer em tempo relâmpago, ou seja, na mesma velocidade que o raio havia lhe atingido dentro de sua própria casa, enquanto falava ao telefone. Esse esforço seria recompensado por tudo de positivo que aconteceria a Dannion nos anos seguintes, após essa trasformação, num processo exemplar de coragem para evoluir.

No filme do diretor Lewis Teague, uma produção de 1995, hoje apenas disponível no Brasil em VHS, o ator Eric Roberts fez muito bem o papel de Dannion Brinkley, representando de maneira convincente o período da sua transformação de caráter. Sua atuação elogiada lhe valeu uma indicação ao Prêmio Emmy e ao Globo de Ouro. No período em que passou do bandido odiado pela população da cidade ao mocinho admirado por todos no filme, vemos uma sequência muito boa de exemplos do que acontece quando mudamos nossas atitudes patológicas radicalmente. Em geral, o que vemos é que algumas companhias (físicas e extrafísicas) simplesmente nos deixam de lado (ou as deixamos para trás), outras fazem reciclagens ao mesmo tempo e seguem conosco a nova trilha, outras resistem, mas no fim elas se modificam também e seguem ao nosso lado. Isso é válido tanto para colegas e amigos, quanto para familiares, próximos ou distantes. Sendo a evolução da consciência de caratér individualíssimo, nesse momento, a referência deve estar sempre na nosssa frente, na escala evolutiva, e não nos que ainda estão presos no mimetismo acachapante, improdutivo e espúrio.

O filme do diretor Teague apresenta uma rica sequência de eventos parapsíquicos expostos com muita didática, de fenômenos projeciológicos e o roteiro não deve ter ficado muito distante da realidade conforme narrada no livro "Salvo Pela Luz (Saved by The Light)," que Dannion Brikley escreveu para contar suas experiências, pois não há nada no filme que não possa acontecer com qualquer um de nós na realidade.

Site de Dannion Brikley

Sementes da Liberdade

2010-12-15T00:55:00.001-02:00

A Revolução Francesa marcou o mundo pela transformação que a força popular causou na França a partir de 1789, mudando o quadro político e social do país e dando início à Idade Contemporânea. Cansados da miséria na qual viviam e dos desmandos da nobreza, o povo se uniu e lutou pelo fim da opressão monárquica, aboliu a servidão e os direitos feudais e proclamou os princípios universais de liberdade, igualdade e fraternidade. Em uma frase marcante de Maria Antonieta, ela diz “se o povo não tem pão, que coma brioche.” A situação na França era a de um Estado pobre num país rico. A burguesia tão enriquecida confrontava uma massa de camponeses famintos, onde o trabalho e o sustento andavam muito além do conceito de dignidade e o sentimento de exploração imperava. Algumas décadas mais tarde, na primeira metade do século XIX, a Revolução Industrial fez migrar muitos camponeses para os grandes centros à procura de trabalho. A mão-obra tornou-se excedente e o trabalho se desvalorizou, expondo os trabalhadores a condições de exploração por parte da burguesia financeiramente dominante. O legado da Revolução Francesa sofre, assim, com o surgimento de uma plutocracia dissimulada.

Baseado no livro homônimo de Émile Zola, Germinal é ambientado na França do século XIX e descreve a situação dos trabalhadores das minas de carvão ainda nos primórdios da Revolução Industrial. Com o surgimento das máquinas, o carvão se tornou de extrema importância por ser a fonte de energia para o funcionamento das mesmas. A exploração desse minério passou, entretanto, pelo doloroso processo de exploração de homens, mulheres e crianças, que se aventuravam nos confins subterrâneos para arrancar o sustento de suas famílias. Sem distinção de gênero ou idade, todos eram empregados nas minas. Muitas famílias enfiavam todos os seus membros nesse trabalho para engrossar a renda familiar, pois os baixos salários não permitiam que os homens fossem arrimos de família. Essas famílias, por sua vez, aumentavam a quantidade de filhos para que eles se tornassem uma força de trabalho e renda no futuro. Numa família de nove membros, por exemplo, todos os salários arrecadados com o trabalho nas minas ainda não eram suficientes para garantir o pão na mesa todos os dias. Por outro lado, os patrões, donos das minas, se refestelavam com iguarias das mais nobres em suas mesas e viviam em palacetes. Se antes da Revolução Francesa vemos a nobreza explorando a classe trabalhadora, na Revolução Industrial esse papel ficou por conta da burguesia.

O contexto histórico em que o excelente Germinal, do diretor Claude Berri, foi inserido mostra que o impulso do desenvolvimento tecnológico proporcionado pela Revolução Industrial traz como consequência condições econômicas e sociais inicialmente desastrosas. As corporações de ofício dão lugar às empresas burguesas, fazendo com que o sistema de produção artesanal fosse desmantelado e artesãos camponeses tivessem que correr atrás de trabalho nas cidades industrializadas. Segundo Marx, “o processo capitalista é uma relação de troca tendo o lucro como resultado da expropriação da mais-valia gerada pela força de trabalho," ou seja, o excedente é apropriado pelo capitalista.” A venda de sua força de trabalho é a única solução da classe proletariada para garantir a sua sobrevivência.

No contexto francês retratado no filme, a liberdade passou a não existir. A dependência de se tirar o sutento com um trabalho terrivelmente remunerado amarrou famílias inteiras à exploração no trabalho e a condições impensáveis de vida, além de que as casas em que essas famílias viviam pertenciam aos seus patrões. A igualdade se tornou extinta. Uma alarmante diferença social crescia entre uma minoria burguesa endinheirada e dominante e uma massa de trabalhadores oprimidos e mortos de fome. A fraternidade desapareceu com o ódio que um povo subjulgado passou então a nutrir por uma classe burguesa indiferente à pobreza e cada vez mais rica. Numa das cenas finais do filme, um senhor doente por causa da ingestão de carvão, estrangula fria e repentinamente a filha do dono da empresa para a qual havia trabalhado. O velho doente, moribundo e fraco, levanta-se de sua cadeira, anda calmamente em direção à bela moça e num arroubo de ódio aperta o seu pescoço até ela perder os sentidos e morrer. Essa falta de liberdade, igualdade e fraternidade surge como consequência de um assombroso contraste social o qual, nessa época, marca o retrocesso na prática dos princípios universais. Depois que a Revolução Industrial criou as suas raízes com profundas contradições e injustiças sociais, a chamada Idade Contemporânea despontava da terra com os primeiros frutos do novo mundo capitalista. O terreno não poderia ser melhor para germinar “a necessidade de uma consciência de classe para o início de uma real revolução por parte do proletariado,” segundo Marx.

Os trabalhadores das minas não tinham garantia de emprego, benefícios, segurança, saúde e eram expostos a cargas de tabalho desumanas de até 16 horas por dia. Recebiam seus parcos salários por uma produção cada vez mais exigente e menos remunerada. Não tinham apoio de sindicatos e associações, nem contavam com leis que os protegessem da exploração dos patrões. Dessa maneira, homens, mulheres e crianças morriam no e/ou do trabalho com o carvão, eram vilipendiados e roubados, trabalhando em condições insalubres e inseguras e sujeitos a toda sorte de acidentes que lhes ceifavam a vida e lhes retringiam o pão, Muitos chegavam a pedir esmolas aos burgueses e acumulavam dívidas nas lojas de alimentos. Por conta da completa penúria, a vida operária era levada por meio de muita luta e privação, sacrifício e esgotamento. Contudo, à sombra de Marx e Engels, surge uma formação embrionária dos agrupamentos de trabalhadores fortemente inspirados na doutrina socialista, destinados a presionar os empregadores donos das minas e a exigir melhor remuneração e condições de trabalho.

A obra de Zola remete ao processo de gestação e maturação dos movimentos grevistas, ou à uma atitude embrionária mais agressiva por parte dos trabalhadores das minas de carvão, na França, contra à exploração de seus patrões. Ao lado da Inglaterra, a França foi um dos países que integraram o conjunto das primeiras nações industrializadas. O diretor Claude Berri tratou de fazer um filme onde a crueza dos fatos tem realmente um papel fundamental para ambientar fidedignamente a obra de Zola e sua intenção foi a de chocar (ou revoltar) as mentes mais socializadas e incomodar aqueles cujos princípios universais funcionavam na prática, tal como era a intenção de Zola. Essa forma contundente com que os acontecimentos no filme são mostrados não implicam, entretanto, partidarismos sociais ou revelam tendências politicamente corretas, confrontadas na velha fórmula de mocinhos e bandidos. Qualquer julgamento deve ficar por conta da análise simples e crua dos fatos, tal qual acontece diante do professor numa aula de história. Muito embora, vale aqui ressaltar, uma sensação de reviravolta revanchista nos acompanhe a partir do momento em que os trabalhadores se revoltam. O que transparece no propósito do diretor é um sinal vermelho para as dificuldades do mundo operário do século XIX. Émile Zola escreveu Germinal no período do surgimento da Internacional Comunista e faz menção a Marx e Engels, assim como ao anarquismo, e isso fica claro no filme através de um dos seus personagens. Para escrever Germinal Zola trabalhou dois meses numa mina de carvão, vivendo tal um mineiro, comendo e bebendo, dormindo e acordando, assim como sofrendo as mesmas augúrias daqueles trabalhadores infelizes e explorados ao extremo. Isso, consequentemente, deu à história um teor realista incontestável. A ótima reprodução de época da película de Berri, uma fotografia sublime e as atuações arrebatadoras de grande parte do elenco reforçam artisticamente a importância dessa produção francesa do romance de Zola. Germinal é imperdível não apenas pelo seu valor histórico, como pelo farto material que a obra nos traz para gerar uma significativa análise das qualidades e vulnerabilidades da natureza humana.

Religião e Holocausto

2010-12-06T03:17:00.002-02:00

A palavra Holocausto vem do grego antigo e quer dizer queimado. Tem origens remotas em sacrifícios e rituais religiosos da Antiguidade, em que plantas e animais (e até mesmo seres humanos) eram oferecidos às divindades, sendo completamente queimados durante o ritual. A partir desse uso, holocausto quer dizer cremação de corpos, não necessariamente de animais. Esse tipo de imolação corpórea post mortem, como se evidencia no Livro do Êxodo. A palavra também é encontrada na bíblia católica. A partir so século XIX, a palavra holocausto passou a designar grandes catástrofes e massacres, até que após a Segunda Guerra Mundial o termo Holocausto, com inicial maiúscula, foi utilizado especificamente para se referir ao extermínio de milhões de pessoas que faziam parte de grupos politicamente indesejados pelo então regime nazista, fundado por Adolf Hitler. Havia judeus, militantes comunistas, homossexuais, ciganos, eslavos, deficientes motores, deficientes mentais, prisioneiros de guerra soviéticos, membros da elite intelectual polaca, russa e de outros países do Leste Europeu, além de activistas políticos, Testemunhas de Jeová, alguns sacerdotes católicos, alguns membros mórmons e sindicalistas, pacientes psiquiátricos e criminosos de delito comum. No caso alemão, o Holocausto consistiu em por em prática um plano de genocídio da população judaica. O tipo de crime marcado pelo ódio racial (http://pt.wikipedia.org/wiki/Holocausto).

Crimes de ódio não são novidade nos filmes do diretor Michael Haneke, que também dirigiu Violência Gratuita. Em A Fita Branca, que ganhou a Palma de Ouro do Festival de Cannes de 2009 e concorreu ao Oscar de Melhor Filme Estrangeiro em 2010, ele procura a origem do crime de ódio mais filmado e analisado do século 20: o Holocausto. A Fita Branca talvez seja o mais solene dos filmes de Michael Haneke. O trabalho mais clássico de um diretor que não abandona seu tema favorito: a capacidade do homem de ser cruel. Costuma-se crer que Hitler chegou ao poder auxiliado pelo rancor que os alemães sentiam após a devastação do país na Primeira Guerra, mas para Haneke o embrião do mal é anterior e a maneira que o diretor austríaco encontra para dar rosto a esse mal é através da agressividade despojada, num pequeno vilarejo alemão às vésperas da primeira Guerra Mundial. Haneke fez um filme amarrado conscientemente nessa analogia com o Holocausto. A Fita Branca ganhou um acabamento refinado, principalmente no fato de ter sido realizado em preto e branco. A conexão do enredo com o nazismo é notado desde as primeiras cenas, quando um narrador anuncia em off que os eventos naquela pequena comunidade prenunciam o que aconteceria em todo o país anos depois.

Embora o subtítulo do filme, "Uma História para Crianças," não apareça na fitas traduzidas para o português, Haneke faz filmes sérios e para adultos. É como se o diretor tomasse a contra-mão para encontrar o caminho certo para o seu drama. Em A Fita Branca, o foco dramático está justamente num grupo de crianças, causando um impacto maior às consequências dos acontecimentos, inicialmente misteriosos. O filme propõe uma reflexão sobre a educação severa que os adultos impõem sobre as crianças. Castigos e surras como forma de punição para a menor das travessuras são mostradas glacialmente. Ainda nos dias de hoje é uma formação usada e que constitui uma distopia social, o que, segundo Haneke, leva ao fascismo. Ou seja, no autoritarismo com que os pais tratam seus filhos difunde-se entre as crianças um vilipêndio por tudo aquilo que não é "certo". As crianças têm uma visão muito peculiar do mundo e estão em formação intelectual e moral. Com exemplos férteis em violência em suas memórias, as sementes plantadas florescerão rápida e ferozmente em direção à intolerância. Haneke utiliza a violência caseira de forma exemplar para mostrar uma tendência ideológica em torno da educação através do medo, o que, para ele, representa um fascismo embrionário.

O diretor constrói o seu filme, não apenas por meio de uma investigação do que era a Europa pré-Nazista, mas como uma alegoria do que os sistemas patriarcais, os regimes autoritários e o fanatismo religioso podem provocar na formação do indivíduo. Para pais e educadores, o filme causa um impacto fulminante, pois sabemos que a violência na maneira de educar as crianças, através de palmadas, surras e castigos, ainda é uma prática habitual. A essência do filme é mostrada em uma cena em que o pai pastor destrói a educação sexual de seu filho, com um discurso castrador de causar pânico no espectador. O fato é que a punição, embalada como disciplina, está enraizada no vilarejo e a fita branca do título é a maneira com que o pastor local pune seus filhos. Ele força dois deles a usá-la no braço, como sinal de vergonha por pecados cometidos, uma antevisão da futura etiquetação antissemita de judeus nos princípios da Segunda Guerra. É oportuno ressaltar o excelente trabalho de direção com as crianças. Todas elas promovem momentos de uma qualidade cênica raramente vista nos dias de hoje, inclusive os de um miniator de apenas quatro anos de idade cujas cenas são impagáveis. Em A Fita Branca, Haneke exibe seu talento para criar climas e tensões e construir pouco a pouco um thriller de terror psicológico que oferece mais perguntas do que respostas.

O enredo é tratado por meio de mistérios. Na medida em que os crimes vão acontecendo no vilarejo, os culpados permanecem no anonimato. O primeiro deles é impactante: o médico do vilarejo está voltando para casa, montado num cavalo, quando um arame esticado entre cercas derruba o animal. Tempos depois, o filho pequeno do barão local se torna vítima de uma violência brutal. Os crimes têm a forma de castigo e não buscam apenas a identidade do criminoso, mas a razão para tal violência. Entre os habitantes, não há sequer suspeitos. Todos aparecem de cara limpa, com feições sem traços de culpa ou de remorso, e sem traço mesmo de ódio, por mais que esse ódio não pare de surgir ao longo do drama. A questão é simplesmente entender quem é de fato a vítima, já que os culpados não parecem deixar pistas nem rastros. Numa comunidade extremamente religiosa, cujos princípios se baseiam unicamente nos ensinamentos do senhor, como pode haver tanta barbárie ? Aqui também vemos uma analogia com a raiz do nazismo, construído a partir da intolerância da Igreja Católica, que, ainda no início do século XIX, condenava judeus à morte acusados de heresia.

Mostrando o rigor da educação caseira, Haneke denuncia que esta educação é calçada no rigor religioso, exposto através de uma doutrina empurrada goela abaixo. Lamentavelmente, por se tratar de um drama real, A Fita Branca nos apresenta um problema atual. O ensinamento religioso mostra o seu lado manipulador, quando idéias são apresentadas de forma absoluta e sem opção de contestação, impostas a pessoas que não têm possibilidade alguma de se defender e seguem uma ideologia como uma forma de escapar da própria miséria. Não há salvação do lado de fora das igrejas. E este não é um problema do fascismo ou do nazismo, mas da raiz do mal que os gerou.

Uma Obra Master

2010-11-21T03:48:00.006-02:00

Dos filmes ficcionais do início de carreira, passando pelas reportagens cinematográficas do Globo Repórter e culminando com o ícone biográfico Cabra Marcado para Morrer, a obra de Eduardo Coutinho hoje se mostra transformadora, e não seria exagero considerá-la revolucionária. Suas reformulações estéticas revelam o radicalismo inovador com que o documentarista faz cinema. Além disso, o conjunto de sua obra se desdobra numa série sistemática de métodos e posturas políticas, formando um verdadeiro tratado a partir da observação do ser humano brasileiro na construção do seu imaginário popular.

Coutinho realizou 15 obras como diretor e roteirista e já passou por experiências tão distintas que podemos afirmar que sua carreira foi marcada por contrastes. Em sua complexa coleção, 5 obras, entretanto, se destacam: Cabra Marcado para Morrer, Santa Marta, Santo Forte, Babilônia 2.000 e Edifício Master, uma imersão na natureza humana, urbana, e incrivelmente relevadora. Cada um desses filmes representou uma nova direção em sua cinematografia e definiu um avanço na maneira com que se faz filmes no país. Mas o que, hoje, parece ter levado Coutinho ao limite de sua capacidade criativa é, na verdade, uma pausa para o seu próximo empreendimento. A recorrência da interação criativa com espaços delineados na periferia da sociedade, explorando os temas da pobreza e do exotismo cultural, continua mostrando que o seu leque de possibilidades é inesgotável e, assim, nada parece ameaçar o cinema de Eduardo Coutinho.

Em Edifício Master, a sede do cineasta pela investigação social e urbana, a mesma vista anos atrás em Santa Marta e Santo Forte, ressurge com uma intensidade desconcertante e faz Coutinho retomar seu espaço de criação com algo tão inovador que seria um sacrilégio acusá-lo de repetição. A realidade brasileira mostrada cruamente revela um amálgama humano rico em histórias, com H mesmo, e uma farta casuística de comportamento. No prédio de Copacabana, vemos um Coutinho entusiasmado com a sua realização, curioso com os fatos e capaz de surpreender os críticos mais céticos. Cada depoimento em Edifício Master apresenta uma rica fonte de inspiração para a pesquisa da natureza humana, no discurso da verdade objetiva.

O documentário sai da marginalização para mostrar a classe média carioca, com uma energia marcante, num ritual de fragmentos humanos em ebulição. Aqueles corredores com inúmeras portas nos mostra o rico menu de onde ele encontra inspiração para a multiplicação de discursos. Ali revela-se também o verdadeiro e o falso, o original e a cópia, na costura de expressões que se desenrolam da intuição a verdadeiras performances diante da camera. Vemos tão bons atores na auto-corrupção quanto na atuação sincera diante de fatos que, em sua essência, dispensam tais interpretações. Isto é, a informação é rica por si só, pois no cinema de Coutinho não existe verdade estática, apenas a verdade relativa de ponta: a verdade do evento, ali, no momento em que ele se desenrola na frente da camera, numa performance viva.

O desfile de tipos em Edifício Master, como o homem outrora importante, que hoje canta My Way de Sinatra, o ator outrora famoso e hoje escondido no prédio, a mulher que conta sobre um assalto, o discurso ornamentado do síndico, a mulher que quase se matou por ciúme do marido, com quem teve 22 filhos, 15 dos quais abortados, mostra a riqueza humana que Coutinho nos presenteia. Consciências dissonantes que juntas formam esse harmonioso amálgama humano no exercício da interrealação. Coutinho deixa claro que o seu registro visa unicamente formar um todo eficiente, o grande quadro humano, a partir de boas partes. Como minipeças de um maximecanismo os moradores nos mostram a maneira com que tocam aquela máquina. Parece que, a partir do acaso, Coutinho constrói uma realidade com precisão, como um bom catalizador de imagens. Aliás, a precisão e o acaso são marcas criativas das quais Coutinho não abre mão em suas obras e as utiliza não apenas por talento, mas, sobretudo, por ética na sua relação com a estética do real.

Edifício Master foi realizado num período de uma semana. O diretor e sua equipe percorreram todos os apartamentos para convidar os moradores a contarem suas histórias, seus sonhos, realizações e aspirações. Histórias, diga-se, de gente comum, de quem está por trás das câmeras e gostam, de uma forma ou de outra, e em sua maioria, do isolamento. Os personagens reais de Edifício Master, como contadores de histórias de si mesmos, fazem do filme um verdadeiro registro da vida urbana brasileira, com seus contrastes e suas semelhanças interiores, seus isolamentos e liberdades, numa vasta rede de casuísticas pessoais, porém, sem a intenção de representar um estilo comunitário: eles são únicos em sua essência, vivendo entre os 276 moradores do edifício, em pleno bairro de Copacabana, no Rio de Janeiro, num prédio que já foi ponto de prostituição.

O grande trunfo de Edifício Master é que ele mostra uma realidade que, aos poucos, vai identificando-se com a do espectador, e isso o diretor Eduardo Coutinho sabe fazer com maestria, mostrando que é possível transformar um simples edifício, como tantos outros da cidade, em cinema de primeira qualidade.

Cinema & Consciência e o Cine Clube Cognópolis

2010-11-20T01:47:00.001-02:00

Este blogger começou uma ótima parceira com o Cine Clube Cognópolis, espaço para exibição de filmes conscienciológicos no Discernimentum, em Foz do Iguaçu. Toda semana, uma postagem sobre o filme da semana é lançada por mim no blog do Cine Clube - http://cineclube-cognopolis.blogspot.com/

Aos leitores do Cinema e Consciência, fica, assim, o convite para visitar esse espaço de divulgação de filmes e tornar-se também um seguidor, para que as novidades cheguem mais rápido a você!

Conforme anuncia o blog do Cine Club, o evento periódico legal de exibição de filmes é patrocinado pelo P.C. Discernimentum e tem como objetivos a higiene holossomática/conscencial e integração positiva entre seus participantes, sejam cognopolitas ou não. As sessões são sempre aos domingos, às 20:30h, no Auditório do P.C. Discernimentum, com ingresso de apenas R$ 5,00, o que inclui refrigerante e pipoca, indispensáveis numa sala de projeção (e R$ 3,00 sem as guloseimas).

O coordenador das atividades do Cine Clube em Foz do Iguaçú é o Marcus Dung, que diz "o Cine Clube Cognópolis é uma atividade destinada à interconvivência sadia, com entreternimento útil e reeducação sócio-consciencial," ou seja, uma boa razão para você participar.

No blog do Cine Clube, os interessados podem escolher os filmes que querem ver exibidos. Contudo, a exibição dos títulos candidatos está sujeita à disponibilidade de cópia original (comprada ou alugada), conforme explicado na sessão de licenciamento do blog.

A confirmação da exibição é feita aos sábados, às 14h, através da sessão Evento (Próximo Filme) do blog do Cine Clube, ou através de anúncio na Tertúlia do mesmo dia (http://www.blogtertulias.blogspot.com/).

Portanto, em Foz do Iguaçu, vamos ao cinema, ou melhor, ao Cine Clube Cognópolis!

Verdade em Demasia

2010-11-15T10:00:00.002-02:00

O Primeiro Mentiroso é uma paródia sobre a idéia de que, no mundo, ninguém sabe o que é a mentira e todos, portanto, só falam a verdade, lidando muito bem com as consequências. Quando o desempregado Mark cria sinapses para a mentira, por força de uma situação financeira calamitosa, descobre não apenas os benefícios da enganação, como também que a mentira é necessária para atender às fragilidades humanas.

O princípio bastante interessante em O Primeiro Mentiroso, ao menos inicialmente, é de que é possível viver só falando a verdade, pois, como ninguém sabe definir o que é a mentira, tudo passa a ser verdade imediatamente quando dito. Ninguém naquele mundo duvida de absolutamente nada do que ouve, lê, aprende etc. O conceito criado sobre verdade e mentira funciona de maneira muito dinâmica, mais ou menos assim: se um homem branco diz que é preto, então, rapidamente, o conceito de preto é alterado, para que um homem branco possa ser chamado de preto, numa mudança brusca e vertiginosa de paradigma. Como dizia o filósofo alemão Nietzsche, "a verdade é uma designação, tomada universalmente como válida, dada à expressão do que uma pessoa percebe e sente como realidade. Logo, a verdade está submetida às convenções da linguagem. Mas, por mais rigorosas que possam ser tais convenções, toda expressão é expressão de um sujeito."

Quando o personagem de Gervais aprende a mentir, ele passa a dominar o mundo, catequizar as pessoas e tenta achar um sentido para sua vida. No meio de todos os temas explorados nesse momento, há o medo da morte, a crença religiosa, o sucesso profissional e financeiro e a busca por um grande amor, além de colocar a mentira no patamar do necessário. Infelizmente ninguém pode viver sem mentir, ou mesmo omitir, o que é quase mentir, pois omitindo pretendemos não saber quando, de fato, sabemos. As consequências do saber mentir são mais ou menos óbvias e todas levam ao poder, fato que encontramos um bom exemplo nas mãos de políticos que, tirando proveito da ignorância do seu eleitorado, mentem à vontade.

A verossimilhança da estória e também dos personagens trafega, no entanto, no limite do improvável, uma vez que a possiblidade da paródia virar realidade é nula. Mas ela é válida no sentido de justamente ser uma experimento, de mostrar o como-seria. A sensação de estranhamento é normal, pois estamos acostumados à mentira. O modo como os personagens vão sendo colocados em cena e a naturalidade que eles passam na impossibilidade da mentira criam uma hilária impressão de normalidade muito light de se ver. Contudo, mais do que pretender encontrar no filme de Gervais a ironia que lhe é peculiar em outras produções,ou a cadência plausível documentarista de trabalhos como The Office, o segredo é se deixar levar por essa grande mentira.

A maior vantagem de O Primeiro Mentiroso é oferecer aos espectadores mais filosóficos uma reflexão sobre conceito de verdade e mentira. É elaborando uma crítica da verdade que Nietzsche pretende nos mostrar a decadência de nossa época cientificista. "A pedra fundamental da ciência é a crença em uma verdade universal, existente fora e independente do homem e que pode ser alcançada e conquistada pelo intelecto humano. Em nossa busca cega pela verdade, somos incapazes de perceber a completa falta de sentido deste empreendimento." Ele ainda diz que " impulso da verdade nasce desta obrigação impingida por pacto social. O mentiroso é mal visto, castigado e excluído pelos outros membros da comunidade. Para ser valioso e repeitado é necessário orientar-se sempre em direção a verdade (estabelecida). Mas esta verdade não passa de uma convenção social, com a finalidade de regular os interrelacionamentos humanos e possibilitar a formação de uma comunidade."

I Congresso Internacional de Autopesquisologia Acontece esta Semana no Rio de Janeiro

2010-11-11T02:28:00.001-02:00

O I Congresso Internacional de Autopesquisologia acontece esta semana, no próximo final de semana (incluindo o feriado de 15 de novembro), no Hotel Barra Windsor, na Barra da Tijuca, no Rio de Janeiro. O evento é pioneiro na cidade, de grande importância e reúne os melhores trabalhos na área no momento. Paralelamente ao congresso, vários mini-cursos completam a programação: Técnicas Assistenciais, Estado Vibracional - Domínio Energético, Desenvolvimento dos Chacras e Práticas da Projeção Lúcida.

Para aqueles que ainda podem fazer a sua inscrição e querem maiores informações, acessem o site do IIPC (www.iipc.org) e bom congresso a todos!

A Guerra e a Paz de Sérgio Vieira de Mello

2010-11-10T00:43:00.002-02:00

Para se fazer a paz é preciso tentar compreender a existência da guerra. A paz se faz a partir da guerra e um pouco a cada dia. Se não entendemos a guerra, será difícil mantermos a paz. Sérgio Vieira de Mello, certamente, devia saber disso, pois ele estava tentando entender uma quando morreu em 2003, vítima de um atentado a bomba atribuído à Al Qaeda contra a sede local da ONU, no Iraque.

Sérgio Vieira de Mello nasceu no Rio de Janeiro, em 15 de março de 1948. Foi um diplomata brasileiro, funcionário da Organização das Nações Unidas por 34 anos e Alto Comissário das Nações Unidas para os Direitos Humanos desde 2002. Sérgio Vieira de Mello foi um dos poucos homens que obtiveram êxito e visibilidade no cenário internacional. Sua atividade profissional, até a sua trágica morte em 19 de agosto de 2003, esteve dedicada à reconstrução de comunidades que sofreram as nefastas conseqüências de guerras e de violências extremas. O caráter humanista de sua formação, associado ao seu talento para a negociação e a defesa da democracia, mesmo em situações adversas, foram fatores-chave do sucesso de muitas de suas iniciativas. Seu exemplar desempenho, em defesa dos direitos e dos valores humanos, inspira a perpetuação de sua memória e o permanente debate do seu pensamento.

Uma missão intransferível no Iraque - o diplomata Sérgio Vieira de Mello morreu aos 55 anos no cargo que ficará marcado como o ápice dos seus 30 anos de carreira diplomática – representante especial da ONU no Iraque. Antes de ser indicado para a tarefa pelo secretário-geral da ONU, Kofi Annan, a principal credencial de Vieira de Mello, conhecido por seu estilo duro, porém gentil, foi conseguida no Timor Leste. Ele foi o titular da entidade na administração de transição que transformou o Timor em um país independente, entre 1999 e 2002. Antes de assumir o posto no Iraque em maio, Vieira de Mello insistira com Annan para ficar apenas quatro meses, de forma a manter o seu cargo como alto comissário para Direitos Humanos da ONU.O primeiro cargo de Vieira de Mello na organização foi assumido em 1969, no Alto Comissariado para Refugiados, em Genebra, na Suíça.

Um histórico notável de trabalhos pela paz no mundo - na década de 70, trabalhou em diferentes programas da organização em Bangladesh, Sudão, Chipre, Moçambique e Peru. Entre 1981 e 83, Vieira de Mello foi conselheiro político das forças interinas do Líbano, na cidade libanesa de Naqoura. Nos anos 90, ele atuou na repatriação de refugiados do Camboja e foi delegado da ONU na província de Kosovo, na antiga Iugoslávia. No Iraque, o papel desempenhado por Vieira de Mello à frente da ONU foi bem mais complexo do que o que teve em situações anteriores, como no Timor Leste. Em 2003, ele foi enviado ao Iraque, em plena guerra. Segundo a resolução 1483, o representante especial da ONU no país deveria "trabalhar intensamente" com os Estados Unidos e a Grã-Bretanha para restaurar as instituições iraquianas e zelar pelos direitos humanos, reforma legal e judicial e pela reconstrução do país.

O cenário iraquiano - o Iraque possui a segunda maior reserva de petróleo do mundo e tem uma população de 25 milhões de pessoas. Além de contar com poderes menores, a gestão da ONU no Iraque terá pela frente um país muito mais turbulento. O Iraque conta com uma população mais dividida política e religiosamente. Por quase três décadas, os muçulmanos xiitas, que constituem o maior grupo religioso do país, foram oprimidos pela minoria sunita, que exercia postos-chave no governo de Saddam Hussein. Além de possíveis embates entre xiitas e sunitas, o Iraque ainda conta com um elevado número de curdos, ao norte do país, que dominam uma área de grande autonomia dentro do Iraque e querem garantir sua participação no futuro do Iraque.

O documentário - Através de uma série de entrevistas realizadas em oito países, o premiado documentário Sérgio Vieira de Mello - A Caminho de Bagdá mostra a trajetória de vida do embaixador brasileiro. A direção é da jornalista Simone Duarte. Quarenta pessoas que o conheceram recordam o trabalho feito por este diplomata, que lutava contra a burocracia e tinha esperança na renovação das Nações Unidas, com particular destaque para suas missões em países como Moçambique, onde ele morou dois anos; Camboja, onde ficou um ano; e o Timor Leste, seu endereço por dois anos e meio. O atentado que o matou no Iraque também marcou o fim de uma era de ajuda humanitária internacional e o começo de novas incertezas. Nos extras, uma entrevista especial com Kofi Annan, ex-Secretário Geral da ONU.

Realidades em Loop

2010-10-29T17:43:00.027-02:00

A tênue linha entre projeção da consciência e sonho ou alucinação é uma intrigante questão só resolvida por meio do discernimento de quem passa pela experiência. E aqui vale aplicar o princípio da descrença. Em Danika, filme de Ariel Vromen, essa linha é mostrada de uma maneira quase hipnótica entre realidade e suposta fantasia, obrigando o espectador a refletir sobre suas próprias convicções a respeito do tema para solucionar o embróglio final.

A experiência projetiva, isto é, a saída do corpo físico, com restrita ou ampla lucidez, promovida pela consciência em seus veículos energéticos, é um fenômeno subjetivo, próprio da realidade do experimentador e fruto do seu parapsiquismo. Para muitos, a projeção consciente ainda é um caso para místicos e religiosos do oriente, muito embora recentes estudos e pesquisas, realizados por institutos científicos e conduzidos por médicos e cientistas, ofereçam hoje algo mais do que um punhado de crenças em que acreditar. Tais estudos são deveras importante. O mais simples conhecimento do assunto pode ser o ponto de partida para que a informação sobre o fenômeno esclareça um número cada vez maior de pessoas, que ainda temem a experiência por pura ignorância no assunto.

O filme Danika é, na verdade, uma viagem ao universo intraconsciencial de uma mulher casada e mãe de três filhos. As suas supostas alucinações começam após um acidente em que um mendigo se choca contra o seu carro - a senha do plot. O seu drama funciona também como um laboratório para seu parapsiquismo descontrolado. Mas as conexões dos parafatos em choque com a realidade física mostram não apenas que suas vivências estão longe de ser alucinógenas, como a evidência de que a realidade energética é parte integrante da realidade física. Sem a variável multidimensional, não é difícil nos surpreendermos com o que experimentamos no dia-a-dia. Em meio a tantas experiências limítrofes, isso é exatamente o que acontece com Danika, que, por falta de explicações sensatas, acha que está ficando louca.

Em uma das primeiras cenas do filme, Danika presencia um assalto ao banco em que trabalha. A violência do evento, em que muitos clientes e funcionários morrem pelas mãos do bandido, a deixa apavorada. Ela procura abrigo numa das salas do banco e se esconde do bandido. Contudo, pouco depois, a sala é invadida pelo criminoso, mas ao ser descoberta agachada debaixo de uma mesa, Danika recupera a lucidez e reconhece a sua chefe, agachada à sua frente, lhe perguntando se tudo está bem. Danika olha para o salão principal do banco e a agência está funcionando normalmente. O assalto foi uma alucinação ou uma projeção premonitória? Essa é uma questão que se repete em praticamente todo o filme.

As alucinações continuam sem que Danika tenha uma explicação para elas. Aos poucos, elas vão tomando conta do seu cotidiano e afetando sua família. No jogo de fazer o real se confundir com a fantasia, o roteiro faz questão de esclarecer que Danika também tem visões premonitórias, que são reais. Ela assiste a morte de uma das professoras da filha, com quem descobre ter uma espécie de ligação atemporal, em algum ponto de sua teia multidimensional. Aqui há um bom sinal de que as alucinações são visões do seu mundo intraconsciencial em loop e clamando por reciclagens e reconciliações irremediáveis, num daqueles momentos da vida em que o nosso trem se descarrilha a fim de nos obrigar a enfrentar as mudanças necessárias. E ao choque de cada uma delas, Danika vive em crise o calvário dos acontecimentos que assolapa seus dias e lhe empurra para novos recomeços.

Na última parte do filme, Danika passa a viver, constantemente, os efeitos das suas alucinações ou projeções. Seu loop em parafuso se acentua na medida em que os parafatos se tornam indissociáveis à realidade física e sua vida se transforma num grande ponto de interrogação. Danika gera no espectador não apenas a inquietude da desconfiança sobre o que é verdade e o que não é, ou mesmo sobre o mito da crença e a convicção da verdade (relativa de ponta), como também coloca a questão da intraconsciencialidade, isto é, o universo interior, como ponto central de todos medos e proezas. Se a nossa realidade física é fruto de nossas projeções conscientes e relações interdimensionais ou alucinações só nós mesmos podemos dizer. Talvez o filme revele muito mais do que há escrito aqui. Mas cabe a você descobrir.

Uma Difícil Formalidade

2010-10-27T00:46:00.000-02:00

O Mensageiro fala sobre a morte para os que ficam, para os que a comunicam, para os que a recebem como notícia, para aqueles que acham que a superaram e para aqueles que a superaram e não sabem. Dentro de uma realidade rotineira americana nos último anos, o filme aborda o momento em que o Estado, seguindo sempre um protocolo rígido, frio e impessoal, notifica formalmente as baixas da Guerra do Iraque às famílias de ex-combatentes.

O filme apresenta um roteiro bem escrito, estruturado, simples e que vai direto ao seu propósito. Além disso, a estória em si oferece uma série de possibilidades para tornar o drama bem sucedido, pois o tema é profundo, atual e próximo da realidade de qualquer um, pois lidamos sempre com a ameaça de uma perda na família. Este filme não é, entretanto, sobre a morte para aqueles que se vão, mas para aqueles que ficam e o duro trabalho da sua notificação é feito por dois soldados designados exclusivamente para isso. É interessante observar, entretanto, a luta que ambos travam contra uma assimilação simpática (envolvimento promovido por uma ligação energética, a qual, caso seja de caráter negativo, envolve emocionalismo) quase inevitável.

O drama que os soldados enfrentam no dia-a-dia, com essa tarefa, mostra a difícil responsabilidade de se lidar com a dor do outro, sem que haja qualquer envolvimento emocional. O protocolo é feito de uma maneira tão rígida e disciplinada que os soldados são psicologicamente preparados para não ouvir choros, gritos, histerismos, nem sentir na pele reações as mais agressivas, desde xingamentos e impropérios contra o Estado até ataques físicos dos familiares. A carapaça dura dos soldados para desempenhar a função (de saco de pancada) vai aos poucos amolecendo e a fortaleza emocional não suporta a pressão até ruir diante do doloroso destino daquelas famílias.

Um dos soldados ainda sente na pele os efeitos da guerra. Ele mesmo é atormentado pelos fantasmas que trouxe do Iraque, de onde voltou com ferimentos na perna e no olho esquerdo, Sem permissão para voltar à ação, ele agora tem de se contentar com esse pesaroso trabalho. O soldado que se tornou seu parceiro foi quem o treinou e o introduziu na função. Os dois têm temperamentos completamente diferentes e se espezinham no começo da parceria, pois o veterano no cargo é, aparentemente, menos emocionalmente vulneravel do que o seu pupilo, mas uma proximação (inevitável) acontece nos solavancos das notícias de morte. O interessante é ver que, embora um dos soldados seja claramente mais emocionalmente vulnerável, a dureza do outro não terá vida longa, pois ele não consegue resisitir ao desalinho das suas próprias emoções diante daqueles fatos.

Na lista de famílias que recebem a notícia, há uma jovem esposa de um combatente e seu filho. Ela depois revela a sua dependência emocional com o marido morto, uma interprisão que a fez resisitir aos arroubos de um homem violento em casa e que dizia preferir ir à guerra, pois não sabia viver em família. No variado leque de personagens marcados para o sofrimento da perda, há uma mulher casada que passou a viver com outro homem antes mesmo de saber se o marido havia morrido. De modo que a notícia de que ela era casada chegou para o novo parceiro junto com a de morte do seu marido - diga-se aqui, uma cena extremamente bem dirigida. Nesse leque, inevitavelmente, um dos soldados se envolve afetivamente com a viúva do ex-marido violento. Os dois são atraídos pelas circunstâncias pesarosas, mas há sentimento na relação. Ele passa a acompanhá-la, faz visitas e tentar promover uma aproximação com o filho dela. Suas tentativas são sinceras e coerentes com a inteção de começar uma relação a dois. Ela aos poucos cede aos seus encantos e à sua obstinação, até que ambos decidem assumir uma atração mútua e reconstrutiva.

O filme é forte, com um texto afiado e uma dupla de protagonistas que merece respeito. Mas quando o roteiro muda para entrar na segunda parte, a qual explora a realidade emocional dos protagonistas, o ritmo cai um pouco e narrativa fica lenta (para os amantes de filmes europeus, isso não chega a ser um problema), embora muitos colóquios sejam magistrais, como a conversa que os dois soldados têm na cozinha da casa de um deles, onde o veterano ouve do parceiro uma de suas proezas na guerra, a de salvar um companheiro numa de muitas batalhas urbanas. Nesse momento, vemos a fortaleza do veterano ruir de vez, a casa cair e o balde ser chutado. Ninguém é, absolutamente, de ferro.

A Insustentável Leveza da Invisibilidade

2010-10-25T02:20:00.007-02:00

EQM - Experiência de quase-morte é a projeção involuntária, forçada, que ocorre em casos de morte clínica, doenças terminais ou acidentes, em que o paciente ou acidentado se vê fora do corpo, acessa outras dimensões e, depois, retorna ao corpo. Em inglês, é conhecido por Near-Death Experience (NDE). Pode significar um sinal para a retomada de tarefas importantes e também desencadear uma série de reciclagens dos pensamentos, sentimentos e energias (www.iipc.org).

O filme O Invisível, do diretor David Goyer e do mesmo estúdio que produziu O Sexto Sentido, fala de EQM de uma maneira bastante didática e apresenta uma estória com princípios cosmo-éticos baseados na reconcialiação. Para muitos, O Invisível se trata de um thriller sobrenatural. Mas desde os estudos do médico norte-americano, Raymond Moody Jr., Ph.D., nos anos 70, a EQM deixou de ser uma coisa do outro mundo para se tornar um assunto cujas novas descobertas se renovam a cada ano. Originalmente, O Invisível foi levado às telas como drama por Mats Wahl, baseado no romance homônimo de Den Osynlige, adaptado agora por Goyer para a realidade das bilheterias americanas. O melhor do filme, entetanto, permaneceu intocável pelo diretor americano, que se limitou a alterar o final. Alguns críticos chegam a afirmar que a versão americana perdeu a seriedade do original. Como gostei muito da versão acessível de Goyer e não consegui encontrar a versão alemã, fica a sugestão para a versão americana disponível.

O Invisível conta a estória de Nick, um jovem com um futuro brilhante, que após tomar uma surra de uns malandros rivais da escola, permanece dias em coma jogado em algum lugar da floresta e dado como morto. Enquanto isso, ele vaga pelos lugares de rotina e assiste o mundo na sua ausência. A confusão mental natural de quem se encontra repentinamente numa outra dimensão e a representação da forma pensamento são bastante fiéis à realidade das pesquisas e um dos pontos altos do filme em termos de fenomenologia. Como Nick, na verdade, está em coma, a solução do problema toma proporções de uma urgência desesperada, pois ele não resisitiria muito tempo largado no fundo de uma vala.

Na sua peregrinação no além, Nick tenta como pode interferir naqueles que ficaram no aquém, para que encontrem uma solução capaz de salvá-lo. A sua morte, entretanto, provoca uma série de reciclagens naqueles com quem ele convivia, inclusive na sua arqui-rival, uma garota dark punk da escola, agressiva como um visigodo, mas frágil e vulnerável pelo desprezo com que a sua família a tratava. A mãe de Nick também acorda para a vida na falta do filho. Tomada pelo trabalho, ela não tinha o hábito de olhar à sua volta e enxergar as necessidades dele, o que só ocorre, claro, com a ausência em casa. Quando cai em si, ela passa por uma reciclagem dolorosa.

Em 1975, Raymond Moody Jr., Ph.D., trouxe ao conhecimento do grande público, uma coletânea de relatos sobre EQM - Experiência de Quase Morte, através de sua obra Vida Depois da Vida, que teria ainda duas continuações, dado o sucesso alcançado. A partir daí, mais e mais pesquisadores sérios buscaram explicações para o fenômeno, publicando vários estudos em revistas especializadas, inclusive a Projeciologia. Embora a ciência explique as visões na EQM como fruto de reações químicas no cérebro, o fenômeno está 100% fundamentado nas pesquisas projeciológicas. Segundo os relatos daqueles que passaram por uma EQM, o que ocorre é uma sensação interior de paz, às vezes ouvem ruídos ou assistem ao desenrolar de suas vidas como um filme rodado em incrível velocidade, de modo a que nenhum fato se perca, até os mais banais. Encontram-se com seus familiares e amigos já falecidos (dessomados), com imensa alegria. Todos dizem-lhe das tarefas desenvolvidas no mundo espiritual, da necessidade de continuar trabalhando, evoluindo, estudando. Outros afirmam que os laços familiares não se rompem, pelo contrário, se fortalecem na dimensão extrafísica. Não raramente, aqueles projetados numa EQM, passam por uma revisão de suas responsabilidades na dimensão física. Aliás, o desprezo por responsabilidades essenciais no mundo físico, muitas vezes, é a razão pela qual a consciência passa por uma EQM.

Após a experiência de uma EQM, é comum a consciência recuperar a lucidez da sua condição multidimensional, pluriexistencial, e redirecionar-se nos trilhos fundamentais da sua vida - a programação existencial. A EQM trata-se de uma reciclagem drástica, determinante e essencial para a consciência perdida e amaurótica quanto ao que veio fazer no mundo físico. Muitos que passaram pela experiência relatam a mudança que a mesma lhes causou, um verdadeiro turning point, ou ponto de retorno, na bifurcação entre o que deve ser e o que tinha que ser evitado. Os retornos à base física, não raramente, são considerados verdadeiros milagres pela medicina.

Participe do I Congresso de Autopesquisologia - de 13 a 15 de Novembro de 2010 - Rio de Janeiro-RJ

2010-10-22T23:06:00.001-02:00

Quem Tem Medo de Morrer ?

2010-09-30T01:16:00.007-03:00

Em maior ou menor grau o parapsicotismo post-mortem acomete uma grande parte dos humanos geralmente materialistas, que morreram céticos com relação ao além, extremamente apegados à própria matéria e com uma dose suficiente de entropia energética para fazer com que não queiram abandonar nem o corpo físico nem o aquém. Certamente o restringimento físico tem sua grande parcela nessa parapsicopatologia. Mas o fato é que o despreparo para a morte produz irremediavelmente auto e hetero-assedialidade, negação da dimensão extrafísica e confusão mental, impedindo que o recém dessomado faça o que muitos conhecem por passagem: a transição entre os dois mundos.

Na obra do diretor polaco-americano, Agnieszka Wojtowicz-Vosloo, o problema do parapsiquismo post-mortem entra em debate num roteiro primeiramente propenso a criar (com habilidade) um terror psicológico, mas repleto de representações coerentes da parapatologia, que poderiam muito bem servir para um laboratório tanatofóbico (aquele que tem fobia da morte), e sigmas claramente apresentados para ajudar o espectador a ter suas próprias conclusões com relação à esta trama estrelada por um casting respeitável: Christina Ricci, Liam Nielsen, Justin Long, Alfred Molina, Josh Charles e Chandler Canterbury. O longa de estréia do diretor foi lançado em abril deste ano nos Estados Unidos, mas, inexplicavelmente, sem um distribuidor oficial, em muito poucas salas e sem participar de nenhum festival. Só agora chegou às locadoras brasileiras o DVD da área 1 (Estados Unidos), com legendas em inglês e espanhol.

Christina Ricci (a moçinha que não sabia rir das primeiras edições da Família Adams) é Ms. Taylor, a namorada atormentada de Paul, vivido por Justin Long, que, depois de brigar com o namorado num restaurante, sai de carro numa noite de chuva, disputando a pista da estrada com caminhões barulhentos e tentando ligar o celular enquanto dirige. Isso não poderia ser a deixa para nada mais do que um acidente fatal. Aqui começa então o point da trama propriamente dita, pois ela desperta numa espécie de clínica onde se prepara falecidos para o funeral. O diretor funerário é Liam Nielsen, um homem frio e macabro com o dom de transitar entre os vivos com a mesma naturalidade com que transita entre os mortos. O funerário paranormal é a ponte entre a vida e a morte dos que chegam em sua clínica e é com ele que Ms. Taylor vai teimar que esta viva à exaustão.

O filme constrói um cenário psicótico muito coerente e elucidativo com relação à parapsicopatologia que acomete os desavisados post-mortem. Depois que o funerário mortífero avisa que ela não está mais viva no sentido material da palavra, Ms. Taylor reluta em aceitar a sua nova realidade, reclama que não sente o corpo, questiona a sua catalepsia, diz que está confusa e que se sente tão densa que pode comandar seus instintos e sua força ainda material, mesmo deitada na cama de aço inoxidável, onde o médico legista prepara o seu corpo para o funeral. É importante ressaltar que o monoideísmo de que não morreu dá ao recém dessomado confuso e patológico a certeza de que pode seguir transitando entre os vivos e reclamar da vida que acabou de deixar para trás. Há elementos suficientes no filme para termos uma idéia bastante clara dos efeitos desta para-enfermidade, como o uso hábil do ectoplasma para mover objetos, a mente ainda moldada para o material, embora com lapsos que o remetem à nova dimensão, projeções extra-corpóreas lúcidas, a ausência da auto-visão na fase da negação, isto é, ela não consegue se ver morta e a comunicação telepática com o namorado - usando, inclusive, em uma das cenas, o telefone para falar com ele (há registros que atestam que, por meio da psicofonia, o dessomado consegue se comunicar com a dimensão física).

No extremo oposto da trama, Christina Ricci esbanja sensualidade, pois passa a maior parte do filme vestindo um vestido de seda vermelha extremamente curto e calcinha minúscula, quando não aparece completamente sem roupa, fato que, apesar do seu estado cadavérico, alivia em muito o clima macabro do seu drama pessoal. Na atmosfera fria e soturna da clínica funerária, a morte tem representação em praticamente todas as sequências de uma forma ou de outra, como se o diretor definitivamente estivesse exorcizando seus tormentos tanatofóbicos e espantando os fantasmas do materialismo. Em alguns momentos do filme ele não abre mão de certas alegorias, mas o faz de uma maneira tão sutil e apurada, que rapidamente descobrimos o propósito de todas elas. E é justamente uma das alegorias, também conhecidas por sigmas, ou representações narrativas, que, em uma das últimas cenas, alivia o espectador da angústia da dúvida e provoca uma reviravolta no enredo. De modo que, enquanto os créditos ao final do filme seguem passando na tela, a cabeça do espectador está refazendo todo o caminho de volta às primeiras cenas a fim de entender o que, de fato, aconteceu com Ms. Taylor. Aparentemente, o roteiro se mostra redondo, isto é, sem pontas de drama soltas e enxertos inexplicáveis (desses que estamos cansado de ver nas novelas da TV). O resultado final é um filme bem escrito e produzido, que usa a realidade como seu prórpio algoz, que educa para um problema de saúde parapsíquica, mesmo quando a cabeça do seu mestre está ocupada com outras intenções. Para entender esta última frase será preciso ver o filme, o que eu fortemente recomendo.

Abbas Kiarostami: O Cinema Humano

2010-09-27T02:47:00.001-03:00

Cineasta, fotógrafo e poeta iraniano, Abbas Kiarostami busca na criança um cinema humano para todas as idades, fazendo da essência das vulnerabilidades humanas sua maior inspiração. Seus personagens são tão reais que não raramente a identifcação imediata com o drama é inevitável. Kiarostami é uma aula de se fazer cinema com um olhar consciencialmente educacional.

Abbas Kiarostami nasceu em Teerã em 1040. Formou-se em belas artes antes de iniciar carreira de designer gráfico. Após breve incursão em filmes publicitários para a TV, foi convidado pelo governo de seu país, em 1970, para dirigir a seção de cinema do Kanun (Instituto para o Desenvolvimento Intelectual das Crianças e Adolescentes), época em que estreou com o curta-metragem "O Pão e o Beco." Seus filmes, inspirados no neorrealismo italiano, tornou-se conhecido no Ocidente somente após a revolução iraniana, com a premiação, no Festival de Locarno, do longa-metragem "Onde Fica a Casa do Meu Amigo" (veja crítica neste blog). A partir dos anos 1990, ele torna-se uma espécie de ícone da resistência democrática no Irã e fonte de inspiração para a eclosão de dezenas de cineastas iranianos.

Entre seus filmes mais conhecidos, encontram-se Close-Up (1990), lançado por aqui somente em VHS, "E a Vida Continua" (1992), disponível em DVD, sobre uma região do norte do Irã devastada por um terremoto em 1990, "O Gosto de Cereja (1997), também só disponível em VHS, "Através das Oliveiras" (1994), somente em VHS, e, recentemente, "Dez" (2002), já disponível em DVD. A crítica batizou seu gênero de car movies, por ele privilegiar filmagens dentro de automóveis em movimento. Nos anos recentes, também tem obtido resultados significativos com as novas técnicas de filmagem digital. Como fotógrafo, Kiarostami registra exclusivamente paisagens de seu país natal. Também escreve poesia, parcialmente influenciada pela grande poesia mística persa dos séculos XV e XVI, tendo recebido tradução na França (Avec le vent: Pol, 2002).

Entre suas premiações mais importantes, encontra-se a Palma de Ouro do Festival de Cannes, em 1997, por "Gosto de Cereja" e o Leão de Ouro do Festival de Veneza, em 2000, por "O Vento nos Levará." Kiarostami se destaca pela visão realista da sociedade iraniana - que vale para muitas outras em todo o mundo -, pois a carga dramática humana é facilmente reconhecível e assimilada por qualquer espectador menos propenso às autocorrupções e atento para entender e superar os desvios da natureza humana. Os filmes de Kiarostami têm presença constante nos maiores e melhores festivais de cinema do mundo, sempre com chances de levantar os prêmios mais importantes. Sem nunca deixar de ser um cineasta visionário, enveredou também pelo campo documental e realizou "ABC África," em 2001, onde construiu um retrato fiel do continente assolado pela AIDS.

A discussão filosófica sempre permeia os dramas mostrados por Kiarostami, mas seus filmes passam muito longe do gênero intelectualóide e não são tampouco o que muitos críticos definem como pseudo-intelectuais. Apesar de sua visão realista explorar universos pouco visitados da natureza humana, pela maioria das pessoas, ele faz uso de uma linguagem acessível e compreesível a todos os que tenham, em algum momento, uma conversa séria consigo mesmo. Esse universos extremamente ricos de significado faz com que tudo possa acontecer nos filmes de Kiarostami. Princípios, valores, vida, morte, ética, civilidade, humanidade, fraternismo, assistencialidade, desenganos etc. são temas frequentes em seus dramas. O improvável, talvez, aconteça longe das cameras, pois, num momento em que o cinema privilegia o drama banal, de uso imediato no melhor estilo junk food, a computação gráfica para deslumbrar espectadores, as catastrófes mundiais para ameaçar platéias, o terror tanatofóbico de monstros e fantasmas para assustar, é realmente surpreendete que os filmes intelectualizados de Abbas Kiarostami, em que nada mais há além de cenários e personagens realistas de um lado e uma simples camera do outro, façam tanto sucesso mundo afora, e que eles sejam um sinal de que o bom cinema não morreu para o público.

O conceito usado acima de cinema para uso imediato no melhor estilo junk food se justifica nas produções conhecidas como blockbusters, ou seja, sucesso de bilheteria e com grande apelo de marketing, em quer o espectador vê um drama orgânico, como introdução, desenvolvimento, clímax e fim, sem ter tempo para pensar. Na verdade, ele não precisa pensar. Está tudo ali na tela. Ele sai da sala com o coração palpitante, mas nada mais ficará do filme além dessa sensação de montanha-russa, depois que ele relaxar no primeiro bar ou restaurante perto do cinema. Nesse aspecto, Kiarostami segue o caminho inverso, sendo a antítese da grande produção cinematográfica. Seus filmes tem um ponto de partida, mas jamais um de chegada. Esse onde chegar fica ou deve ficar por conta do espectador. Isso não significa, entretanto, que os dramas sejam inacabados ou com aqueles irritantes roteiros onde escolhemos o final. Mas, sim, que as estórias grudam na consciência do espectador após a exibição, ficando, ao invés do coração palpitante, uma inquietação discussiva e uma ansiedade para tirar os nós dos pontos em que criamos os nosso vínculos pessoais com o drama vivido pelas personagens. Onde pretendemos chegar após assitir a um filme de Abbas Kiarostami? Há duas dicotomias básicas como saídas: o auto-engano ou o enfrentamento, a discussão interior ou o auto-esquecimento? (porque os filmes certamente irão pertubar a sua consciência - sem ameças, claro).

Retrospectiva Abbas Kiarostami

2010-09-24T01:47:00.002-03:00

Onde Fica a Casa do Meu Amigo ? (1987)
O garoto Ahmad, ao fazer seu dever de casa, percebe que pegou o caderno de seu amigo por engano. Sabendo que o professor exige que as tarefas sejam feitas no caderno, escapa das vistas de sua mãe e parte em busca do colega. Ele vai até uma vila nos arredores com o intuito de encontrá-lo para devolver o caderno. Chegando lá, encontra-se com diversos moradores e vivencia o dia-a-dia de cada um num ritmo extremamente real. A lição de princípios que este filme nos dá é o ponto alto da obra.

Close-up(1990)
A história de Hossain Sabzian, um jovem e modesto empregado de uma tipografia que é também um cinéfilo apaixonado pela obra do realizador Mohsen Makhmalbaf. Hossain Sabzian se faz passar pelo diretor junto a uma família. Quando a sua farsa é descoberta, ele é preso e julgado por tentativa de fraude. Kiarostami visitou Sabzian na prisão e obteve permissão para filmar o seu julgamento.

E a Vida Continua (1992)
Kiarostami mostra as consequências de um terremoto que dizimou parte da população de uma cidade no norte do Irã. Um diretor de cinema e seu filho partem de carro para o local da catástrofe. Propositalmente, ele retorna oa local onde filmou Onde Fica a Casa do Meu Amigo? e filho do diretor conhece um dos personagens do filme. Acompanhamos o percurso feito pela dupla de protagonistas no local do terremoto e descobrimos que a vida continua. A população está recolhendo escombros, reconstruindo casas, refazendo a vida, sem que, emocionalmente, tenhamos qualquer indício da catástrofe.

Através das Oliveiras (1994)
Um cineasta filma no interior do Irã, numa região marcada pela pobreza e por um terremoto. Paciente, ele conversa com as pessoas e se interessa pelos pequenos dramas de todos. Os atores são recrutados entre os habitantes e o final das filmagens acaba retardado porque dois dos selecionados não conseguem repetir as falas de uma cena banal. O jovem está apaixonado pela atriz e, no fundo, ele erra as falas para retardar a separação dos dois. Nos intervalos, implora que ela se case com ele e, quando o diretor encerra os trabalhos, ele tem os últimos instantes para conquistá-la.

Gosto de Cereja (1997)
Badii é um senhor amargurado que quer cometer suicídio, mas para fazer isso quer que alguém o ajude - como enterrá-lo no local adequado, por exemplo. Todos se recusam por várias diferentes razões, até que encontra um turco que também tentou se suicidar no passado. O filme, embora a figura da morte permeia todas as cenas, paradoxalmente, é uma celebração á vida.

O Vento Nos Levará (1999)
Munido de câmera fotográfica e telefone celular, um estrangeiro no Irã profundo é tratado pelos moradores da vila de casas de barro Siah Dareh, no Curdistão iraniano, como o “engenheiro”. No entanto, ele não chegou de Teerã a serviço da engenharia, mas da espera. O real motivo da viagem é uma anciã à beira da morte.

"A primeira geração de cineastas, de quando nasceu o cinema, olhava a vida e fazia filmes. A segunda olhava para esses filmes e para a vida e fazia filmes. A terceira voltava seus olhos para os filmes até então feitos para fazer seus próprios filmes. A quarta, que é a nossa, não olha nem para os filmes nem para a vida para fazer seus filmes. Essa geração só vê o que é possível fazer em termos de efeitos e tecnologia" ABBAS KIAROSTAMI

Quando Abbas Kiarostamis faz seus filmes, ele quer pertencer à primeira geração de cineastas... e consegue com maestria.

Assistência Através da Educação

2010-09-22T02:01:00.004-03:00

A Versátil apresenta Maria Montessori - Uma Vida Dedicada às Crianças, cinebiografia de Maria Montessori (1870-1952), médica, educadora e pedagoga italiana que criou um método educacional revolucionário. A minissérie mostra os momentos de maior destaque da vida da educadora: a graduação em Medicina, a militância feminina, o trabalho pioneiro com crianças deficientes, a fundação da Casa das Crianças, a relação com o filho Mário, entre outros eventos que marcaram a vida desta mulher inacreditável e extraordinária.

Maria Montessori nasceu em 31 de Março de 1870, em Chiaravalle, Itália, numa família conhecida pelo seu fervor religioso. Depois dos estudos elementares, entrou na Faculdade de Medicina como a primeira mulher a conseguir esse feito (ousadia, pioneirismo). Considerava-se em toda a Itália, na época, que a Medicina não era uma profissão que pudesse ser desempenhada por mulheres. Maria Montessori enfrentou todas as oposições e venceu as resistências com a certeza de que estava no caminho certo (superando contrafluxos). Impôs-se com um gosto pelo estudo acadêmico tão sério que mestres e discípulos passaram não só a respeitá-la como a louvar sua inteligência e sua coragem. Havia nela uma ânsia de servir a humanidade e um poder de iniciativa inigualáveis (na prática da assistencialidade).

A minissérie começa com a entrada de Maria Montessori na Faculdade de Medicina. O início difícil, com a rejeição dos homens e o momento em que ela conhece Dr. Giuseppe Montesano, que mais tarde viria a ser o pai do seu filho Mário. O começo na Medicina, depois, influenciada pelo então namorado, Dr. Montesano, na Psiquiatria, onde seu gênio desaflorou e a tornou famosa, foram momentos que oscilaram entre o sucesso na profissão e o fracasso amoroso. Em 1896, quando alcançou o diploma de doutoramento, a classe médica passou a vê-la com enorme curiosidade. Ela então já havia começado a desenvolver suas pesquisas na área da educação, trabalhando com crianças deficientes. Tinha objetivos muito claros: melhor preparar-se para o trabalho com as crianças, entrar na vida profissional, estudar o sistema nervoso e concorrer ao estágio na clínica de psiquiatria. As crianças desequilibradas atraíram-lhe a atenção. Sua alma se compadecia diante dos pobres seres que o destino aniquilara e que, na época, a Medicina não havia desenvolvido nada em seu benefício.

Sua especialização ganhou notoriedade na prática. O seu interesse pela questão das crianças deficientes a levou ao conhecimento dos trabalhos de Ittard, no tempo da Revolução Francesa, que criou um bem sucedido método de educação para deficientes mentais, a partir do seu trabalho com o Selvagem de Aveyron. Mais tarde, Maria Montessori descobriu os trabalhos de Edouard Séguin, professor e médico, que fizera por dez anos experiências pedagógicas com crianças internadas numa casa de saúde e montara a primeira escola para deficientes mentais. Séguin insistia sobretudo na necessidade de uma observação cuidadosa do aluno. Nada devia ser feito que pudesse representar uma violência às suas possibilidades psíquicas. O professor não devia ser um modelador, mas um cientista atento, capaz de fornecer pontos de apoio e assistência suficiente para ensinar, educar o fazer, jamais robotizá-lo (aplicando sempre a tarefa do esclarecimento). Séguin esperava o momento mais adequado para educar o deficiente mental, esperava o momentum para aplicar o material que ele criara depois de anos de experiência e que lhe parecia ser o mais adaptado aos interesses espontâneos do deficiente.

Em 1898, num congresso em Turim, Maria Montessori defendeu a tese de que os deficientes mentais precisavam muito mais de um bom método pedagógico do que da Medicina. Sem, no entanto, desprezar os tipos de tratamento do sistema nervoso disponíveis, reconstituintes e tônicos, ela assegurava que a esperança de qualquer desenvolvimento psíquico estava no professor e não no clínico. Era necessário que se criasse à volta do aluno um ambiente que o ajudasse, e que os médicos desprezavam, demasiado interessados numa terapêutica tomada no sentido restrito. A internação de crianças deficientes mentais passaria a ser desaconselhável. Ao contrário, tinha que se construir escolas especializadas no assunto, onde houvesse aperfeiçoamento pela observação quotidiana e os métodos de Séguin fossem usados na formação do corpo docente. Guido Baccelli, que fora professor de Maria Montessori na faculdade, e que ocupava então o lugar de ministro da Instrução Pública na Itália, interessou-se pelo trabalho da pedagoga e chamou-a à Roma para uma série de conferências sobre o ensino para deficientes mentais. As conferências despertaram o interesse de todos os que se dedicavam ao assunto e assim surgiu um movimento de opinião a favor das ideias de Montessori.

Toda a vida de Maria Montessori se orientava agora para a educação dos deficientes mentais. Estudava tudo o que era publicado sobre o assunto, aproveitava todas as sugestões que lhe eram dadas, prosseguia incansavelmente com suas experiências com os alunos da clínica, mostrava aos candidatos a professores como a tarefa era das mais nobres, desempenhando seu trabalho com uma assistência sem limites nem condições (uma renúncia pelo melhor resultados para todos), espírito de sacrifício, atenção e entusiasmo íntimo, optimismo e zelo extremos. Criou as bases do seu método e os fundamentos de um ensino que mostrava que, "na escola, não ganham apenas os alunos, mas, sobretudo, os professores," e que a educação não é, como se julgara até então, um jogo unilateral para os docentes. Isto é, se a escola é boa, a personalidade do professor deve também enriquecer-se no contato com o aluno, mesmo que se trate de deficientes mentais.

Maria Montessori instruía os professores, observava os alunos, redigia suas notas, atendia a consultas, entrava em ligação com todas as pessoas que podiam ajudá-la. Mandara fabricar o material de Séguin e o aperfeiçoara, colocando de lado o que era insuficiente. Criou ela mesma um novo material e passou a utilizá-lo com as suas crianças. O resultado de todo esse empenho desmedido foi a aprovação de todos os seus alunos deficientes mentais, quando prestaram exames para as escolas públicas, ganhando posições dos alunos conhecidos como normais. O êxito foi surpreedente e muitos o julgaram inacreditável, fazendo com que gerasse nos meios da educação uma questão até então impensável: como poderia uma criança deficiente mental ter melhor desempenho do que uma criança considerada normal num exame escolar? Só havia uma explicação: a de que as escolas para crianças normais estavam mal organizadas e de que os métodos sacrificavam todas as possibilidades que a natureza, generosamente, tinha distribuído à maior parte das crianças. Foi então que os educadores viram que ali surgia a necessidade de libertar as milhões de crianças normais que, implacavelmente, eram tolhidas pelas máquinas escolares.

Da ciência Maria Montessori desisitiu também por conta de uma enorme desilusão amorosa. A paixão e o relacionamento que ela teve com o Dr. Montesano. Da relação surgiu o seu filho, Mário, entregue pelo pai para ser criado e educado por uma família desconhecida, recusando o casamento com Maria, que teve que se separar do filho por imposição da sociedade, que não aceitava uma mulher ter um filho solteira. Com isso, decidiu se dedicar à pedagogia e abandonou o seu trabalho com as crianças deficientes mentais, que realizava no mesmo instituto do Dr. Montesano. Foi uma perda imensa para a equipe do instituto, que tinha todos os motivos para chorar a sua saída. Porém, mais do que uma desistência, fica claro, ali, que ela optava por assumir seu trabalho prioritário, onde exerceria o seu maior talento (e colocaria em prática a sua programação existencial). O filho foi um acidente de percurso que por pouco não destruiu a sua vida, visto a maneira como ele veio ao mundo (com os arroubos de uma paixão, numa relação que mais tarde se provaria infrutífera). O seu caminho de revolucionar a educação no mundo revelava uma força tão irremediável que as chances de uma perda de rumo eram praticamente nulas.

Quando, por fim, se dedicou à pedagogia, o seu aclamado trabalho com os deficientes mentais e o interesse que ela demonstrava pelas questões da educação como um todo levaram o ministro a nomeá-la para a cadeira de antropologia pedagógica em Roma, posição na qual ela também exerceu grande influência no ensino, expondo suas ideias sobre educação elementar e levando os futuros professores a não considerarem como resolvido o problema da escola. Lançou em todos o espírito da dúvida (e o uso do discernimento) quanto ao que se tinha feito até então e também sobre o que devia ser feito no futuro. A realização ou não daquelas ideias, contudo, ficaria por conta do espírito empreendedor de cada escola. A mensagem estava clara: as palavras podem preparar a mente, mas, nas questões da educação, só as realizações com resultados práticos importam de fato. "A tarefa do professor é preparar motivações para atividades culturais, num ambiente previamente organizado, e depois se abster de interferir," disse a grande pedagoga.

Na nova profissão, Maria Montessori pensou em seguir o caminho que tomara com os deficientes mentais e fez diligência para que se fundasse uma Escola Normal, com aulas pelas quais passariam todos os alunos e professores. Idealizou a reforma dos métodos e a preparação dos professores, dando a ambas as atividades todas as garantias contra a falência por falta de formação profissional. No entanto, a burocracia italiana pôs obstáculos que se tornaram insuperáveis. Nada parecia conseguir vencer a dura barreira dos papéis oficiais, de modo que Maria Montessori teve, por algum tempo, que se resignar com o único meio de que dispunha na ocasião para espalhar as suas ideias centralizadas no papel da escola. Fica claro na misissérie que Maria Montessori era uma mulher de fibra, empreendedora, corajosa, dotada de uma intuição aguçada, engajada com suas causas, sem bloqueios para tomar decisões e com uma força interior capaz de superar obstáculos impensáveis.

A primeira Casa das Crianças abriu em Janeiro de 1907, com instalações humildes, mas que davam à Montessori e sua equipe toda a possibilidade de fazer o seu trabalho de maneira decente. Os resultados foram tão bons e rápidos que logo a segunda Casa abriu em abril do mesmo ano. O trabalho seguiu a passos largos numa proporção de crescimento tão avassalador que em pouco tempo o mundo inteiro já conhecia o nome de Maria Montessori. Em muitos países, incluindo a Alemanha nazista, já havia uma ou mais escolas com seu método. Não demorou para que o número de escolas chegasse a 400 só na Itália. A imprensa cobriu o feito e nos jornais do mundo inteiro falava-se de Maria Montessori e seu surpreendente método de ensino. Da qualidade de crianças humildes e sem recursos, seus alunos passaram a ser conhecidos como extraordinários, delicados e precisos, inteligentes e de ótima educação. Foi então que a fama do método Montessori se espalhou nos cinco continentes. Na Suíça, as escolas infantis deixaram Froebel por Montessori. Pouco depois, fundou-se uma escola na Argentina e, em 1910, o método chegou nos Estados Unidos. Em 1911, abriu-se uma escola em Paris e, ainda no mesmo ano, devido aos esforços de Maria Maraini Guerrieri, o método Montessori foi adotado nas escolas primárias em toda a Itália. Em 1913, surgiu na Inglaterra a Sociedade Montessori. Ao mesmo tempo, duas outras sociedades, uma em Milão, e outra em Roma, ofereceram-se para fabricar o material didático necessário e a baronesa Alicia Franchetti patrocinou a primeira edição da revsita Pedagogia Científica, em que Maria Montessori expôs os princípios e a didática do seu método.

Poucos nomes da história da educação são tão difundidos fora dos círculos de especialistas como Montessori. Ele é associado, com razão, à Educação Infantil, ainda que não sejam muitos os que conhecem profundamente o método ou mesmo a sua idealizadora. Em 1922, o governo a nomeou inspetora-geral das escolas da Itália. Porém, com a ascensão do regime fascista, Maria Montessori decidiu deixar o país em 1934 com seu filho Mário (princípios pessoais). A famosa pedagoga continuou trabalhando na Espanha, no Ceilão (Sri Lanka), na Índia e na Holanda, onde morreu aos 81 anos de idade, em 1952. Hoje, os livros de Maria Montessori estão traduzidos em diversas línguas, entre as quais o chinês e o árabe. Há escolas Montessori em todo o mundo, até no Tibete e no Quénia. Tanto na Itália quanto em países como Hungria, Holanda, Panamá e Austrália, os governos mandam adotar o método Montessori nas escolas oficiais e modificam as leis escolares todas as vezes que há qualquer incompatibilidade para a aplicação do método. Em muitos países, existem escolas de formação de professores montessorianos. A sociedade Montessori possui hoje sedes em todas as terras civilizadas, com o trabalhao de fundar escolas, organizar conferências, formar professores e, assim, ampliar cada vez mais o importante legado de Maria Montessori.

A minissérie lançada em DVD, com direção de Gianluca Maria Tavarelli e o excelente trabalho da atriz Paola Cortellesi no papel-título, apresenta nos seus 200 minutos uma produção cuidadosa e rica, uma bela fotografia e um roteiro bom o suficiente para nos dar uma ampla ideia da dimensão assistencial em que esta inacreditável mulher viveu para nos presentear com seu talento até os dias de hoje. A ressalva que se deve fazer com relação ao lançamento do DVD da Versátil é com relação ao conteúdo do menu principal. Nele não há qualquer divisão dos dois episódios da minissérie, cada um com duração de aproximadamente 1 hora e 30 minutos. Após os créditos do primeiro episódio, a impressão que se tem é a de que o filme terminou (e não há continuação). Mas o segundo episódio vem logo em seguida. Por várias razões, esta é uma das melhores obras cinebiográficas já lançadas por essas paragens.

Nota do crítico: As fotos lançadas neste post foram propositalmente da verdadeira Maria Montessori. Uma homenagem deste blogger a esta diferenciada consciência.

Maldição Sustentável

2010-09-17T18:40:00.009-03:00

Além, obviamente, da intenção de provocar medo e instigar a curiosidade dos mais afoitos a bisbilhotar os mistérios do além e afeitos em geral a filmes macabros, as produções de filmes conhecidos como de terror têm enfrentado novos desafios nos últimos anos, a fim de arriscar alguma renovação na maneira com que atormentam o espectador.

Recentemente, uma chusma de títulos de filmes para assombrar têm apresentado o ameaçador aviso de que a estória é baseada em um caso verídico, e o filão ganhou proporções de ousadia jamais vistas antes. Em "Contato de Quarto Grau," por exemplo, a estória fictícia ganhou ares de caso verdade com tanta seriedade e empenho imaginativo que o drama escrito pelo roteirista e também diretor Olatunde Osunsanmi chegou às páginas de alguns jornais americanos como um furo jornalísitico extraordinário, para assombro da população e consequente promoção do filme, tudo financiado pelo estúdio responsável pela produção. A ousadia decerto valeu mais tarde alguns processos judiciais, mas, então, o filme já acumulara com biheteria milhões de dólares suficientes para cobrir os gastos advocatícios.

Por conta disso, foi com certo ceticismo que me entusiasmei a ver An American Haunting, literalmente “Um Assombro Americano,” mas que, no Brasil, ganhou o título resumido de Maldição, fruto, supostamente, da intenção sensacionalista de promover o assombro contido no drama. A curiosidade veio também pelas presenças ilibadas de atores como Donald Sutherland e Sissy Spacek no elenco, o que, para os amantes da boa encenação, seria mais do que suficiente para dar crédito à produção. O título original se explica pelo fato da estória ser vendida como “o único caso registrado de possessão em que um espírito tirou a vida de um homem,” fato o que o tornou célebre nos EUA desde o tempo em que tais escritos foram revelados.

A estória segue alguns padrões rígidos da indústria cinematográfica para filmes de terror sobre possessão maligna. A casa é antiga, a família ignorante sobre o assunto, a adolescente usa camisola, as possessões acontecem numa cama, há um lobo enfurecido, com luzes nos olhos (não, dessa vez não há corvos), há chuva, raios e trovões, objetos arremessados, vozes moduladas para o grave, aparições assombrosas e a presença inevitável de um padre rezando salmos exorcistas que não servem para nada. Até aí o filme não traz novidades. O que Maldição traz de novo é um final surpreendente e, por conta dele, o entendimento da estória descortina um drama plausível e coerente se com a devida consideração ao estudo realizado até aqui sobre o fenômeno parapsíquico da possessão maligna.

Entre os anos de 1818 e 1829, em Red RIver, no estado do Tennessee, nos Estados Unidos, a família Bell foi assombrada por uma presença maligna. Primeiro surgiram estranhos barulhos na fazenda, depois a filha do casal começou a ter pesadelos horrorosos, com os quais a família não sabia lidar, até que um padre foi chamado ao local, mas, as preces não surtiram efeito. Ao contrário, os eventos ganharam intensidade e casos de poltergeist se tornaram frequentes, até que a família entrou em colapso psicológico e o desespero pela impotência diante dos fatos foi inevitável. Na medida em que os ataques noturnos à menina passaram a ser cada vez mais fortes, o seu professor entra em cena. Porém, cético, ele não foi de grande ajuda no sentido de frear os acontecimentos e estancar os efeitos catastróficos dos assédios diários.

Os eventos macabros começaram, na verdade, a partir do momento em que o pai da menina ganha as terras que pertenciam à uma outra moradora da região, que, supostamente, tinha direitos sobre elas, mas que, de forma espúria, vê seu patrimônio ir pelos ares. Ao fim do julgamento, quando o juiz do lugar passa o direito das terras para o fazendeiro, a mulher se rebela e lança uma maldição à família Bell. No final do filme, entenderemos a importância dessa cena, pois, segundo a crença local, a mulher era uma bruxa. Mas a sucessão de fatos desencadeados a partir do julgamento das terras vai num crecendum até o clímax revelador no final do filme, ocasião em que as peças se encaixam e a verdadeira raiz mal, o seu nascedouro, se esclarece.

O filme tem o mérito de modernizar com sucesso o filme de horror gótico, subgênero que estava um pouco fora de moda - não há nada mais cinematograficamente desalentador e cansativo do que assistir a filmes sobre possessões demoníacas. Primeiro, por que a figura lendária do demônio criada pela igreja há milênios para não só ser o adversário do bem, representado pela figura divina, mas também para atormentar os pecadores, já causou embates suficientes para perder a credibilidade. Segundo, por que as refregas infernais já não trazem mais aos espectadores nenhum elemento educativo nem qualquer novidade, salvo se você ver alguma coerência na estória que explique não o caso de possessão em si, mas alguns fatos que, de alguma forma, sirvam de exemplo para as possessões que enfrentamos ou podemos enfrentar no dia-a-dia, produto muito mais de nossas fraquezas intraconscienciais e debilidades energéticas (as mais variadas) do que por competência do assediador.

É aqui que a estória de Maldição faz algum sentido. O argumento é coerente quanto às razões pelas quais os eventos começam e fazem igualmente sentido no que a estória guarda como tema de fundo. Nenhuma entidade ou consciência extrafísica tem livre acesso ao nosso universo intraconsciencial sem que tenhamos oferecido o caminho das pedras, aberto as portas da sala de comando. A perda do mando de campo é invariavelmente a perda do próprio domínio energético, facilitado (muito provavelmente) por interprisões grupocármicas patológicas e um nível evolutivo ainda bastante reumático.

A figura do adolescente é assim justificada por ser o centro de energia anímica mais potencialmente ectoplásmico da casa, com quantidade suficiente para dar cabo dos arroubos do visitante. "As escalafobéticas atividades telecinéticas do poltergeist, a exemplo do arremesso e destruição de objetos, batidas e arranhaduras audíveis, levitação de móveis, parapirogenia, materializações, traumas físicos, dentre inúmeras outras provas já documentadas pela literatura, cujo doador de ectoplasma em geral é a criança, pré-adolescente ou adolescente, moça ou rapaz, morador da residência acometida (Couto, 2010). O desmando energético pode ser resultado de padrões anticosmoéticos, autocorrupções, imaturidades pluriexisenciais e um parapsiquismo para lá de desequilibrado.

O jovem é o combustível para a atuação das consciências extrafísicas baratrosféricas, motivada por uma interrelação patológica promovida muitas vezes não só por um outro membro da família como por pessoas do próprio grupocarma do adolescente, como é o caso em Maldição. O que parece ser a intromissão descabida de um estranho do além, nada mais é do que a forma mais acessível que a consciência extrafísica encontrou para expressar suas mazelas e reclamar seu passado na pele de alguém com quem tem afinidade suficiente para isso. O padrão energético da nossa casa é de nossa inteira responsabilidade. Maldição é um filme para ser assistido sem preconceitos e com um bloco de notas para a pesquisa fenomenológica.

Bom Humor Revolucionário

2010-09-14T02:42:00.003-03:00

Com o prestigioso prêmio de Cannes, o Câmera d'Or, para diretores iniciantes, na bagagem, À Leste de Bucareste é uma versão bem humorada da recente história política romena e traz algumas perguntas que não querem calar: a derrubada de Ceaucescu foi causada pela mobilização popular ou esta só aconteceu depois da fuga do ditador? e o povo na praça foi um ato político de derrubada de um governo ou apenas uma comemoração?

Com aval do regime soviético, Nicolae Ceausescu (1918-1989) presidiu a Romênia com a mão pesada do Partido Comunista de 1965 a 1989, ano de sua destituição e execução. Na época, movimentos de libertação irradiavam de Berlim, onde o Muro caíra meses antes, no sentido do Leste da Europa. Na cidade romena de Timisoara, no dia 17 de dezembro, manifestantes anticomunistas foram recebidos a tiros pela Securitate, a polícia de Ceausescu. O povo reagiu em diversas cidades. Cinco dias depois, quando a rebeldia chegou à capital Bucareste, o ditador entregou o posto. A data de 22 de dezembro de 1989 é lembrado, na Romênia, como o dia da revolução que derrubou Ceausescu. Mas houve de fato uma revolução ?

Como todo país que hoje amarga um passado de ditadura, as discussões se avolumam no sentido de entender as lindes da insanidade de uma política que amordaçava a voz de todo um povo para se empanturrar de poder. A discussão política está no epicentro do filme de estréia do roteirista e diretor Corneliu Porumboiu. Mas a grande idéia de À Leste de Bucareste é tornar os enfadonhos debates políticos numa querela popular cheia de ironia e humor inteligente. Na verdade, na Romênia de hoje ainda se vê o lamentável legado do comunismo: um país aparentemente estacionado no tempo e longe de ter tirado algum proveito do seu lado revolucionário. Contudo, apesar de sofrer uma crise de identidade entre o passado comunista e o presente capitalista, a voz nacional aqui clama por uma resposta: "participamos ou não da revolução?" Como se a resposta fosse uma forma de redenção para os anos de penúria administrados pelo governo comunista. Sobrevivemos ao menos de forma digna ?

O diretor opta por uma comédia textual e também do absurdo, deixando, portanto, a sua estória muito perto da realidade e insere seus comentários políticos sem panfletarismo. O resultado disso é um filme livre, leve e solto, que nos passa a idéia de que tudo ali é improvisado. Na segunda metade do filme, o cenário passa a ser um estúdio de TV, onde um programa, com participantes e linha aberta aos espectadores, debate o assunto que selou o fim da didatura no país. Embora o programa de TV seja da fase pós-Ceaucescu, ele ainda mantém o bolor da TV estatal, monótona e precária da época comunista.

Os convidados são os personagens que supostamente acompanharam de perto os acontecimentos. Às 12h08, hora da partida de Ceaucescu, a praça central de Bucareste estaria cheia ou vazia ? No décimo-sexto aniversário da revolução, a estória está unicamente preocupada com essa questão e explora a dúvida histórica à exaustão.

Para entender essa dúvida calorosa é importante informar que a rede nacional romena televisionou a queda de Ceausescu às 12h08. Se não havia ninguém na praça principal protestando antes desse horário, a cidadezinha só participou da festa da derrubada, depois das 12h08. Portanto, ela não fez parte da revolução. Ou melhor, não houve revolução! Mas não é isso o que um professor de história alcóolatra afirma na TV. Ele garante que estava lá antes das 12h08, apear de não ter sido visto por ninguém. Acusado de bêbado e mentiroso pelos espectadores que ligavam para o programa, ele foi, digamos, execrado ao vivo. O filme também coloca em discussão a maneira como escrevemos a história: respeitamos a verdade factual com evidências concretas ou registramos apenas nossos desejos retrospectivos ? E isso também é válido par as histórias que contamos aos outros. À Leste de Bucareste é um filme sem os arroubos do drama nem os exageros da comédia e deixa seu recado de maneira inteligente e sutileza humorística.

100 Filmes com Amparadores

2010-09-10T21:32:00.009-03:00

Amparadores, guias espirituais, anjos, mentores, seres de luz, protetores, por qualquer nome que você os identifique, o especialista assistencial exerce com lucidez e discernimento a relação interconsciencial avançada no domínio multidimensional.

A condição de amparo, entretanto, ocorre apenas quando ao menos 51% do tempo consciencial é dedicado à assistência, com altruísmo e maxifraternismo. A função do amparador pode ser exercida a partir de vários estados conscienciais: de consciêcia intrafísica para consciência intrafísica, na dimensão física ou extrafísica, quando projetada, de consciência extrafísica para consciência extrafísica, de consciência intrafísica para consciência extrafísica, quando projetada, de consciência extrafísica para consciência intrafísica, o que torna a teia assistencial bastante complexa.

Agir como amparador é atuar pensando no outro, educar, instruir, compreender, ceder, assistir, proteger, encaminhar, disponibilizar a assistência em benefício do melhor para o assistido e para todos os que aprenderão com aquele beneficio. Qualquer intensão parcial, emotiva, tendenciosa, partidária, mercenária, intereceira, zelosamente protetora fere a cosmoética universalista e consequentemente a real natureza do amparo. Pais, parentes, amigos podem atuar como amparadores desde que o pensamento, o sentimento e a energia desprendida na assistência tenha intencionalidade altruísta, incólume, o desejo de ensinar, fazer refletir e promover o melhor para o assistido imparcialmente.

A temática da assistência promovida por amparadores tem sido amplamente abordada em filmes os mais variados. Filmes onde a assistência de alguma forma é realizada. Não apenas na figura do religiosamente aceito por anjo ou espírito, isto é, por alguém que não pertence a este mundo, mas, sobretudo, pela assistência de inúmeros amparos intrafísicos que, por alguma razão, somos contemplados no dia-a-dia. Um dos filmes mais marcantes na temática da amparalidade é "Entre o Inferno e o Profundo Mar Azul," por abordar o tema lembrando que o amprador pode ter 40 anos menos do que você. A listagem abaixo foi compilada a partir de outras listagens de filmes espiritualistas, sugestões pessoais e leituras de críticas publicadas em sites, revistas e jornais.

A Cidade da Esperança

A Dupla Vida de Veronique

A Eternidade e Um Dia

A Felicidade não se compra

A História de Florence

A Lenda do Pianista do Mar

A Natureza Quase Humana

A Primeira Visão

À Primeira VistaAdeus

À Procura da Felicidade

A Reencarnação de Peter proud

Adeus, Minha Concubina
Além da Eternidade

Alta Frequência

Amor Além da Vida

Anna e o Rei

As Bruxas de Salem

As Duas Vidas de Audrey Rose

Billy Elliot

Cidade dos Anjos

Contato

Décimo Terceiro Andar

Depois da Vida

Doce Novembro

Dorm, O Espírito

Duas Vidas

Em Busca da Felicidade

Encantadora de Baleias
Encontrando Forrestier

Encontro Marcado

Energia Pura

Entre o Inferno e o Profundo Mar Azul

Falando com os Mortos

Fernão Capelo Gaivota

Filha da Luz

Ghost – Do Outro Lado da Vida

Ghost Whisperer

Lendas da Vida

Ligações Perigosas

Manika - A Menina que Nasceu Duas Vezes

Mar Adentro

Mentes que Brilham

Meu Pai - Uma Lição de Vida

A Entidade

Minha Vida em Outra Vida

Morrendo para Viver

Mother – Em Busca da Verdade

Nenhum a Menos

Nosso Lar
O Caçador de Pipas

O Destino em Dose Dupla

O Dom da Premonição

O Enigma das Cartas

O Escafandro e a Borboleta

O Homem que Fazia Chover

O Mistério da Libélula

O Oitavo Dia

O Ponto de Mutação

O Sexto Sentido

O Sorriso de Monalisa

O Violino Vermelho

Os Anjos da Guarda

Os Inocentes

Os Outros

Paixão Eterna

Papai Fantasma

Para Sempre Pestalozzi

Patch Adams - O Amor é Contagioso

Perfume de Mulher

Poder Além da Vida

Profecia Celestina

Quase Deuses

Regras de Vida

Retorno de Howards End

Salvo Pela Luz

Sete Anos no Tibet

Sociedade dos Poetas Mortos

Tão Longe, Tão Perto

Tempo de Despertar

The Man from Beyond

Tomates Verdes Fritos

Um Amor Verdadeiro

Um Anjo em Minha Vida

Um Anjo Rebelde

Um Estranho no Ninho

Um Estranho que Veio do Céu

Um Golpe do Destino

Um Homem Especial

Um Olhar na Escuridão

Um Sonho de Liberdade

Um Visto Para o Céu

Uma Lição de Amor

Uma Lição de Vida

Uma Luz na Escuridão

Uma Mente Brilhante

Uma Simples Formalidade

Vanilla Sky

Vida Depois da Morte

Visões da Morte

Vivendo na Eternidade

Voltar a Morrer

O professor de Conscienciologia e Projeciologia, Mário Oliveira, um dos especialistas no tema, concedeu uma entrevista ao programa Ciência & Consciência do Ton Martins da TV Complexis (SP) (http://www.complexis.com.br/index.htm) sobre amparadores, apresentada em quatro blocos abaixo. Nela, o professor nos dá uma idéia clara sobre a natureza do amparo, as características do amparador e as implicações evolutivas desta condição consciencial.

PARTE 1

PARTE 2

PARTE 3

PARTE 4

Contrastes Humanos

2010-09-05T03:18:00.012-03:00

Em A Garota da Fábrica de Caixa de Fósforos, o diretor finlandês Aki Kaurismaki, o mesmo de O Homem Sem Passado, aborda a frieza e a indiferença nas relações humanas, numa Helsinque cinzenta e estacionada no tempo. Realçadas pela ausência de diálogos com mais de uma linha de texto, esses sentimentos desprovidos de humor e afeto e marcados pelo isolamento ganham um contorno dramático, através de personagens que, em países latinos, seriam diametralmente opostos.

A rotina da empregada da fábrica de caixas de fósforos é mimética e sem novidades, assim como a ação das máquinas que montam as pequenas caixas de fósforos em série. A rotina de sua família também. Tudo parece girar em torno de uma eterna repetição de dias intermináveis. Inevitavelmente, não há como desassociar o ambiente finlandês de dias frios e cinzentos com o clima no interior das pessoas. A mãe de Íris é uma dona de casa cansada e entediada com toda razão. O pai, provavelmente desempregado ou aposentado, vive largado em cima de um sofá, desperdiçando seus dias entre uma tragada do cigarro e outra, entre um noticiário de TV e outro, tentando em vão preencher o vazio irremediável. Íris é a única que trabalha e ganha o aparente único sustento da família.

Longe de casa, ela tenta se divertir numa balada que mais parece um baile da terceira idade, animado por frequentadores cafonas e música brega. Ao que parece este é o lugar para se divertir na Finlândia dos anos 70, época em que o filme é ambientado. Malfadada pelos descaminhos do sexo oposto, ninguém a chama para dançar. Mas até a pobre Íris parece farta daquilo. É quando ela decide mudar de ares e frequentar um pub. O lugar é decadente, frequentado por bêbados e meia dúzia de rolling stones. Mas é aí onde ela conhece um sujeito sem graça, tão interessante quanto um torniquete, com cara de quem, na verdade, está à procura de uma noitada com uma garoita de programa qualquer.

Desesperada por viver algum tipo de aventura amorosa e sentir-se mulher de vez em quando, Íris e a versão humana de um torniquete passam a noite juntos. Pela manhã, ele, claro, a confunde com uma prostituta e deixa uma nota de dinheiro na mesinha ao lado da cama. Ela, boba, acreditava no amor e o convida mais tarde para conhecer seus pais. O encontro é rápido e desprovido de qualquer interesse de conversa de ambas as partes, mas no jantar em um restaurante a seguir, ele desfaz seus sonhos de mulher e seus planos de começar uma vida a dois, com uma sinceridade cruel, digna de um torniquete que desconhece a ética humana. Mas o pior ainda estaria por acontecer. Íris desconhecia que fazer sexo sem camisinha e no seu período fértil produzia bêbês e ela se vê grávida do instrumento tosco do seu desprazer. É quando ela decide escrever uma carta contando sobre a gravidez e a entrega ela mesma ao inseminador na saída do trabalho.

Provavelmente, movida por uma dose insensível de esperança, Íris tivesse em mente encontrar um homem com quem pudesse se casar, ter filhos, construir uma vida a dois, fugir da casa dos pais e do vazio entediante em que sua vida havia se tornado. Porém, depois de ouvir "nada me encanta tão pouco quanto o seu amor," ela vê sua tola esperança ser deixada no prato que mal tocou no restaurante e deixa pra trás seus planos de independência. Dias depois de entregar a carta àquele que havia lhe inseminado, Íris recebe uma linha de resposta - "livre-se do pirralho." Nada mais previsível do que fazer um filho com um torniquete. Mas o pior ainda estaria por acontecer. No hospital, depois do aborto, o pai lhe visita com uma tangerina e a decisão de expulsá-la de casa.

No pálido e gélido cotidiano de uma Helsinque atrasada no tempo, vivendo em um ambiente sem humor e em meio à uma realidade dura e de poucas palavras, Íris começa uma nova vida, alugando um apartamento para morar e armando um plano macabro. Seu destino impiedoso e sem concessões produziu nada além do que um desespero de vingança e, claro, o pior ainda estaria por acontecer. O que você acha que ela faria com um vidro de remédio para ratos que ela compra na farmácia ? Não, ela não se matou.

O filme explora o limite humano diante de sucessivas decepções e uma vida insuportável. É sabido que o povo nórdico é econômico nas palavras e nas demonstrações de afeto, mas em A Garota da Fábrica de Caixas de Fósforos essa frieza e distanciamento extrapolam os limites do compreensível, como se esse cenário fizesse parte de uma realidade longe deste planeta. Não faz muito tempo que uma de minhas alunas norueguesas me revelou que não se lembrava do dia em que o pai lhe dera um beijo. Lembrei esse episódio enquanto assistia ao filme de Kaurismaki, buscando na prática algo que me fizesse acreditar que o afeto e o humor poderiam muito bem ser os principais produtos de importação por aquelas paragens.

Uma Obra Solo de Sensibilidade

2010-09-05T02:21:00.010-03:00

O filme Goodbye Solo, do diretor americano (apesar do nome) Ramin Bahrani, é, aparentemente, um fime linear, sem grandes cenas nem grandes emoções. Mas a sutileza com que, aos poucos, a estória se desenvolve, descortina um ambiente onde não apenas o drama existencialista se faz presente, como revela questões culturais e sociais ainda polêmicas no sul dos Estados Unidos.

Como em O Gosto de Cereja, do iraniano Abbas Kiarostami, Goodbye Solo mostra a trajetória do senhor William em busca de um suicídio planejado. Ele contrata os serviços de um taxista para levá-lo à um parque nacional, onde planeja saltar para a morte de um dos despenhadeiros. No entanto, a tentativa do taxista senegalês de criar uma amizade com o seu cliente proporciona ao filme uma linha dramática sensível e cheia de sutilezas da metalinguagem. Tal tentativa acontece não apenas pelo bom humor com que o taxista encara sua prórpia vida e problemas, mas, sobretudo, a partir da sensibilização que ele demonstra pela condição de vida terminal do passageiro, como se, ali, conservar a vida do pobre velho fosse uma meta a ser atingida.

As personagens centrais se revezam em atuações primorosas. Por um lado, vemos Solo, o taxista senegalês, negro, que deseja apenas um futuro melhor para sua família em seu novo país, apesar de sua luta ser explícita para garanti-lo. Por outro, o americano William que deseja se matar só tem as lembranças do passado como fonte de sentimento. Uma relação de amizade improvável no sul dos Estados Unidos, ela vai aos poucos ganhando cotornos de possibilidade com a devoção com que Solo encara essa amizade e o desafio para torná-la realidade. Incansável, ele é o retrato da compreensão, da superação e do entendimento do outro, um requisito básico, apesar de difícil, para se fazer assistência.

O filme cria um ambiente para instigar a imaginação do espectador, tal é a riqueza de elementos exploráveis na estória. O drama existencial desenvolve seu discurso social e político com base na incomunicabilidade entre os dois personagens, que, de certa forma, estão no mesmo patamar de exclusão social, esquecidos na periferia da riqueza e do desenvolvimento. Porém, paradoxalmente, eles encontram algum entendimento. Na medida em que vemos a imaculada aceitação do taxista negro aos arroubos de grossura e intolerância do velho sulista, entendemos que essa compreensão é a resposta essencial para se chegar a algo além da discórdia e o distanciamento. Consequentemente, ambos se transformam, embora não o suficiente para que eles encontrem alguma redenção.

Na cena final (foto da capa), o taxista joga no despenhadeiro um graveto. Um ato simbólico inteligente e significativo, construído a partir dos sentimentos tortuosos que temos que enfrentar quando decidimos investir na assistência ao outro, somente realizável se movida por elementos realmente sublimes da natureza humana: compreensão, respeito e desejo de reconciliação. Algo que, quando ou se alcançado, nos redime, muito embora essa redenção não dependa da resposta que teremos do outro, pois, nem sempre, nossa intenção, por mais sublime e imparcial possível, será vista por quem não tem olhos, pelo menos naquele momento.

Encarando Cabras e Muito Mais

2010-09-04T02:54:00.022-03:00

A clarividência viajora, ou visão remota (remote viewing) é a habilidade de ver coisas longe do corpo físico, com o emprego das parapercepções visuais. Embora já tivesse sido usada na década de 50, a habilidade parapsíquica foi interesse dos militares e da inteligência durante a Guerra Fria, com o intuito de permitir aos órgãos de seguranaça obter informação sobre locais secretos do inimigo nos quais não havia espiões.

Os russos desenvolveram mesmo antes dos americanos o uso da visão remota para fins de espionagem e estudaram também a tecnologia biofísica de controle remoto da mente (remote mind-control technology), o que não passou desapercebido da CIA, que iniciou as pesquisas nos Estados Unidos nos anos 60. Os russos têm sido os especialistas mundiais em biofísica desde os anos 50. Sua pesquisa nesta área tem-se concentrado tanto nos usos militares dos efeitos do campo biofísico e na telecinesia, que se trata da habilidade de mover objetos à distância, como na pesquisa de ‘genes psi’ que promovam e mediem a visão remota e os campos biofísicos envolvidos na telecinesia. Isto levou-os a estudarem a base biológica da RV.

A pesquisa militar sobre visão remota nos Estados Undos foi implementada com o Projeto Scangate, o que gerou a seguir outro número de projetos na área. A dra. Jessica Utts, professora de Estatística na Universidade de Stanford, desenvolveu uma pesquisa sobre visão remota e conseguiu evidências científicas da realidade do fenômeno. "Isso foi significativo," disse ela a repeito do trabalho, "porque mostrou que a ciência, tal como a conhecemos, é crucialmente falha." Os cientistas, claro, deram de ombros para os resultados encontrados pela dra. Utts e seguiram céticos (acho que mais por uma questão de sobrevivência). A ciência avança nos laboratórios mas esquece de estudar a natureza essencial da realidade física.

A posição dos militares, no entanto, dissimila a utilização da visão remota. O porta-voz da CIA, David Christian, admitiu que nenhuma pesquisa oficial sobre visão remota doi autorizada. "Pensamos que a comunidade de inteligência não deve pesquisar mais sobre isso, pois é melhor que seja feito pela iniciativa privada." Há uma campanha de desinformação para ocultar o fato de que eles seguem com as pesquisas e até aceleraram o estudo sobre o assunto. Jim Schnabel, um suposto agente da CIA, criou os verdadeiros Arquivos X, dissimulando a verdadeira intenção dos órgãos de segurança dos Estados Unidos. Mas o discurso de David Christian tem um fundo de verdade, pois as organizações privadas americanas que investigam a visão remota são todas elas lideradas por oficiais de segurança aposentados.

A ciência convencional, de qualquer forma, se fez presente nas pesquisas. Novos estudos questionaram uma base científica para a visão remota e a tecnologia biofísica de controle remoto da mente, quando os cientistas viram que não podfiam negar que ela funcionava. Joe McMoneagle, um oficial aposentado do Exército dos Estados Unidos afirma ter deixado o Stargate em 1984 com uma medalha da Legião do Mérito por obter informação sobre 150 alvos que não estavam acessíveis por outros meios senão o da visão remota. Ele usou a visão remota para entrar na mente de Shaw Taylor e ver através de seus olhos, num experimento efetuado no O Mundo Paranormal de Paul McKenna (The Paranormal World of Paul McKenna - ITV, UK). O método de usar a visão remota para entrar no cérebro de outra pessoa é chamado de telepatia ou sensor remoto (remote sensing). Porém, muita informação a respeito da tecnologia biofísica de controle remoto da mente permanece secreta.

O filme Os Homens que Encaravam Cabras, com direção de Grant Heslov e roteiro de Pete Straughan, baseado na obra de Jim Ronson, aborda a visão remota como técnica de espionagem nos domínios militares de maneira bem humorada e surrealista. Com um elenco de galácticos, como George Clooney, Ewan McGregor, Jeff Bridges e Kevin Spacey, a história fica em cima do muro da realidade como nós a conhecemos e do realismo fantástico, ambientada num Iraque invadido pelos Estados Unidos. Embora o filme tenha o sarcasmo como alma, um ingrediente sempre bem sucedido em comédias, vale ressaltar que o tema é bem mais interessante do que o roteiro criado por Straughan, às vezes insano demais para ser levado à sério e monótono o bastante para perder o seu caráter engraçado e usar o FF (fast forward) do controle remoto.

No filme, Bob Wilton é um jornalista que foi abandonado por sua esposa. Para se recuperar do divórcio, ele aceita a tarefa de cobrir a guerra no Iraque. Ele permanece em um hotel no Kuwait, já que não consegue autorização para entrar no Iraque. Um dia, no bar do hotel, Bob conhece Lyn Cassady, que diz ser um vendedor. Mas o jornalista logo se lembra de uma entrevista que fez, meses antes, com Gus Lacey, que conseguia matar animais apenas com o poder da mente. Ele ganhou esta habilidade ao integrar um setor especial do exército americano dedicado a estudos parapsíquicos, liderado por Bill Django e que também contava com Cassady na equipe. Bob conta o que sabe a Cassady. Ele na verdade está no Kuwait em uma missão secreta e precisa entrar escondido no Iraque. Animado com o furo, Bob encara o desafio de entrar no Iraque com Cassady e temos, assim, o início de uma trajetória que fará com que Bob conheça melhor o Exército de Terra Nova e os poderes mágicos de seus integrantes diante das cabras do laboratório de pesquisa, num campo militar no deserto.

Uma Borboleta no Escafandro

2010-08-22T00:24:00.008-03:00

É possível criar um livro apenas com o movimento dos olhos. O exemplo de Jean Dominique deve deixar um grande desconforto naqueles que desperdiçam talentos, gozando de todas as suas funções vitais.

O filme O Escafandro e a Borboleta, do diretor francês Julian Schnabel, narra cruamente a estória de um paciente com uma síndrome de encarceramento provocada por derrame cerebral, que lhe deixou apenas a visão do olho esquerdo. Totalmente paralisado, é com ele que Jean Dominique tenta restabelecer seu contato com o mundo e através da sua única visão passamos a primeira meia hora de filme tão paralisados quanto o personagem. Não há nenhum outro angulo para olhar o mundo, nenhum movimento para mudar a perspectiva, nenhuma opção de comando. A imagem é uma só, turva e repetitiva. Angustiante, mas extremamente educador.

Aliás, o filme acaba por promover uma grande celebração da vida. É possível reciclar valores ao viver a única comunicação que Jean Dominique tem com o mundo à sua volta, e esta reciclagem nos faz admitir: quando perdemos qualquer uma de nossas faculdades físicas, sabemos o quão importante e essenciais elas são para viver. Os pensamentos de Jean são partilhados com o público e revelam um homem de bem com a vida, inteligente, sagaz e de grande tenacidade. Essa fome de viver resiste ao escanfandro em que ele se meteu após o derrame. Ele encontra uma borboleta para fazer seus sonhos bater asas. Nesse momento, a estória é simplesmente sublime. É também mágica a forma como descobrimos a gênesis das idéias de Jean brotando do vazio, do seu claustro particular e do seu aparente mundo vegetativo. Mais do que uma luz no fim do túnel, vemos uma luz refletindo sua alma, tão viva quanto ele era antes do acidente. Essa vida não-física permanece latente, produtiva e surge com uma força tão intensa que seu exemplo nos enche de (justamente) vida!

Por meio de um código criado com a enfermeira, Jean dá vida a um livro narrando seu drama. Com o piscar dos olhos ele codifica palavras, frases e parágrafos. Acompanhamos esse trabalho árduo, mas libertador. Suas idéias são colocadas no papel e cada frase criada é como um açoite para nós que gozamos de todas as possibilidades físicas e mentais para produzir obras e simplesmente deixamos todas em completa negligência, omitimos informações e gratuitamente nos subvalorizamos. Não há como passar ileso depois de asssitir a estória de Jean Dominique. É possível encontrar a essência da vida quando o mundo estiver restrito apenas a uma visão do olho esquerdo. Isso é válido para todo tipo de deficiência que a priori nos causa piedade. É impressionante como o deficiente pode adentrar um universo interior e encontrar lá uma energia tão assustadoramente forte e capaz de mantê-lo talvez mais vivo dos que muitos que gozam de todas as suas faculdades físicas e mentais. O Escafandro e A Borboleta é um filme para causar reciclagem. Se não, é possível que você não esteja usando bem seus dois olhos.

Simplesmente Dorothy

2010-08-08T04:31:00.010-03:00

Apesar do título amendrontador em português (no original o filme se chama apenas Dorothy, o que é bem mais racional e coerente com a estória), Os Demônios de Dorothy Mills traz entre muitas surpresas o trabalho arrebatador da atriz Jenn Murray no papel-título.

O parapsiquismo é uma faculdade natural do ser humano, uma vez que vivemos multidimensionalmente. Para aquele que experimenta qualquer fenômeno paranormal, o parapsiquismo não é o mistério, mas um excelente recurso para desvendá-lo. Tampouco cabe mais ser enquadrado em teorias e nem encontra-se no limbo dos ceticismos. Contudo, além da vivência parapsíquica não ser tão comum quanto sair com os amigos, devido ao restringimento físico, ela se aniquila como consequência de crenças arraigadas, cientificismos materialistas e uma grande variedade de posturas existencialistas que não conseguem enxergar além da realidade física. É justamente nesse ponto que Os Demônios de Dorothy Mills encontra o seu plot.

Apesar de toda campanha propagandista em torno do filme, seu drama passa longe daquele visto em O Exorcista e tampouco pode ser considerado terrivelmente assustador. É apenas um filme coerente sobre paranormalidade e consequentemente bom para ser indicado, o que, para mim, já vale a sugestão. Mas o interesse da máquina de fazer medo do cinema e seu mercado de divulgação é justamente o contrário, a começar pela escolha do título em português. Lamentável se entendemos a real intenção por trás dessa escolha. Mas nem tão lamentável assim se entendermos o título para justificar o mundo da ignorância em que Dorothy vive "suas exquisitices."

O problema das religiões é vender suas verdades como definitivas e enquadrar a mente humana numa única moldura da realidade, essencialmente física, apesar de vagar no domínio espiritual. O alijamento da verdade relativa de ponta, utilizada pela pesquisa científica, endurece a intolerância e promove o preconceito. Tais consequências servem muitas vezes, entretanto, como dissimuladores da incoerência religiosa. Na medida em que não há o exercício da crítica e do livre arbítrio sobre o que acreditar nem a direção a tomar, muitos sucubem diante dos próprios males não revelados. A Igreja não dá conta do que você sente, mas do que deve ser sentido segundo seus preceitos. Numa pequena comunidade religiosa controlada (ou amendrontada) por um padre, essa mordaça tem efeitos ainda mais drásticos e termina por afundar-se em seus próprios segredos e mistérios.

É esse o cenário da estória de Dorothy, uma adolescente vítima de seu parapsiquismo, que apesar de tido como assustador, para muitos é tanto um atributo de sobrevivência espiritual quanto ameaçador. Quando os efeitos do parapsiquismo destrambelhado da menina atinge os membros da comunidade, com a tentativa de assassinato de uma criança, uma psiquiatra é chamada para examinar Dorothy e facilmente ela é diagnosticada como vítima de distúrbio de múltipla personalidade. Porém, quando a menina fala com a voz do filho recém-falecido da médica, o que inicialmente parecia loucura passa a ser o que os moradores acreditam, isto é, que Dorothy é um canal com o mundo dos mortos.

Um interessante estudo sobre a hipocrisia e os preconceitos que corroem uma sociedade pode ser feito a partir do que nos mostra o filme. Por trás da intolerânia dos moradores, sobrevive um segredo tenebroso revelado no final. Muitos usam Dorothy no aquém para lhes trazer notícias de entes queridos que estão no além, em rituais conduzidos pelo padre na própria igreja do lugar! e a fachada criada pelas crendices vai aos poucos ruindo na medide em que Dorothy começa a revelar a verdade, momento em que, fazendo jus ao título, todos os demônios são libertos. Talvez assim, esse título em português faça algum sentido.

Entrevista com Alejandro Amenábar - Diretor de Ágora

2010-06-26T02:33:00.003-03:00

Alejandro Amenábar é um cineasta espanhol, porém, nascido no Chile. Radicado em Madrid desde 1973, onde foi viver com apenas 1 ano de idade, estreou sua filmografia com La Cabeza (1991), filme premiado na Associação Independete de Cienastas Amadores.

Seu segundo filme, Abre los ojos (1997), reúne junto da crítica e do público um consenso muito positivo. Depois realiza Os Outros (2001) protagonizado por Nicole Kidman e Mar Adentro (2004), com Javier Bardem, filme premiado com o Oscar de Melhor Filme Estrangeiro. Sua trajetória no cinema é impressionante. Não apenas pela qualidade dos seus filmes, mas por sua qualificação técnica numa idade em que a imaturidade podia muito bem lhe pregar algumas peças. É, sem dúvida, um dos melhores realizadores de cinema da atualidade.

10 Obras para Acelerar Sua Erudição

2010-06-20T03:53:00.015-03:00

Blaise Pascal
Direção: Roberto Rossellini; Ano de produção: 1972; País: Franca, Itália; Duração: 129 min.

Blaise Pascal foi um físico, matemático, filósofo moralista e teólogo francês. Contribuiu decisivamente para a criação de dois novos ramos da matemática: a geometria projetiva e a teoria das probabilidades. Em Física, estudou a mecânica dos fluidos, e esclareceu os conceitos de pressão e vácuo ampliando o trabalho de Evagelista Torricelli. É ainda o autor da primeira máquina de calcular mecânica, a Pascaline, e de estudos sobre o método científico.

O filme mostra os conflitos entre ciência, filosofia e religião na vida de Blaise Pascal (1623-1662), desde os 17 anos, quando acompanha o pai transferido para Rouen, até a morte em Paris, com 39 anos. Quase todo baseado em diálogos, inclui longos debates sobre a existência do vácuo, experiências com pressão atmosférica e fluidos, a criação da primeira máquina de calcular mecânica, a posição jansenista de Pascal e a elaboração de algumas de suas obras. O filme explora também intensamente a relação familiar com o pai, o agente fiscal Etienne Pascal, e a irmã, Jaqueline, que após a morte do pai se recolhe a um convento.

Raízes do Brasil - Uma Cinebiografia de Sérgio Buarque de Holanda (Documentário)
Direção: Nelson Pereira dos Santos; Ano de produção: 2003; País: Brasil; Duração: Disco 1: 73min - Disco 2: 73min.

Sérgio Buarque de Holanda foi um dos mais importantes historiadores brasileiros e renomado intelectual. O documentário traz imagens inéditas da época e da vida do intelectual, da sua famosa família (os Buarque de Holanda - Chico era um dos seus filhos famosos, assim, claro, como Miúcha), reunindo um compêndio para lá de interessante da vida intelectual brasileira da primeira metade do século XX até os dias atuais. Sérgio Buarque vivia submerso no universo de seus livros, mas deixava a porta do escritório aberta para ouvir os ruídos da casa e as eventuais fofocas. Era extremamente dedicado ao trabalho e ao mesmo tempo adorava a boemia e um bate papo com os amigos. Erudito, devorava livros. Sua história é contada pela família, amigos e através de uma cronologia que ele próprio escreveu.

Sócrates
Direção: Roberto Rossellini; Ano de produção: 1971; País: Espanha; Duração: 120 min; Roteiro: Roberto Rossellini e Marcello Mariani.

O filme, originalmente produzido para a televisão, mostra o final da vida do filósofo grego Sócrates (470 - 333 a.C.), incluindo seu julgamento e sua condenação à morte. É composto quase que totalmente por diálogos, baseados em Diálogos de Platão como Eutífron, Hípias, Apologia, Críton e Fédon, além de uma breve encenação da comédia As Nuvens, de Aristófanes, que ridiculariza Sócrates. É sempre bom lembrar que Sócrates nada escreveu, pois acreditava que a filosofia devia ser praticada oralmente.

A interpretação de Jean Sylvère para Sócrates é comovente. É possível assistir Sócrates, acompanhado de seus discípulos, andando por Atenas e empregando seu método, a maiêutica, que levava seus interlocutores a caírem em contradição. Assim, podemos conhecer várias figuras da época.

Danton - O Processo da Revolução
Direção: Andrzej Wajda; Ano de produção: 1983; País: França, Polônia, Alemanha; Duração: 136min.

Após a Revolução Francesa, a França vive uma nova onda de terror. Danton, um dos líderes da revolução, enfrenta o governo na tentativa de mudar a situação. Confiando no apoio popular, ele entra em choque com Robespierre, seu antigo aliado, mas acaba sendo levado à julgamento.

A Revolução Francesa representa o conjunto de acontecimentos que, entre 5 de Maio de 1789 e 9 de Novembro de 1799, alteraram o quadro político e social da França. Ela começa com a convocação dos Estados Gerais e a Queda da Bastilha e se encerra com o golpe de estado do 18 Brumário de Napoleão Bonaparte. Em causa estavam o Antigo Regime (Ancien Régime) e a autoridade do clero e da nobreza. Foi influenciada pelos ideais do Iluminismo e da Independência Americana, em 1776. A Revolução Francesa foi um dos maiores acontecimentos da história da humanidade.

O Povo Brasileiro (Documentário)
Direção: Isa Grinspum Ferraz; Ano de produção: 2000; País: Brasil; Duração: 260min; Episódios: 10.

O antropólogo Darcy Ribeiro (1913-1997) foi um dos maiores intelectuais brasileiros do século XX. Esta produção realizada para a televisão mostra em 10 episódios (2 DVDs) a obra-prima do antropólogo, O Povo Brasileiro, em que ele tenta responder a questão "quem são os brasileiros ?", investigando a formação do nosso povo. A série conta com as participações especiais de Chico Buarque, Tom Zé, Antonio Cândido, Aziz Ab'Saber, Paulo Vanzolini, Gilberto Gil, Luiz Melodia, entre outros.

Com imagens captadas em todo o Brasil, amterial de arquivo raro e depoimentos, O Povo Brasileiro é indispensável para todos os interessados em conhecer a história do Brasil, desde os primeiros índios até os dias atuais.

Para Sempre Pestalozzi
Direção: Peter Von Gunten; Ano de produção: 1989; País: Alemanha, Suíça; Duração: 110min.

Biografia do educador suíço Johann Heinrich Pestalozzi (1746-1827), um dos pioneiros da pedagogia moderna. O DVD traz ainda uma palestra sobre a importância de Pestalozzi na educação do espírita, folósofo e educador francês Allan Kardec. O filme focaliza um período crítico no desenvolvimento das teorias educacionais de Pestalozzi, quando o educador dirigia um internato para crianças pobres em um vilarejo na parte francesa da Suíça.

Descartes
Direção: Roberto Rossellini; Ano de produção: 1974; País: Itália; Duração: 162 min.

René Descartes, o famoso filósofo, cientista e matemático francês, nasceu em 1596, na cidade de La Haye. Notabilizou-se sobretudo por seu trabalho revolucionário na filosofia e na ciência, mas também obteve reconhecimento matemático por sugerir a fusão da álgebra com a geometria, o que gerou a geometria analítica e o sistema de coordenadas, que hoje leva o seu nome. Por fim, ele foi uma das figuras-chave na Revolução Científica. Com quase 3 horas de duração e dividido em 2 episódios, o filme apresenta a biografia de Descartes, começando com sua educação no Colégio La Fléche. O filme apresenta o contexto da elaboração e publicação de suas principais obras. Aqui, Descartes faz a leitura de passagens do Discurso do Método.

Freud Além da Alma Direção: John Houston; Ano de produção: 1962; País: Estados Unidos; Duração:

Huston tinha em mente um projeto ambicioso, quando convidou ninguém menos que o filósofo francês Jean-Paul Sartre para escrever o roteiro. Sartre aceitou, demorou-se para entregar o texto e, quando o fez, este veio na forma de um calhamaço que acabou virando um livro de 769 páginas, que o diretor não conseguiu filmar. Dessa forma, o roteiro de Freud Além da Alma vem assinado por Charles Kaufman e Wolfgang Reinhardt.

Freud Além da Alma se concentra nos anos iniciais da trajetória do personagem, no desbravamento desse novo campo do conhecimento, aliás, bastante incômodo para o narcisismo contemporâneo. Não por acaso, a narrativa começa pela comparação freudiana de sua percepção da primazia do inconsciente com as teorias de Copérnico e Darwin, que desmistificaram a ilusão da Terra como centro do sistema solar e a do homem como espécie à parte no reino animal.

Tempo de Resistência (Documentário)
Duração: André Ristum; Ano de produção: 2004; País: Brasil; Duração: 115min.

Não podemos nos considerar eruditos desprezando o conhecimento sobre a ditadura militar, posto que o episódio representa um período marcante da nossa história e uma ferida ainda aberta para muitas famílias de desaparecidos nos dias de hoje.

A partir do depoimento de mais de 30 pessoas diretamente envolvidas na resistência à ditadura, e impactantes imagens de arquivos, o documentário revela os fatos deste nebuloso momento brasileiro, que se estendeu por mais de 20 anos. Aqui, temos uma boa mostra sobre o que foi o período de repressão no país, o processo do golpe militar, desde o comício do Presidente João Goulart até o dia da Anistia. Além disso, o documentário aborda os reflexos da ditadura no interior do estado de São Paulo e no interior do Brasil.

Einstein - Muito Além da Relatividade / A Grande Idéia (Documentário)

Einstein - Muito Além da Relatividade, o volume 1, foi produzido pela NOVA/PBS a partir das anotações do próprio cientista. É uma ótima edição para fazer você compreender a criatividade científica que dominava o maior nome da física moderna. O documentário refaz a trajetória de um estudante não tão brilhante assim e um marido que não sabia lidar com a imprevisibilidade das relações humanas, até se tornar o mais famoso físico de todos os tempos. A produção criou animações para explicar a Teoria da Relatividade. Além disso, a obra traz reflexões de Einstein sobre a natureza da luz e da fusão do espaço-tempo num contínuo inseparável que alteraram para sempre a imagem que temos do Universo.

Einstein - A Grande Idéia, volume 2, mostra o jovem e obscuro funcionário de um escritório suíço de patentes quando ele concluiu que massa e energia são inseparáveis na Natureza. Essa idéia ainda viria a mudar completamente a forma como vemos o Universo. Voltamos a "tentar" entender a equação E=mc2 através de boas explicações criadas para leigos, com reconstrução histórica de todos os eventos que marcaram o momento em que o mundo conheceu a teoria mais famosa de todos os tempos.

O Sacrifício de Andrei Tarkowski

2010-04-28T02:45:00.006-03:00

Por José Marçal Gonçalves dos Santos

O filme O Sacrifício (Offret, Suécia, 1986) foi a última realização que o cineasta russo Andrei Arsensevich Tarkovski (1932-1986) ofereceu ao público antes de falecer aos 54 anos de idade, em dezembro de 1986.

O filme conta a história de um eventual encontro em família para comemorar o aniversário de Alexander (Erland Josephson), professor universitário e ex-ator de teatro que vive sob a angústia que o afastou dos palcos. No encontro, todos são surpreendidos pelo anúncio na televisão acerca do lançamento de um míssil nuclear e a instrução de que todos se mantenham em suas casas até uma possível segunda ordem. A angústia de Alexander, que reúne filho, filha, esposa e amigos em sua casa, o oprime a ponto de dispor-se a um sacrifício a fim de salvar sua família e seus amigos.

“O filme é uma parábola”, passível a muitas interpretações, e que se propõe a discutir a humanidade e a cultura moderna em meio à década de 1980. Especulando sobre o tema da catástrofe nuclear, reúne suas críticas à civilização tecnológica, ao estilo de vida de sua cultura sob o real potencial de autodestruição do planeta pelo ser humano. O filme lança seu olhar, contudo, na direção não exatamente de uma resposta moral ou de uma ética geral; ao contrário, encarna-se no dilema pessoal do protagonista e sua atitude de auto-sacrifício cuja motivação essencial é o amor e mesmo a sua carência. Nas palavras de Tarkovski:

"O que me impeliu foi o tema da harmonia que nasce apenas do sacrifício, da dupla dependência do amor. Não se trata de amor mútuo: o que ninguém parece entender é que o amor só pode ser unilateral, que não existe outra espécie de amor, que, sob qualquer outra forma, não é amor. Se não houve entrega total, não é amor."

Andrei Tarkovski nunca escondeu a intencionalidade que afeta sua criação, de alcançar e registrar em sua lente uma observação da vida, cujo critério de autenticidade e verdade é a alma humana. Com seus filmes, Tarkovski buscou construir uma relação entre obra e público, convidando a uma comunicação de experiências cuja verdade é, por isso, essencialmente amorosa e relacional. A originalidade de Tarkovski está naquilo que ele chamava de “ligação orgânica” entre autor e obra e o modo que encontrou para compartilhar de si mesmo por meio de seus filmes.

À medida que fez cinema, vivenciou novos nascimentos, recriou sua própria memória, sua infância, sua geração numa nova realidade, a obra de arte. Por isso, ele defendia a idéia de que o cinema, como toda arte, tem uma função espiritual de “preparar uma pessoa para a morte, arar e cultivar sua alma, tornando-a capaz de voltar-se para o bem”. A seu modo, ele entende que esse “cultivo de si” por meio da arte é possibilitado pela mediação comunicativa da arte, cuja intenção expressiva entende sempre como um exercício amoroso de compartilhar de si. Como vemos no início e no fim de O Sacrifício: “no princípio era o verbo”, um estado de relação e comunicação de almas em que, porém, não necessariamente algo precisa ser dito, mas pode ser compartilhado como presença apenas.

Tarkovski desenvolveu sua arte ao longo de pouco mais de vinte anos, perfazendo uma obra de sete longas-metragens, dois documentários e um curta-metragem que o diplomou na faculdade de cinema, além de algumas participações como roteirista e ator. De certo modo, uma obra modesta em números, mas reconhecida pela originalidade estilística, desenvolvida também sob um cuidado teórico-crítico de busca por uma forma autêntica de arte cinematográfica. A diretriz teórica para essa autenticidade, por sua vez, Tarkovski encontra na noção de “tempo impresso”. Assim, para ele, não é o movimento e a concatenação de acontecimentos numa narrativa que define o cinema como arte da observação, mas o tempo como experiência subjetiva de participação e contemplação, encontro e estranhamento com a realidade mediada pela arte da imagem em movimento. Concebendo o tempo como matéria-prima do cinema, Tarkovski autocompreende-se, ao lado de outros cienastas como um poeta cuja arte cria universos próprios sintetizados por instantes esculpidos em imagem em movimento.

Os filmes de Tarkovski, por conseguinte, exigem um público aplicado. Além de tempo – em média seus filmes têm em torno de 3 horas de duração – também requerem uma atitude de entrega e participação criativa. A cena de abertura de O Sacrifício descrita acima, por exemplo, tem em torno de seis minutos, coincidindo exatamente com o tempo da música que conduz a cena. O filme inicia convidando a uma dubiedade entre o “presente” que o rei mago traz ao Jesus-Criança de Da Vinci e o “sacrifício” do Cristo que ressoa na música de Bach. A ausência de movimento pela falta absoluta de ação dos personagens literalmente, ou melhor, pictoricamente fixados à tela, causa um primeiro estranhamento que, se aceito pelo espectador, lhe abrirá as portas para a história.

"Essas revelações poéticas, todas elas válidas e eternas, testemunham o fato de que o ser humano é capaz de reconhecer a imagem e semelhança de quem o criou, e de exprimir este reconhecimento." A. Tarkovski em Escupir o Tempo.

Sabedoria Condenada

2010-04-23T16:32:00.007-03:00

A vida de Hypatia foi marcada por sua paixão pelo conhecimento. Hypatia era a filha de Theon, que foi considerado um dos homens mais cultos de Alexandria, no Egito. Educada num mundo de instrução e academicismo e desde cedo vivendo num ambiente de ideias, Hypatia não somente ficou conhecida como matemática e cientista, mas também como uma grande filósofa. Além disso, desenvolveu grande entusiasmo pela astronomia e astrologia.

Alguns historiadores acreditam que Hypatia nasceu no ano 370. Outros afirmam que era uma mulher mais velha (60 anos) na época de sua morte, assim tendo seu nascimento sido no ano 355. Ela foi sem dúvida a primeira mulher a ter um impacto profundo no pensamento matemático. Hypatia viveu em Alexandria quando o cristianismo começou a dominar as outras religiões e a dizimar aqueles que se opunham às suas idéias.

É aqui que o filme do diretor espanhol Alejandro Amenábar (o mesmo de Os Outros e Mar Adentro) começa. Interessante pontuar que o filme foi proibido na Itália, censurado nos EUA e não tem previsão para chegar no Brasil - apenas disponível por download na internet. Na Espanha, a película teve a maior bilheteria em 2009, ganhando mais de 10,3 milhões dólares em apenas quatro dias de exibição. Até 1 de fevereiro de 2010, Ágora tinha arrecadado cerca de US $ 35 milhões.

O drama histórico espanhol de Amenábar mostra cruamente os conflitos políticos, religiosos e culturais que marcaram o século IV na cidade de Alexandria, famosa por sua biblioteca, tantas vezes destruída e renascida literalmente das cinzas. O filme é um petardo no caráter obscurantista do cristianismo e uma celebração à liberdade do pensamento científico. Tendo escrito também o roteiro, Amenábar desfila sua sensibilidade histórica com maestria. Ele consegue ser profundo e imparcial, mostrando todos os tópicos em questão: filosofia, ciência grega, política romana, o avanço do cristianismo, os judeus ortodoxos e as linhas religiosas mais radicais da época.

Além da ferocidade cristã contra a cultura egípcia, o que mais impressiona em Ágora é saber que foi ela, Hypatia, quem primeiro afirmou em suas aulas na universidade que a Terra girava em torno do sol, que havia uma lei da gravidade, que havia relatividade nos movimentos e a posição dos planetas no sistema solar, poerias que só muitos séculos depois Copérnico, Newton e Einstein voltariam a levantar. Mas Ágora é muito mais do que uma biografia de Hypatia. O filme trata de um capítulo importante da História do Mundo e se torna por isso a biografia de uma cultura que atravessaria os séculos como uma das bases sólidas do pensamento filosófico e científico.

Amenábar coloca a condenação a todo tipo de fanatismo no centro de sua obra, imprimindo sua ideologia em cenas grandiosas e repleta de efeitos visuais, algumas intimistas, outras profundas. O toque sublime de sua abordagem, digamos humanista-universalista, é quando a camera viaja no espaço sobre a Terra e de lá mergulha até a cidade de Alexandria. Isso mostra o quanto somos pequenos diante do cosmo e o quão qualquer disputa se torna insignificante diante de uma perspectiva universalista. Seus diálogos têm igualmente grande impacto filosófico.

Em tais diálogos, a obra evidencia o retrocesso que a seita cristã trouxe para o mundo. Se os egípcios não estavam isentos das tradições cegas, posto que permitiam a escravidão, serviam sacrifícios aos seus deuses e se dividiam em castas, eles tinham uma qualidade inegável: reservavam ao ser humano um papel muito mais intelectual do que aquele que o obscurantismo dos cristãos tinha em mente. Quando o Egito deixou de ser o centro produtor de idéias e ciência do mundo antigo, o cristianismo dominou deixando o novo mundo na escuridão. Não tardou para a seita cristã armar seus alicerces na alma humana, culminando com a chegada da idade média e o terror da Inquisição.

Numa das cenas mais profundas do filme, a protagonista Hypatia confronta um dos seus alumos, quando ele tenta convertê-la ao cristianismo. Ela responde: "se você não questiona a sua fé, então você não acredita realmente nela." Mais tarde, ao ser julgada por seu ateísmo, Hypatia rebateria, "eu acredito na Filosofia." Ou seja, Hypatia já utilizava para si o princípio da descrença. Não acredite em nada, só naquilo que tiver sido experimentado... ou questionado.

Série Entrevistas: Volume 4 - Federico Fellini

2010-04-20T02:26:00.000-03:00

Entrevista de Federico Fellini concedida a BBC inglesa em 1965.

Contatos Impressionantes

2010-04-17T01:52:00.007-03:00

A realidade tende a ser mais assustadora do que qualquer ficção. Embora a frase seja um fato e até se tornado um clichê, ela tem funcionado como um recurso dramático para uma geração (assim podemos dizer) de filmes de suspense/terror desde a Bruxa de Blair. A ferramenta para dar sustos mais consistentes em platéias foi recentemente usada de forma eficiente no blockbuster Atividade Paranormal e causado muita polêmica em Contatos de 4° Grau, filme lançado ano passado no circuito mundial.Desde O Exorcista (o primeiro e mais assustador), um filme não me faz remexer da cadeira tantas vezes nem acelerar tanto meus batimentos cardíacos como em Contatos de 4° Grau. Isso por dois motivos básicos: (1) a capa do DVD anuncia que o filme foi baseado em casos verídicos, e (2) o diretor decidiu mesclar cenas ficcionais com as dos vídeos gravados na realidade, de modo que vemos atores encenando simulações de cenas reais em split screen - técnica cinematográfica em que a tela se divide em duas. Nada mais original, impressionante e, digamos, assustador! Não há quem dê de ombros para o filme como eu fiz com Atividade Paranormal. Aqui, a razão de ter medo é real, ou melhor, baseada em casos reais.

Enquanto produção artística cinematográfica, Contatos de 4° Grau é um thriller inteligente de regelar a espinha e faltar a respiração. Ambientado em Nome, pequena cidade do Alasca, a história dá conta de desaparecimentos de pessoas misteriosamente abduzidas por alienígenas na região. Mostra evidências, apresenta estísticas e reporta casos com envolvimento do FBI. No entanto, apesar de toda a investigação, nada até o momento foi comprovado. Quando a psicóloga Dr. Abigail Tyler começa a gravar suas sessões com pacientes traumatizados por contatos com inteligências alienígenas, ela acaba descobrindo as mais perturbadoras evidências de abduções jamais reveladas ao público. Ela mesma está imersa no mesmo problema e sofre dos mesmos males após a morte do marido, supostamente abduzido: pertubações mentais, esquecimentos súbitos, visões atemorizantes, insônia, possessões etc.

Nos depoimentos, a psicóloga descobre que diversas pessoas sonhavam com a mesma coisa, a aparição de uma coruja, e relatavam os mesmos terrores noturnos. Em sessões de hipnose, a Dra. Abgail concluiu que todas haviam sido abduzidas por extra-terrestres, até que termina ela mesma hipnotizada por um colega de profissão e descobre que também teve o seu contato de 4° grau. O filme então já se encontra em seu ápice dramático e sua fábrica de produzir medos, sustos e sobressaltos funcionando a todo vapor. Na sua linha documental, as cenas ficionais mescladas com as reais numa mesma tela, sem dúvida, produzem uma carga emocional extra ao espectador, efeito para mim até então inédito no cinema. É quando temos a comprovação de que a realidade é mesmo mais assustadora do que a ficção.

Contudo, não é apenas na produção que a indústria do medo se supera em Contatos de 4° Grau. Com uma nova proposta para o (relativamente novo) gênero de filmes conhecidos por documentais, ou ficção/documentário, a idéia vai bem mais longe do que imaginamos na intenção de impressionar pela realidade. Aqui, tanto a ficção quanto a realidade foram inventadas agressivamente, não apenas como recurso dramático, mas como uma jogada de marketing. O estúdio Universal divulgou matérias fictícias para corroborar os casos narrados no filme em jornais americanos e também em websites. No começo do filme, a atriz Milla Jovovich apresenta estatísticas sobre abduções no Alasca desde a década de 1960, adverte sobre o conteúdo real de áudio e vídeo e passa ao espectador a decisão de acreditar ou não nos fatos mostrados no filme. Enfim, a produção garante que o filme é baseado em casos reais, mas a afirmação não é verdadeira, o que causou muita polêmca nos EUA quando o filme foi lançado. O filme é pura ficção.

Mesmo como uma obra ficcional o filme impressiona, pois não podemos negar que a apelação foi original e inteligente. Seu mérito é desfazer a impressão de que tudo é falso, com uma história curiosa, assustadora e até convincente, abduzindo facilmente o espectador mais distraído.

Assista ao trailer do filme no rodapé do blog.

Série Entrevistas - Volume 3: Ingmar Bergman

2010-03-10T04:37:00.001-03:00

Entrevistas com o diretor sueco, Ingmar Bergman, para a BBC inglesa.

PARTE 1

PARTE 2

PARTE 3

PARTE 4

PARTE 5

PARTE 6

A Imprevisibilidade Previsível do Oscar

2010-03-09T08:56:00.008-03:00

No hace falta posts sobre os ganhadors do Oscar, porque essa notícia muitos já devem ter recebido de diversas fontes na web. A mais interessante e amplamente discutida no pré e pós evento, no entanto, está no blog O Cinemtógrafo http://o-cinematografo.blogspot.com/. Mas vale a pena algumas linhas sobre a festa da Academia de Holywood, que, de tão imprevisível, se tornou previsível.

Desde a ausência de 2012, um filme que chegou arrebatando platéias e lotando cinemas já na primeira semana, com orçamento milionário e show pirotécnico de efeitos especiais, eu já previa um ano de muitas surpresas. Mas ver o trabalho multimilionário de James Cameron (vide Titanic) e recordista de bilheteria de todos os tempos Avatar perder para Guerra ao Terror, com modesto orçamento e uma diretora que podemos perguntar sem medo, "quem é ela ?" foi além das expectativas em torno das surpresas. Que Jeff Bridges passou ao largo em praticamente tudo que fez até hoje e Sandra Bullock é a queridinha da América não é surpresa. Ok. Eles parecem ter realizado o grande trabalho da vida deles no ano passado - não vi suas atuações. Mas é igualemte surpreendente ver uma ex-campeã das listas dos piores do ano ganhar de Helen Mirren e Merryl Streap, além da estreante de Precious, Gabourey Sidibe, cuja mãe, pasmem, recusou o papel de ser a mãe da própria filha no drama e seguiu tocando e cantando nas estações de metro de Nova Iorque, onde ela ganha um Oscar todos os dias.

O ponto alto da noite ficou por conta do documentário vencedor. The Cove chacoalhou os discretos japoneses e causou rebuliço na população afetada pelas imagens de suas práticas nada ecológicas - porque não dizer nada humanas. Depois do prêmio, os japoneses enlouqueceram, protestaram, se defenderam e proibiram a exibição do filme no Japão (terá sido isso mesmo ?). Foi como se eles dissessem ao mundo, "vocês não têm o direito de vir aqui e ver como somos desumanos." Por lá, parece que matar golfinhos é uma prática de fundo cultural, típica, quase um cartão postal da região. Nesse ponto, paramos e perguntamos: como o ser humano se acostuma à maldade e a transforma em idílicos culturais ? ou mesmo, como julgamos ter direito de sermos perversos ? Bem, se na Arábia se decapita a espadas em praça pública, nos Estados Unidos se pune presos, a maioria negros, com injeções letais, na China quase 10.000 chineses são condenados a morrer todos os anos com uma bala paga pela própria família, alguns deles por conta de cheques sem fundos, porque no Japão não se pode matar golfinhos culturalmente ? Mas o mundo legal (leia-se, das leis) garante, "você pode matar à vontade, desde que tenha uma boa razão para isso e esteja dentro da lei." Parem esse mundo que eu quero descer ! Hey, antes de descer assista The Cove !

Neste Mundo Humanamente Frágil

2010-03-06T17:22:00.017-03:00

No campo de refugiados de Shamshatoo, localizado na cidade de Baxery no Paquistão, viviam 53 mil refugiados afegãos em 2002, época em que o diretor inglês Michael Winterbottom filmou Neste Mundo. Fugidos primeiramente da invasão soviética em 1979, e depois dos bombardeios americanos em 2001, a população afegã refugiada passou a viver em condições precárias e de pobreza extrema, situação que perdura até hoje.

Muitas crianças nasceram no campo e algumas delas trabalham por menos de 1 dólar por dia, como é o caso do protagonista do filme, Jamal. Em Shamshatoo falta dinheiro, educação, saúde e a comida é racionada. A ração diária da população é de 480g de farinha de trigo, 25g de óleo vegetal e 60g de sementes. Cada família recebe uma tenda, uma capa plástica, três cobertores e um fogão. Os gastos com refugiados ficam muito aquém dos 7,9 bilhões de dólares detonados nos bombardeios americanos, que começaram em 7 de outubro de 2001 sob o pretexto de procurar Osama Bin Laden ou derrubar Saddam Hussein - bem, ambos os motivos são válidos. A ONU afirma que não tem verba suficiente. "Nosso orçamento estimado para lidar com o problema dos refugiados nesses primeiros meses é de pelo menos US$ 50 milhões, e temos pouco mais de 30% dessa quantia", afirmara Peter Kessler, 39, porta-voz da organização no Paquistão, no começo do confltio.

O cenário em Shamshatoo é o de uma favela em más condições. Casas de pau-a-pique e mesquitas recém-construídas disputam o pouco espaço do lugar. Boa parte do campo só tem barracas de lona desordenadas, onde é comum ver crianças pedindo comida ou qualquer outra coisa. Nas 21 escolas existentes não há condições de ensino para os professores nem de estudo para os alunos. "Aqui, quando falta giz, a gente dá aula escrevendo no chão", afirma Saeed Mahboab, 45. "Cerca de 90% dos alunos são órfãos de pai." Cada barraca funciona como uma sala de aula. Espremidas em pouco mais de 15 m2, as crianças têm aulas de disciplinas como matemática e religião.

No aspecto político, a situação não fica nem um pouco melhor. Em Shamshatoo, a ONU, o Taleban, ONGs missionárias e organizações extremistas islâmicas dividem espaço sob olhares de desconfiança e ódio mesmo. A falta de recursos gera conflitos e preconceitos dos paquistaneses contra os afegãos. Segundo a ONU, há 203 campos de refugiados no país que não têm estrutura para funcionar de maneira humanamente aceitável. Os afegãos são acusados de causar desemprego e há um clima de animosidade generalizada na região. Kessler, que esteve em campos de refugiados em Ruanda, Congo, Kosovo e Bósnia, faz um diagnóstico pessimista. "Este é o pior acampamento em que já trabalhei. Em Ruanda, a miséria era imensa, mas havia solidariedade, os vizinhos tentavam ajudar. Aqui, há ódio."

Na saúde, "as condições (também) são ruins," como afirma o médico e refugiado Ahmad Karimi, 32, que trabalha em um dos postos de saúde. "Doenças como cólera, febre tifóide e leishmaniose são comuns." A temperatura na região chega facilmente a 50°C no verão. Dentro das barracas atinge 60°C, fazendo com que não apenas haja mais proliferação de doenças como um enfraquecimento físico da população para combatê-las.

Nesse cenário de pesadelo, muitos não resistem e morrem. Outras centenas tentam fugir no desespero e encontram a morte um pouco mais além, nas estradas da fronteira, minadas por contrabandistas de gente, policiais corruptos e grupos de combatentes de ambos os lados da guerra, armados até os dentes. Só no último mês, cerca de 60 mil afegãos cruzaram a fronteira paquistanesa, engordando o contingente de mais de 2 milhões que fugiram desde a invasão soviética. Vivendo de subempregos nas grandes cidades, não são poucos os que partem para a mendicância ou para atividades ilícitas, como o contrabando e o tráfico de drogas. A ONU calcula que só o conflito com os EUA produziu um contigente de mais de 1 milhão de fugitivos afegãos.

O número de vítimas de uma guerra é significativamente maior do que aqueles que dão conta dos mortos em combate. Embora possam existir argumentos psicológicos, políticos, históricos e culturais para a deflagração de uma guerra, o que ela representa é, na verdade, uma extorsão humana. Em benefício de uma irrisória minoria criam-se os custos incomensuráveis de uma maioria incólume: a população civil. Aquele que busca a informação apenas nas reportagens dos meios de comunicação, certamente, não sabe que durante os três primeiros meses da guerra americana no Afeganistão, o número de mortos na população civil ultrapassou 3.700 (vítimas). Um número maior do que o de mortos no ataque de 11 de setembro, em Nova Iorque.

Se somarmos o risco do combate propriamente dito aos riscos colaterais causados por ele, podemos considerar aqui as minas terrestres, a destruição dos sistemas hídricos e de esgoto, as bombas cluster e as cápsulas de urânio como fatores exponenciais de destruição humana, alargando seguramente o número de mortos na população civil. Acrescentando-se, claro, os mortos da retaliação, por conta dos efeitos em cadeia na teia internacional do conflito, uma espiral tão ensandecida e incoerente de crimes contra a humanidade que o combate ao terror é o verdadeiro e mais temido terror.

Para esse universo apocalíptico, Michael Winterbottom levou seis pessoas na sua equipe, encontrou localmente seus atores, todos amadores, e construiu, quase artesanalmente, uma obra consistente, comovente e chocante. No estilo documental, isto é, uma camera na mão, alguma granulação na imagem em certos momentos, narrativa em off e diálogos improvisados de acordo com a ocasião, Winterbottom nos mostra a saga de dois primos que decidem tentar a vida em Londres, literalmente fugindo de Shamshatoo.

O filme retrata a tentativa desesperada de muitos refugiados de buscar uma vida melhor muito longe da guerra e o papel do sonho nessa decisão arriscada, como combustível vital para a dura, incerta e não raramente inútil jornada. No trajeto até Londres não faltam obstáculos, policiais corruptos, contrabandistas de fronteira, aproveitadores e criminosos. Numa viagem imprevisível e quase suicida, os dois partem cheios de esperanças e com uma ingenuidade lamentável na bagagem.

Neste Mundo é um road movie que deixa a paisagem das estradas de pano de fundo para mostrar não só os exageros inevitáveis da vida, para quem vive num universo de condições extremamente precárias, mas sobretudo a intolerância humana e o desprezo das potências políticas com relação ao mundo pobre. O filme ganhou o Urso de Ouro do Festival de Berlim em 2003, assim como outros prêmios europeus importantes.

Tributo às Grandes Atrizes

2010-03-04T00:17:00.001-03:00

Em mais uma grande montagem de Philip Scott Johnson, desta vez, um tributo às grandes atrizes. Um trabalho comovente e um time espectacular.

Mary Pickford, Lillian Gish, Gloria Swanson, Marlene Dietrich, Norma Shearer, Ruth Chatterton, Jean Harlow, Katharine Hepburn, Carole Lombard, Bette Davis, Greta Garbo, Barbara Stanwyck, Vivien Leigh, Greer Garson, Hedy Lamarr, Rita Hayworth, Gene Tierney, Olivia de Havilland, Ingrid Bergman, Joan Crawford, Ginger Rogers, Loretta Young, Deborah Kerr, Judy Garland, Anne Baxter, Lauren Bacall, Susan Hayward, Ava Gardner, Marilyn Monroe, Grace Kelly, Lana Turner, Elizabeth Taylor, Kim Novak, Audrey Hepburn, Dorothy Dandridge, Shirley MacLaine, Natalie Wood, Rita Moreno, Janet Leigh, Brigitte Bardot, Sophia Loren, Ann Margret, Julie Andrews, Raquel Welch, Tuesday Weld, Jane Fonda, Julie Christie, Faye Dunaway, Catherine Deneuve, Jacqueline Bisset, Candice Bergen, Isabella Rossellini, Diane Keaton, Goldie Hawn, Meryl Streep, Susan Sarandon, Jessica Lange, Michelle Pfeiffer, Sigourney Weaver, Kathleen Turner, Holly Hunter, Jodie Foster, Angela Bassett, Demi Moore, Sharon Stone, Meg Ryan, Julia Roberts, Salma Hayek, Sandra Bullock, Julianne Moore, Diane Lane, Nicole Kidman, Catherine Zeta-Jones, Angelina Jolie, Charlize Theron, Reese Witherspoon, Halle Berry

Music: Bach's Prelude from Suite for Solo Cello No. 1 in G Major, BWV 1007 performed by Yo-Yo Ma

A Difícil Arte de Ser o Outro

2010-02-28T02:08:00.007-03:00

Colocar-se na posição do outro e compreender sua realidade é uma árdua tarefa. Mas, se ao menos uma vez fosse realizada, nunca mais falaríamos mal de ninguém. Paradoxalmente, tal esforço é justamente o que nos faz crescer como consciência intrafísica. Isso torna a vida mais complexa, de certo. Mas isso já sabíamos. A vida em si não é nada simples como muitos acreditam. Sem uma decente compreensão da realidade à nossa volta, seja quão humilde essa compreensão for, nosso esforço em nos conhecer está comprometido com o insucesso, pois uma grande parte do que somos representa a maneira como nos relacionamos com o mundo exterior. O homem isolado vegeta.

Cao Guimarães apresenta nesse documentário a voz do outro e o resultado surpreende, pois o que se vê é que, ao viver o outro, permitimos uma grande exposição de nós mesmos. Não há como viver a realidade de alguém sem refletir no outro a nossa própria imagem. A versão que podemos a dar a qualquer elemento externo a nós mesmos contém invariavelmente a nossa impressão. É dizer, a nossa visão do outro constrói o outro a partir de nós mesmos. Mas esse jogo é uma via de mão dupla. Na mesma medida em que construímos o outro, somos construídos por ele. Se você recebesse um convite para permitir que um estranho vivesse em sua casa por uma semana, sem ele jamais ter lhe visto antes, que imagem esse estranho faria de você ao final de 7 dias ? Se nossos pertences refletem o que somos, de que forma estamos representados ?

A decoração, a harmonia, as cores, o estilo, a organização, a disposição dos objetos, os próprios objetos, enfim, tudo que temos pode nos desnudar. Isso, obviamente, na dimensão física, pois a energia do ambiente também contém nossas energias vitais como digitais. No documentário de Cao Guimarães isso fica num nível subliminar. Rua de Mão Dupla mostra suas linhas centrais já nas primeiras imagens do filme. Cao Guimarães convidou seis pessoas pertencentes às camadas médias da população, moradores solitários de Belo Horizonte, a participar de uma experiência inusitada: divididos em duplas, eles trocariam de casa por 24 horas e, munidos de uma câmera digital, filmariam o que bem lhes aprouvesse em casa alheia, tentando elaborar uma imagem mental do morador ausente, através da convivência com seus objetos pessoais e seu universo domiciliar. Ao final, dariam um depoimento para a câmera, contando como imaginaram esse morador, ou esse "outro".

O resultado da experiência é bastante interessante por todas as questões explicitadas acima. É fascinante ver como traçamos nossos retratos no que possuímos, no padrão das nossas energias no ambiente em que vivemos (na verdade, e em qualquer um em que estejamos) e como a percepção humana pode ser tão aguçada ao ponto de nos desnudar com um simples olhar em volta, mesmo quando o observador não pode nos ver. O cineasta mineiro Cao Guimarãese soma cinco longas-metragens e algo em torno de 20 curtas, segundo o próprio, mas, infelizmente, tem visibilidade zero entre o público não frequentador de festivais. Cao possui um estilo espirituoso e desafiador e já ganhou aqui um marcador depois de Rua de Mão Dupla.

Tributo aos Grandes Atores

2010-02-18T00:04:00.005-02:00

A difícil arte de homenagear é para poucos, pois sempre achamos algum injustiçado ausente do grupo de homenageados. Inevitável. Bem, seja como for, esta montagem de Philip Scott Johnson é uma obra prima. Nela, encontramos sempre algum link de semelhança em Douglas Fairbanks Sr., Rudolph Valentino, Charlie Chaplin, James Cagney, Spencer Tracy, Fredric March, Errol Flynn, Fred Astaire, Clark Gable, Laurence Olivier, Gary Cooper, Humphrey Bogart, James Stewart, Tyrone Power, Cary Grant, Henry Fonda, Robert Mitchum, John Wayne, Kirk Douglas, Gene Kelly, Burt Lancaster, William Holden, Marlon Brando, James Dean, Rock Hudson, Montgomery Clift, Anthony Quinn, Gregory Peck, Richard Burton, Jack Lemmon, Sean Connery, Sidney Poitier, Charlton Heston, Steve McQueen, Peter O'Toole, Paul Newman, Clint Eastwood, Robert Redford, Dustin Hoffman, Roy Scheider, Warren Beatty, Dennis Hopper, Al Pacino, Jack Nicholson, Robert De Niro, Gene Hackman, Jon Voight, Harrison Ford, Kevin Kline, Kevin Costner, Michael Douglas, Christopher Walken, Mel Gibson, Sean Penn, John Travolta, Antonio Banderas, Tim Robbins, Samuel L. Jackson, Tom Hanks, Denzel Washington, Tom Cruise, Brad Pitt, Russell Crowe, Kevin Spacey, Will Smith, Jamie Foxx, Leonardo DiCaprio, Johnny Depp, Matt Damon, George Clooney. Parabéns, Philip Scott Johnson, pelo belíssimo trabalho.

A música fica por conta da interpretação de Antonio Menezes para a Suite para Solo de Cello n° 3 em C Maior BWV 1009 de Sebastian Bach.

O Começo da Linguagem

2010-02-14T17:38:00.002-02:00

O clássico do diretor francês Jean-Jacques Annaud poderia muito bem suplantar muitas aulas de pré-história do ensino médio dada a sua importância histórica. Mas como explicar para os adolescentes de hoje a revolução causada pela descoberta do fogo e o uso da roda, numa época em que muitos deles usam gadgets de alta tecnologia, inventos já muito a frente dos incríveis canivetes suiços da geração anterior ?

O desafio dos professores ao abordar tópicos da história do homem é vencer a condição sonífera das histórias milenares, num tempo em que falar de pedra lascada e pinturas rupestres não parece um bom programa. Os obstáculos do ensino da história do homem não ficam apenas na dificuldade de se encontrar meios interativos e visualmente interessantes para alunos de escolas. Com um sistema de ensino retrógrado, pouco criativo e não muito afeito à cultura da leitura, da pesquisa e da visita a museus, adolescentes se tornam adultos desinformados e desinteressados na sua própria história no mundo.

O filme A Guerra do Fogo propõe uma aula de história bem legal e visualmente muito interessante, e como todo bom filme educativo e didático, ele faz parte dessa classe de filmes que ensinam, o que, diga-se, é, infelizmente, obra rara hoje em dia. A pré-história tem sido sistematicamente renegada no cinema, salvo raras exceções. Há referências à época em 2001, Uma Odisséia no Espaço ou em O Planeta dos Macacos. Como tema central, a situação é frustrante. O assunto tem sido basicamente tratado em comédias e desenhos, como, por exemplo, em Meu Amigão das Cavernas, Os Flinstones e A Era do Gelo. No caso de 10.000 a.c., apesar do seu orçamento milionário e caráter blockbuster, o filme fica muito aquém da obra de Annaud.

Lançado em 1981, numa produção Franco-Canadense, A Guerra do Fogo é uma obra que tem como objetivo levantar hipótese sobre a origem da linguagem. Para representar fielmente a época, há ausência total de linguagem verbal no filme e isso é um tanto quanto óbvio, mas o recurso dá seriedade ao trabalho e reforça a carga dramática da história dos três homo sapiens em busca de uma nova fonte de fogo para sua tribo. O fogo é então um elemento divino. Mas observar as interelações entre esses seres humanos de outrora também é uma tarefa prazerosa para os amantes da pré-história e interessados na própria história do homem no planeta. E não será difícil encontrar similitudes de comportamento com os homo sapiens sapiens de hoje, que, em muitas ocasiões, ainda seguem grunhindo.

A maneira como esses três hominídeos se relacionam, se comunicam e disputam territórios com animais e outras tribos menos desenvolvidas é destaque no roteiro assinado por ninguém menos do que Anthony Burguess, foneticista e consagrado autor do livro Laranja Mecânica. Seu trabalho não deixa dúvida nem desconfianças sobre os fatos históricos apresentados. Há momentos antológicos no filme, como a cena em que um dos homens ancestrais joga uma pedra pesada no outro e todos, até o apedrejado, têm um ataque de riso. Em outro momento, algumas fêmeas à beira de um riacho são surpreendidas sexualmente por alguns machos das cavernas e "a coisa" acontece sem repúdio nem acusações de estupro, tudo ali, nesse sentido, é muito natural, mostrando que o homem, desde a sua origem, é um ser prazerosamente sexualizado.

A Guerra do Fogo surpreende o público pela simplicidade da produção e sensibilidade com que trata o intrigante tema da pré-história, ainda recheado de muitas teorias e poucas certezas, um feito não muito fácil sem a classificação de entediante. O filme deve ficar na sua prateleira para uma boa aula de história e futuras revisões oportunas.

Oscar 2010: O Maior Prêmio do Cinema Mundial Anuncia Seus Indicados

2010-02-10T03:19:00.003-02:00

As indicações para a 82ª cerimônia de premiação do Oscar da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas de Hollywood, o maior prêmio do cinema mundial, reúnem tantos bons filmes e superproduções que fica difícil arriscar qualquer palpite sobre quem irá levar a estatueta de Melhor Filme. Apesar da grandiosidade da produção da maior bilheteria de todos os tempos, Avatar, ao passar a linha dos US$ 2 bilhões de arrecadação até o momento, Guerra ao Terror, segundo observadores e especialistas, pode levar o principal prêmio da noite.

Este ano o Oscar resolveu mudar e pela primeira vez desde 1943 indicou nada menos do que 10 títulos para o prêmio de melhor filme. Com tantos filmes bons seria injusto tirar um deles da disputa e a decisão pela mudança foi muito bem pensada. Os indicados são Avatar, Um Sonho Possível, Distrito 9, Educação, Guerra ao Terror, Bastardos Inglórios, Preciosa, Um Homem Sério, Up - Altas Aventuras e Amor sem Escalas. Eu particularmente esperava ver o filme 2012 nessa lista, uma vez que, assim como Avatar, chegou aos cinemas como uma das mais esperadas produções do ano, com um marketing tão poderoso quanto o favorito.

Se há algum sinal sobre quais deles podem ser considerados favoritos, vale a pena dar uma olhada no prêmio de melhor direção. James Cameron (Avatar), Kathryn Bigelow (Guerra ao Terror), Quentin Tarantino (Bastardos Inglórios), Lee Daniels (Preciosa) e Jason Reitman (Amor sem Escalas) reforçam suas produções na disputa. Mas o melhor será se resguardar de tal tarefa e deixar isso para as cartomantes e os críticos mais ousados. Uma nota interessante nesse time é ver marido (James cameron) e mulher (Kathryn Bigelow) dividirem a ponta da lista das opinões sobre quem vai ser o vencedor, tanto em filme quanto em direção.

Ainda lendo as entrelinhas hollywoodianas, podemos arriscar aqui alguns palpites um tanto quanto inevitáveis e certos, como o favoritismo de Up - Altas Aventuras ao prêmio de melhor longa de animação, já que o filme figura entre os 10 indicados para o prêmio de melhor filme. Há filmes muito menos cotados ao prêmio e certamente entraram na lista por alguma razão que a própria razão desconhece, como Um Sonho Possível, Educação e Um Homem Sério. É possível que, no caso de Um Sonho Possível o nome de Sandra Bullock, que disputa o prêmio de melhor atriz, tenha sido a razão do filme entrar na lista dos melhores do ano. Mas não acredito que os jurados tenham votado no filme com algum nível de sobriedade confiável.

Nessa categoria Sandra Bullock disputa diretamente o prêmio com Meryl Streep (Julie & Julia) e Mulligan (Educação) e a estatueta não ficar com alguém além dessas três favoritas. Também foram nomeadas a novata Gabourey Sidibe (Preciosa) e Helen Mirren, por interpretar a mulher de Leo Tolstói em The Last Station. Quanto às indicações para melhor ator, quatro dos indicados eram esperados: Jeff Bridges (Coração Louco), George Clooney (Amor sem Escalas), Colin Firth (A Single Man) e Morgan Freeman (Invictus). Jeremy Renner por Guerra ao Terror completa o time com menos chances.

A categoria dos atores coadjuvantes também traz algumas escolhas garantidas: Matt Damon (Invictus), Woody Harrelson (The Messenger), Christopher Plummer (The Last Station), e Christoph Waltz (Bastardos Inglórios). Correndo por fora Stanley Tucci disputa pela sua interpretação do assassino serial em The Lovely Bones. Na lista das atrizes coadjuvantes Mo'Nique é favorita por seu trabalho em Precisa, e inclui ainda Anna Kendrick e Vera Farmiga (ambas por Amor sem Escalas), Maggie Gyllenhaal (Coração Louco) e Penélope Cruz (Nine).

A seguir lista com os principais indicados:

Atriz Coadjuvante
Vera Farmiga, por Amor sem Escalas
Anna Kendrick, por Amor sem Escalas
Penélope Cruz, por Nine
Maggie Gyllenhaal, por Coração Louco
Mo´Nique, por Preciosa

Ator Coadjuvante
Matt Damon, por Invictus
Woody Harrelson, por O Mensageiro
Christopher Plummer, por The Last Station
Christoph Waltz, por Bastardos Inglórios
Stanley Tucci, por Um Olhar do Paraíso

Melhor Atriz
Sandra Bullock, por Um Sonho Possível
Helen Mirren, por The Last Station
Carey Mulligan, por Educação
Meryl Streep, por Julie & Julia
Gabourey Sidibe, por Preciosa

Melhor Ator
Jeff Bridges, por Coração Louco
George Clooney, por Amor sem Escalas
Colin Firth, por Direito de Amar
Morgan Freeman, por Invictus
Jeremy Renner, por Guerra ao Terror

Melhor Diretor
James Cameron, por Avatar
Kathryn Bigelow, por Guerra ao Terror
Quentin Tarantino, por Bastardos Inglórios
Lee Daniels, por Preciosa
Jason Reitman, por Amor sem Escalas

Roteiro Original
Guerra ao Terror
Bastardos Inglórios
O Mensageiro
Um Homem Sério
Up - Altas Aventuras

Roteiro Adaptado
Distrito 9
Educação
In The Loop
Preciosa
Amor sem Escalas

Melhor Filme Estrangeiro
Ajami (Israel)
o Segredo dos Seus Olhos (Argentina)
A Teta Assustada (Peru)
O Profeta (França)
A Fita Branca (Alemanha)

Melhor animação
Coraline
O Fantástico Sr. Raposo
A Princesa e o Sapo
The Secret of Kells
Up - Altas Aventuras

Melhor filme
Avatar
Guerra ao Terror
Um Sonho Possível
Distrito 9
Educação
Bastardos Inglórios
Preciosa
Um Homem Sério
Up - Altas Aventuras
Amor sem Escalas

Melhor Fotografia
Avatar, de Mauro Fiore
A Fita Branca, de Christian Berger
Harry Potter e o Enigma do Príncipe, de Bruno Delbonnel
Guerra ao Terror, de Barry Ackroyd
Bastardos Inglórios, de Robert Richardson

Melhor Direção de Arte
Avatar, de Rick Carter, Robert Stromberg e Kim Sinclair
O Mundo Imaginário do Dr. Parnassus, de Anastasia Masaro, Dave Warren e Caroline Smith
Nine, de John Myhre e Gordon Sin
Sherlock Holmes, de Sarah Greenwood e Katie Spencer
The Young Victoria, de Patrice Vermette e Maggie Gray

Melhor Figurino
Brilho de uma Paixão, de Janet Patterson
Coco Antes de Chanel, de Catherine Leterrier
O Mundo Imaginário do Dr. Parnassus, de Monique Prudhomme
Nine, de Colleen Atwood
The Young Victoria, de Sandy Powell

Melhor documentário Burma VJ
The Cove
Food, Inc.
The Most Dangerous Man in America - Daniel Ellsberg and The Pentagon Papers
Which Way Home

Melhor efeitos especiais
Avatar
Distrito 9
Star Trek

Só uma questão política ainda não revelada ou um surto acadêmico explicaria a ausência do filme 2012 nessa categoria. É um espanto que um filme com a arrecadação de 2012, US$ 225 milhões só no primeiro final de semana de exibião, tenha ficado simplesmente esquecido em categorias nas quais o filme deveria brigar pela estatueta. Seria honesto incluí-lo nas listas até por respeito ao público! Mas o Oscar há muito deixou de ser uma premiaçlão previsível. A 82ª edição do Oscar será realizada no dia 7 de março, no Teatro Kodak, em Hollywood, com transmissão para mais de 200 países.

Uma Lição de Respeito

2010-01-30T05:18:00.014-02:00

Onde Fica a Casa do Meu Amigo ? do diretor iraniano Abbas Kiarostami é um desses filmes em que percebemos o quanto o respeito ao outro, cumprido às últimas consequências, é um ato isolado, notável e raro de se ver hoje em dia. Falamos de compromisso, responsabilidade, assistência, civilidade. Mas tudo soa utópico quando vemos na realidade a prática desses valores. O filme de Kiarostami mostra, entretanto, que, ao se tentar exercer a humanidade, ganhamos muito mais com as experiências que vivemos no caminho trilhado com essa intencionalidade do que propriamente no ato humanitário em si.

O que pode nos motivar o exercício do respeito certamente tem origem no grau de compromisso e responsabilidade para com o outro que utilizamos na prática. A evolução da consciência passa não apenas pela compreensão do que é importante para o outro, mas sobretudo pela conscientização do nosso papel nesse processo. No filme, Ahmed leva por engano o caderno do amigo para casa, impossibilitando-o a fazer a tarefa pedida pelo professor. Como o amigo já havia sido advertido pelo professor que, caso não trouxesse a tarefa pronta no dia seguinte, seria expulso da sala, Ahmed se viu com a incumbência de levar o caderno para o amigo. Uma tarefa simples se ele soubesse onde o amigo morava.

O pouco que Ahmed sabe sobre o amigo não vai facilitar nem um pouco a tarefa de lhe entregar o caderno. Contra a vontade da mãe, o menino parte para a cidade vizinha à procura de Nematzadeh, seu colega de classe. Então, é possível perceber, até com certa surpresa, e muitas vezes, reconheço, com um certo encanto, como a boa intenção é redentora e, sempre, recompensadora. Enquanto procurava o endereço do amigo, vemos que pouco importa a procura em si, e sim os passos que precisamos dar numa assistência sincera e o aprendizado que o ato envolve, independente da chegada.

Quando Ahmed chega na cidade vizinha, onde supostamente Nematzadeh mora, a camera de Kiarostami faz lembrar os enquadramentos de Charles Shultz, onde apenas o menino é importante na tela. Isso fica claro quando os três primeiros encontros nas ruas. O primeiro é com um velhinho que carrega palha, mas cujo rosto não vemos. A impressão é que o menino está conversando com um monte de palha ambulante. Em seguida, uma toalha cai da varanda de uma das casas. Uma voz de mulher adulta pede para que o menino a jogue de volta. Por fim, ele encontra um outro colega de turma, que tampouco sabe onde Nematzadeh mora, mas que, aqui, sabemos porque o menino reclama na sala de aula de dores nas costas: ele ajuda o pai no trabalho, carregando pesadas latas de leite. O que nos remete a temas recorrentes no Brasil sobre crianças trabalhando numa época da vida em que deveriam se preocupar exclusivamente com os estudos.

Numa de suas idas e vindas à cidade vizinha à procura do amigo, Ahmed encontra o avô. No segundo diálogo que o menino tem com um adulto da família na sua peregrinação assistencial, o primeiro foi com a sua mãe em casa antes de sair para entregar o caderno, o diretor Kiarostami mostra uma significativa diferença de valores. O idoso, como a sua mãe anteriormente, tenta tirá-lo do seu caminho minizando a tarefa do neto devolver o caderno para o amigo, sob o pretexto de que o menino fosse buscar os seus cigarros em casa. Enquanto Ahmed vai buscar os cigarros em casa, a camera se fixa no avô. Então, vemos que, para o idoso, o ato de respeitar passa pelo uso da violência como forma de intimidação aos membros menores da família. Numa de suas falas, ele diz que seu pai lhe batia a cada quinze dias, não porque tinha um bom motivo para isso, mas porque tinha que manter a imposição do respeito pelo temor.

Na mesma sequência, Ahmed não se faz ouvido pelos adultos. Ele procura ajuda com um vendedor de portas que não lhe ouve, mas que ao saber se tratar do pai de Nematzadeh, segue o homem de volta à cidade vizinha. Lá, infelizmente, descobre que o filho dele também se chamava Nematzadeh, mas não era o amigo de sala de Ahmed, e tampouco o conhecia em Koker. Certamente Kiarostami, que não disperdiça sigmas em seus filmes, nos mostra um caminho em S no morro que liga as duas cidades - S de Sísifo, que, na mitologia grega, foi condenado a carregar uma pedra ao alto de um morro para vê-la rolar de volta à base por toda uma eternidade. A procura pelo amigo era, seguramente, um trabalho de Sícifo para aquele menino !

O último encontro que Ahmed tem no povoado vizinho está cheio de significados. Em suas várias viagens à Koker, já perto do pôr do sol, ele encontra o velhinho marceneiro. No filme, o personagem representa a sabedoria, a cultura e a tradição. Caminhando com o menino, ele mostra orgulhoso a cidade como uma de suas obras. Sábio, ele tem uma fala mansa e caminha lentamente, desfrutando de cada palmo da localidade, enquanto o menino caminha rápido, sempre com pressa e quase sem olhar em volta, tentanto vencer o tempo e demonstrando impaciência com o lento. Na medida em que o velho sábio sabe por onde anda com seus passos lentos, o menino está perdido e sem direção em seus passos rápidos. Logo em seguida, ele se desgarra do velho, mas esbarra no medo dos latidos de um cão e pára. É quando o velho o alcança e o reconforta. Sublime interpretação do diretor para a sabedoria dos experientes diante da impetuosidade dos jovens que ainda têm muito o que aprender com a vida.

Terminando o dia, Ahmed está de volta à sua casa. Derrotado por não ter encontrado a casa do amigo, ele sofre, recusa a comida que a mãe lhe serve, está pensativo, triste e isolado em seu universo de frustração. Mas, ao invés de, apesar de exausto, ir dormir, vai fazer a sua tarefa. Abre os dois cadernos e atravessa a noite fazendo os exercícios em duplicidade. Na manhã seguinte na sala de aula, o colega Nematzadeh já se sente perdido por não ter feito os exercícios, quando o professor começa a revista nos cadernos dos seus alunos. Quando o professor está por revistar o caderno de Nematzadeh, Ahmed chega atrasado na sala de aula. Ele se senta junto ao colega e, discretamente, lhe entrega o caderno. É quando o professor se aproxima e faz a revista. Ao abrir o caderno de Nematzadeh vê que todos os exercícios haviam sido feitos e que, na última página, Ahmed havia colado uma flor, que ele colhera no caminho para Koker, símbolo de suas viagens para encontrar o amigo no dia anterior.

Onde Fica a Casa do Meu Amigo ? deixa várias reflexões como tarefa de casa para o espectador. A mais significativa delas, entretanto, creio que seja sobre os valores da sociedade. No filme, o menino encontra muitos adultos incapazes de entender suas necessidades imediatas e lhe mostrar o caminho certo para alcançar aquilo que ele precisa. Além disso, fica claro que todo aprendizado importante ocorre fora das instâncias da educação formal e familiar. Vemos um professor que aterroriza seus alunos com ameaças e humilhação, uma mãe e um avô que despreza a atitude do menino de cumprir com sua responsabilidade para com o colega de turma, um pai ausente, e tudo que os adultos fazem é deseducar, passar ensinamentos totalmente descontextuados da realidade da criança, que, por sua vez, de forma perseverante, nos mostra que a vida não deve ser uma imitação engessada de uma tradição retrógada, mas uma experiência individual que jamais deve ser levada de qualquer jeito.

Série Tributo: Volume 1 - Andrei Tarkovsky

2010-01-28T02:33:00.007-02:00

Tributo ao premiado e aclamado diretor russo, Andrei Tarkovsky (1932-1985), que se tornou uma lenda do cinema após a realização de obras primas como Solaris, O Sacrifício, O Espelho, Andrei Rublev, Stalker, Nosthalgia e A Infância de Ivan.

Ele dirigiu os primeiros cinco filmes de sua filmografia de sete filmes na antiga União Soviética. Os dois outros foram feitos na Itália e Suécia. Tarkovsky se caracterizou por fazer filmes com grande intensidade dramática, personagens misteriosos, temas metafísicos, histórias carregadas de espiritualidade e reflexões filosóficas. Sua técnica muito particular explorava longas tomadas, movimentos lentos de camera e quadros expostos numa fotografia muitas vezes surreal e pictórica. Nada em seus filmes parece convencional e a estrutura dos seus plots ficou conhecida por apresentar uma cinematografia memorável.

Série Entrevistas - Volume 2: Jean-Luc Godard

2010-01-26T04:31:00.003-02:00

Entrevista realizada com Jean-Luc Godard para televisão francesa.

Aniversário de 1 Ano do Blog Cinema & Consciência

2010-01-24T05:20:00.002-02:00

O Blog Cinema & Consciência fez um ano de existência no último mês de dezembro de 2009. Em tempo, gostaria de agradecer a todos os seguidores e também aos visitantes por manter o fluxo de informação sempre em movimento. Muito obrigado a todos !